Mujeres en la música para niños
Las mujeres en el mundo de la música se refiere a las mujeres que participan en el arte de la música, ya sea como creadoras de canciones, instrumentistas, cantantes, directoras de orquesta, investigadoras musicales, educadoras o periodistas. También incluye los movimientos y eventos musicales relacionados con las mujeres y los desafíos que han enfrentado, así como su importante papel en la música a lo largo de la historia.
En la década de 2010, las mujeres eran una parte importante de los cantantes de música popular y clásica en todo el mundo, y su participación como creadoras de canciones sigue creciendo. Sin embargo, hay menos mujeres productoras de discos, críticas musicales e instrumentistas de rock. Artistas famosas como Björk, Lady Gaga y Madonna han hablado sobre los desafíos y la falta de igualdad en la industria musical. Un estudio reciente mostró que la presencia de mujeres en la industria musical ha sido aún menor en los últimos años. En la música clásica, aunque ha habido muchas mujeres compositoras desde la Edad Media hasta hoy, sus obras aparecen menos en los conciertos, libros de historia musical y enciclopedias. Por ejemplo, en el libro Concise Oxford History of Music, Clara Schumann es una de las pocas compositoras mencionadas.
Las mujeres son una parte importante de los solistas instrumentales en la música clásica, y su número en las orquestas está aumentando. Sin embargo, un artículo de 2015 sobre solistas en orquestas canadienses importantes indicó que la mayoría eran hombres. En 2012, las mujeres solo representaban el 6% de la Orquesta Filarmónica de Viena, una de las mejores del mundo. Es menos común encontrar mujeres instrumentistas en géneros populares como el rock y el heavy metal. Aunque ha habido instrumentistas femeninas destacadas y bandas solo de mujeres, su presencia es menor en géneros más intensos. Las mujeres también están poco representadas en la dirección de orquestas, la crítica musical, la producción musical y la ingeniería de sonido. Aunque en el XIX se desanimaba a las mujeres a componer, muchas se dedicaron a la educación musical, llegando a dominar este campo en la segunda mitad del siglo XIX y principios del XX.
Según Jessica Duchen, escritora musical, las mujeres en la música clásica a menudo son juzgadas más por su apariencia que por su talento y sienten presión para lucir atractivas en el escenario. Edwina Wolstencroft, de BBC Radio 3, señala que la industria musical siempre ha aceptado a las mujeres en roles de actuación, pero menos en puestos de autoridad, como la dirección de orquesta, lo que se conoce como "techo de cristal". En la música popular, aunque hay muchas cantantes, muy pocas trabajan detrás de la consola de audio como productoras musicales. Una de las artistas más grabadas es Asha Bhosle, una cantante india famosa por el playback en el cine hindi.
Contenido
Creadoras de canciones
Siglo XIX y principios del XX
Pocas mujeres compositoras en Estados Unidos lograron publicar y que su música fuera escuchada a finales del siglo XIX y principios del XX. Se esperaba que las mujeres interpretaran música, pero no que la crearan. En 1880, el crítico musical George P. Upton argumentó que las mujeres no tenían la creatividad para componer buena música. Más tarde, se aceptó que las mujeres tuvieran un papel en la educación musical, donde llegaron a dominar. Como parte de este rol, escribieron himnos y música para niños. Antes de 1825, solo unas 70 obras musicales seculares impresas en Estados Unidos fueron hechas por mujeres. A mediados del siglo XIX, surgieron compositoras notables como Faustina Hasse Hodges y Marion Dix Sullivan. Para 1900, había muchas más, pero a menudo usaban seudónimos o iniciales para ocultar su género.
Carrie Jacobs-Bond fue una compositora destacada de finales del siglo XIX y principios del XX, siendo la primera mujer compositora con un millón de ventas. Maude Nugent escribió "Sweet Rosie O'Grady" en 1896. Charlotte Blake fue redactora en una editorial y al principio usaba "C. Blake" para ocultar su género. Caro Roma, seudónimo de Carrie Northly, fue una de las compositoras más populares de su época. A principios del siglo XX, la mayoría de los compositores de música de salón británica eran hombres, aunque el 30% de las cantantes eran mujeres.
Jazz en el siglo XX
Aunque la composición de canciones de jazz ha sido dominada por hombres, hubo mujeres compositoras notables. En la década de 1930, Ann Ronell escribió canciones exitosas como "Willow Weep for Me". Irene Higginbotham escribió casi 50 canciones, siendo "Good Morning Heartache" la más conocida. Dorothy Fields escribió letras para más de 400 canciones, algunas interpretadas por Duke Ellington. Lil Hardin Armstrong tocó el piano en la Creole Jazz Band de King Oliver y compuso varias canciones. Billie Holiday, aunque más conocida como cantante, también coescribió canciones.
La música jazz impulsó la participación de las mujeres en el ámbito laboral a principios del siglo XX. El aumento de mujeres en esta carrera, dominada por hombres hasta la década de 1920, permitió que más mujeres tuvieran éxito en las artes escénicas. Esto llevó a la creación de Show Boat, el primer musical de jazz en Broadway. Muchas mujeres en la música jazz, especialmente mujeres de color, contribuyeron significativamente al crecimiento del género.
Mujeres como Bessie Smith, conocida como la "Emperatriz del blues", y Dolly Jones, una de las primeras trompetistas de jazz, hicieron historia. Otras artistas como Sweet Emma Barrett, Mary Lou Williams y Alice Coltrane también tuvieron un gran impacto. A pesar de estos ejemplos, muchas mujeres no recibieron el mismo reconocimiento que sus colegas masculinos.
Cuando las mujeres comenzaron a tocar el piano en el jazz, lograron mayor aceptación social. Algunas tocaban en grupos femeninos y se hicieron famosas al entrar en el mundo profesional. Valaida Snow fue conocida como la "reina de la trompeta", y Nona Hendryx trabajó con artistas de hip hop. El éxito de algunas de estas mujeres fue breve, ya que alcanzaron la fama cuando los hombres fueron a la Segunda Guerra Mundial, y al regresar, las mujeres enfrentaron dificultades debido a la competencia.
Pop en la década de 1960
En la música pop de los años 60, la creación de canciones era un campo dominado por hombres. Aunque había muchas cantantes femeninas en la radio, se veía a las mujeres principalmente como oyentes. Cantar era un pasatiempo aceptable para una niña, pero tocar un instrumento o escribir canciones no se consideraba una carrera a largo plazo. La cantante Carole King tuvo una exitosa colaboración con su esposo Gerry Goffin, escribiendo éxitos como "The Loco-Motion". King fue la primera mujer en recibir el Premio Gershwin de Canción Popular en 2013. Ellie Greenwich y su esposo Jeff Barry escribieron "Then He Kissed Me". Laura Nyro escribió "Wedding Bell Blues" y dijo: "No me interesan las limitaciones convencionales al escribir canciones... Puedo aportar una perspectiva femenina a mi composición".
Década de 1960: nueva ola de cantautoras femeninas
A finales de los años 60, una nueva ola de cantautoras comenzó a escribir canciones más personales. Artistas como Joni Mitchell, Lotti Golden, Laura Nyro, Melanie, Janis Ian y Elyse Weinberg fueron destacadas por sus canciones de autodescubrimiento. Estas mujeres enfrentaron desafíos en un mundo editorial dominado por hombres. Querían ser vistas como artistas puras, más allá de su género. Joni Mitchell rechazó la idea de privilegios por ser mujer, pero se opuso a la falta de igualdad y a ser tratada como un objeto. Las compositoras querían ser reconocidas por su talento sin que su género lo minimizara. Grace Slick, una ex modelo, fue muy conocida en el rock and roll por su papel en la escena musical de San Francisco. Lotti Golden, en su álbum debut Motor-Cycle, narró su vida en el East Village de Nueva York a finales de los años 60, describiendo temas como la identidad y la vida urbana. Estas mujeres abrieron una nueva era para las cantautoras, inspirando a futuras generaciones.
Teatro musical
En el teatro musical, las compositoras son poco comunes. En 2015, por primera vez, un equipo de escritoras compuesto solo por mujeres, Lisa Kron y Jeanine Tesori, ganó el premio Tony a la mejor banda sonora por Fun Home. En 2013, Cyndi Lauper fue la primera compositora en ganar un Tony a la Mejor partitura sin un colaborador masculino, por Kinky Boots. Entre las compositoras notables se encuentran Lauren Pritchard y Zoe Sarnak. Katie Thompson comentó que le gustaría ver personajes femeninos "complicados, fuertes y vulnerables" y que las mujeres que luchan por algo artístico a menudo son vistas como "emocionales". A pesar de los desafíos, más de cincuenta mujeres han sido reconocidas internacionalmente por componer música para obras en Broadway y Off-Broadway.
Mujeres afroamericanas
Según LaShonda Katrice Barnett, profesora y autora, de los más de 380 miembros del Salón de la Fama de los Compositores, solo dos son mujeres afroamericanas: Sylvia Moy y Valerie Simpson.
Creadoras de canciones destacadas
Aquí hay una selección de creadoras de canciones y compositoras destacadas según la lista de los 100 mejores compositores de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. Muchas de ellas también son famosas por su canto o habilidad instrumental, pero se mencionan aquí por sus logros en la composición:
Compositoras
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La musicóloga estadounidense Marcia Citron se preguntó por qué la música compuesta por mujeres es tan poco común en el repertorio "clásico" estándar. Ella explica que en el siglo XIX, las mujeres compositoras solían escribir canciones para pequeños recitales en lugar de sinfonías para grandes orquestas, y estas últimas se consideraban más importantes. Como las mujeres no escribían muchas sinfonías, se las consideraba menos notables.
Según Abbey Philips, "las mujeres músicas han tenido dificultades para abrirse camino y obtener reconocimiento". Durante la Edad Media, la mayoría de la música artística se creaba para fines religiosos, y debido a las ideas sobre el papel de las mujeres, pocas compusieron este tipo de música, siendo la monja Hildegard von Bingen una excepción. La mayoría de los libros de historia musical se centran casi exclusivamente en compositores masculinos. Además, muy pocas obras de mujeres compositoras forman parte del repertorio clásico. Philips afirma que en el siglo XX, las mujeres que componían o tocaban recibían mucha menos atención que sus colegas masculinos.
Edad Media
Hildegard von Bingen (1098–1179) fue una abadesa, compositora, escritora y filósofa alemana. Una de sus obras, Ordo virtutum, es un ejemplo temprano de drama litúrgico. Se conservan sesenta y nueve de sus composiciones musicales, cada una con su propio texto poético. Su música se describe como monofónica, con melodías elevadas que iban más allá del canto gregoriano tradicional.
Renacimiento
Maddalena Casulana (1544–1590) fue una compositora, laudista y cantante italiana. Su primera obra data de 1566. En 1568 publicó su primer libro de madrigales, la primera obra impresa y publicada de una mujer en la historia de la música occidental. En la dedicatoria de su libro, expresó su deseo de mostrar al mundo que las mujeres también poseen dones intelectuales y artísticos en la música. Su estilo es complejo y sus melodías son cantables.
Caterina Assandra (1590–1618) fue una compositora, organista y monja italiana. Se hizo famosa como organista y publicó varias obras. Estudió contrapunto y compuso motetes y piezas para órgano, incluyendo obras tradicionales e innovadoras.
Barroco
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Francesca Caccini (1587–1641) fue una compositora, cantante, laudista, poetisa y profesora de música italiana. Su canto fue elogiado por el rey Enrique IV de Francia. Trabajó en la corte de los Medici como profesora y compositora. En 1614, era la música mejor pagada de la corte. La mayor parte de su música escénica fue compuesta para comedias. En total, escribió dieciséis obras escénicas.
Barbara Strozzi (1619–1677) fue una compositora y cantante barroca italiana. Su talento vocal se mostró a una amplia audiencia desde niña. Estudió composición y se convirtió en la compositora más prolífica de música vocal secular impresa en Venecia a mediados de siglo. Sus letras eran a menudo poéticas y bien escritas.
Élisabeth Jacquet de La Guerre (1665–1729) fue una compositora, música y clavecinista francesa. Fue una niña prodigio que tocó el clavicémbalo ante el rey Luis XIV. Se convirtió en música de la corte real y compuso en una amplia variedad de formas. Sus obras incluyen un ballet, una ópera y sonatas.
Clasicismo
Harriett Abrams (1758–1821) fue una compositora y soprano inglesa. Estudió canto y composición y debutó en la ópera en 1775. Se convirtió en una cantante principal en los conciertos de Londres. Compuso varias canciones populares en Inglaterra.
Maria Teresa Agnesi (1720–1795) fue una compositora italiana, también clavecinista y cantante. La mayoría de sus composiciones fueron para teclado, voz o ambos. Compuso óperas, arias, conciertos y sonatas.
La princesa Anna Amalia (1723–1787) fue una compositora y curadora de partituras prusiana. Aprendió a tocar el clavicémbalo, la flauta y el violín. Se dedicó a la música y se convirtió en mecenas y compositora. Es conocida por sus obras de cámara más pequeñas.
Elisabeth Olin (1740–1828) fue una compositora y cantante de ópera sueca. Debutó en la ópera en 1747 y se hizo una vocalista famosa. Fue la primera mujer en recibir el título de Hovsångare y en ser miembro de la Real Academia Sueca de Música.
Henriette Adélaïde Villard de Beaumesnil (1748–1813) fue una compositora y cantante de ópera francesa. Fue la segunda mujer en tener una composición interpretada en la Ópera de París.
Anna Bon (¿1739–1767?) fue una compositora e intérprete italiana. Estudió en Venecia y trabajó en la corte del margrave de Brandeburgo. Dedicó varias de sus obras a figuras importantes.
Jane Mary Guest (1762–1846) fue una compositora y pianista inglesa. Fue alumna de Johann Christian Bach y profesora de piano de princesas. Publicó sus Seis sonatas Op. 1 que tuvieron mucho éxito.
Marianne von Martinez (1744–1812) fue una compositora, cantante y pianista austriaca. Su talento fue notado por Metastasio, quien supervisó su educación musical. Tocaba para la corte imperial y compuso varias obras vocales y corales.
Romanticismo
Maria Szymanowska (1789–1831) fue una compositora y pianista polaca conocida. Escribió en muchos de los mismos estilos que Frederic Chopin.
Fanny Mendelssohn (1805–1847) fue una de las compositoras más conocidas del siglo XIX. Mostró gran habilidad musical desde niña. Aunque talentosa, su padre le dijo que la música para ella debía ser solo un "adorno en su vida", no una profesión. Su hermano, Felix Mendelssohn, también le aconsejó no publicar sus obras con su propio nombre.
Clara Schumann (1819–1896) fue una compositora y concertista de piano alemana con una carrera de 61 años. Cambió el formato y el repertorio de los recitales de piano. Desde los once años, ya era una solista virtuosa. Fue nombrada "Virtuosa de Cámara Real e Imperial", el honor musical más alto de Austria. Sus obras incluyen canciones, piezas para piano y un concierto para piano.
Siglos XX y XXI
Katherine Hoover (1937–2018) estudió música en la Universidad de Rochester. Publicó su primer trabajo profesional en 1965. Ganó dos veces el Concurso de música recién publicada de la Asociación Nacional de Flautas.
Joan Tower (nacida en 1938) escribió Black Topaz en 1976. Fue la primera mujer en ganar el premio Grawemeyer de composición musical en 1990. Ha sido profesora de música en el Bard College de Nueva York desde 1982.
Ellen Taaffe Zwilich (nacida en 1939) fue la primera mujer en obtener un doctorado en composición de Juilliard. En 1983, fue la primera mujer en ganar el Premio Pulitzer de música por su Sinfonía n.° 1.
Libby Larsen (nacida en 1950) cofundó el Foro de compositores de Minnesota en 1973. Compuso más de 220 obras y es una gran defensora de la música contemporánea y de las mujeres músicas.
Jennifer Higdon (nacida en 1962) ha recibido premios de la Fundación Guggenheim y la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras. En 2010, ganó el premio Grammy a la mejor composición clásica contemporánea y el premio Pulitzer de música.
Intérpretes musicales
Un intérprete musical es una persona que canta o toca un instrumento. En la música popular, a menudo también escriben las letras y melodías de las canciones.
Música popular
Solistas y directoras de orquesta
Las mujeres son muy destacadas como cantantes en muchos estilos de música popular. Sin embargo, las instrumentistas profesionales son menos comunes, especialmente en géneros como el heavy metal. Tocar en una banda a menudo es una actividad entre amigos masculinos, y la música rock se ha definido como una forma de expresión masculina. En la música popular, ha habido una diferencia entre la participación pública (masculina) y privada (femenina) en la música. Algunos estudiosos sugieren que los hombres excluyen a las mujeres de las bandas para poder comportarse más libremente. Las mujeres eran vistas principalmente como oyentes de música pop, no como creadoras de rock.
Philip Auslander señala que, aunque había muchas mujeres en el rock a finales de los años 60, la mayoría solo cantaban. Aunque algunas mujeres tocaron instrumentos en bandas de rock de garaje, ninguna de estas bandas tuvo un éxito más allá de su región. Sin embargo, en la década de 2010, las mujeres tienen una fuerte presencia en el metal, a menudo gracias a su esfuerzo. Cuando Suzi Quatro apareció en 1973, fue la primera mujer en destacar en el rock como cantante, instrumentista, compositora y líder de banda.
Bandas y grupos musicales exclusivamente femeninos
Una banda de mujeres es un grupo musical común en géneros populares como el blues y el jazz. Esto es diferente de un grupo vocal, donde las mujeres son solo cantantes. Aunque las bandas de hombres son comunes en el rock y el pop, las bandas de mujeres son menos frecuentes.
Un grupo musical de chicas es un grupo de varias cantantes femeninas que suelen armonizar juntas. El término también se usa para los grupos de cantantes de pop estadounidenses de finales de los años 50 y principios de los 60.
Estas bandas de mujeres eran difíciles de mantener, ya que era complicado encontrar reemplazos cuando las músicas se retiraban, y algunos grupos tuvieron que incluir hombres para seguir existiendo.
1930–1960
En la era del jazz, en la década de 1930, bandas solo de mujeres como The Blue Belles y The Harlem Playgirls fueron muy populares. Ina Ray Hutton dirigió la banda Melodears. Grupos solo de mujeres comenzaron a surgir con el rock and roll. Entre las primeras bandas de rock solo de mujeres en firmar con un sello discográfico estuvieron Goldie & the Gingerbreads en 1964 y Fanny en 1969.
1970–1980
En 1971, Fanny fue la primera banda solo de mujeres en llegar al top 40 con su sencillo "Charity Ball". The Runaways fue una de las primeras bandas de hard rock femeninas en tener éxito comercial. En los años 80, bandas con mujeres al frente o solo de mujeres lograron éxito en las listas. Las Dixie Chicks vendieron más discos que otros grupos de música country combinados y ganaron varios premios Grammy. Otras bandas famosas fueron las WildWood Girls y Happy Hollow String.
Punk
En el Reino Unido, el surgimiento del punk a finales de los años 70, con su idea de "cualquiera puede hacerlo", llevó a las mujeres a hacer contribuciones importantes. A diferencia del rock y el heavy metal, dominados por hombres, la mentalidad del punk animó a las mujeres a participar. La historiadora Helen Reddington afirma que muchas mujeres punks estaban más interesadas en las ideas y los aspectos sociales que en la moda. La historiadora Caroline Coon dice que antes del punk, las mujeres en el rock eran casi invisibles, pero en el punk, se podría escribir su historia sin mencionar bandas solo de hombres. Sin embargo, la guitarrista Viv Albertine afirmó que no recibían respeto. La actitud del punk abrió un espacio para las mujeres en una industria dominada por hombres.
Las mujeres participaron en bandas famosas como The Slits y The Raincoats. Kim Gordon de Sonic Youth dijo: "Creo que las mujeres son anarquistas naturales, porque siempre estás operando en un marco masculino".
Heavy metal
La banda de heavy metal Girlschool, de Londres, se formó en 1978. Tuvieron éxito en el Reino Unido y se hicieron más conocidas a principios de los años 80. Las mujeres en el heavy metal a menudo tienen que adaptarse porque el género fue definido por los hombres que lo crearon.
Grunge
Aunque se piensa que los grupos de grunge de los años 80 y 90 eran principalmente masculinos, las mujeres estuvieron representadas en bandas como L7, Lunachicks, Hole de Courtney Love y Babes in Toyland. El grunge estaba relacionado con Riot grrrl, un movimiento punk femenino. Instrumentistas notables incluyen a las bajistas D'arcy Wretzky y Melissa Auf der Maur de The Smashing Pumpkins, y las bateristas Patty Schemel y Lori Barber.
Años 1990
En los años 90, las revistas musicales comenzaron a tomar más en serio a las mujeres músicas. Bandas como Hole y L7 se hicieron populares, mostrando una actitud segura y desafiando las ideas sobre cómo debía comportarse una banda femenina. En los 90, el movimiento punk Riot Grrrl, liderado por mujeres, se asoció con bandas como Bratmobile y Bikini Kill. Destiny's Child fue un grupo femenino estadounidense que vendió millones de álbumes. Las Spice Girls fueron un grupo de pop británico que tuvo un éxito mundial con su sencillo "Wannabe".
Años 2000
En los años 2000, las bandas lideradas por mujeres comenzaron a usar su influencia para promover a las mujeres en la industria musical. Bandas como The Distillers influyeron en el punk. La cantante St. Vincent apareció en la portada de la revista Guitar World con una camiseta con una calcomanía de bikini, comentando cómo las mujeres a menudo son presentadas con poca ropa para vender instrumentos. Haim, una banda de tres hermanas, critica la falta de bandas lideradas por mujeres en los festivales y la diferencia de pago. La falta de representación femenina en la música ha sido un tema importante, y muchos en la industria trabajan para cambiarlo.
2010-2018
Entre 2010 y 2018, muchas bandas de chicas se hicieron populares. Little Mix (2011), una banda británica, fue el primer grupo femenino desde las Pussycat Dolls en llegar al top cinco en Estados Unidos con su álbum DNA. También superaron el récord de las Spice Girls en el debut más alto en las listas de EE. UU. para un grupo británico de chicas. Fifth Harmony, un grupo estadounidense, también tuvo éxito con sus álbumes en el Billboard 200.
Jazz
Históricamente, la mayoría de las artistas de jazz más conocidas han sido cantantes, como Ella Fitzgerald y Billie Holiday. Sin embargo, hay muchas instrumentistas notables. También ha habido bandas de jazz de mujeres como The International Sweethearts of Rhythm. Durante la Segunda Guerra Mundial, estos grupos de mujeres entretenían a las tropas mientras los músicos masculinos estaban en la guerra. Después de la guerra, estos grupos fueron menos populares.
Algunas de estas músicas ayudaron a dar forma a la música jazz y la cultura estadounidense. June Norton fue la primera mujer afroamericana en aparecer cantando en comerciales de televisión en la región de Washington D.C., lo que le valió muchos premios. Más tarde, se dedicó a ayudar a jóvenes desfavorecidos.
Otra pianista, compositora y vocalista que contribuyó al jazz fue Shirley Horn (1934–2005), quien grabó más de 25 álbumes. Su grabación debut, Embers and Ashes, atrajo mucha atención. Miles Davis la invitó a abrir sus conciertos, lo que impulsó su fama. Recibió muchos premios, incluido un Grammy.
Música clásica
Los instrumentistas de música clásica pueden tocar solos, con pequeños grupos o con una orquesta. Pueden hacer presentaciones en vivo y grabaciones. Muchas portadas de álbumes de mujeres músicas clásicas muestran fotografías que resaltan su atractivo físico. Según Jessica Duchen, las mujeres músicas clásicas son "demasiado juzgadas por su apariencia, en lugar de su talento".
Orquesta
Históricamente, las orquestas eran casi exclusivamente masculinas, excepto por las arpistas, ya que el arpa se consideraba un "instrumento femenino". En los años 90, para reducir los prejuicios, algunas orquestas comenzaron a hacer audiciones detrás de una pantalla. Un estudio de los años 80 encontró que las mujeres representaban el 36% de las orquestas estadounidenses.
La Orquesta Filarmónica de Viena no aceptó mujeres como miembros permanentes hasta 1997, mucho más tarde que otras orquestas. En 1997, la orquesta "enfrentó protestas durante una gira por los Estados Unidos". Finalmente, acordaron admitir a una mujer, Anna Lelkes, como arpista. En 2013, un artículo de Mother Jones señaló que muchas orquestas prestigiosas tienen una membresía femenina significativa, y varias están dirigidas por mujeres violinistas.
Solistas
En la música clásica, los solistas pueden tocar sin acompañamiento o con un pianista, un pequeño grupo o una orquesta. En la temporada 2014-2015, la mayoría de los solistas que actuaron con las principales orquestas canadienses eran hombres. Una solista de fama internacional es la argentina Martha Argerich, considerada una de las mejores pianistas de la era grabada.
Cantantes
Música popular
Los cantantes de música popular interpretan las voces de bandas y otros grupos. Suelen hacer presentaciones en vivo y grabaciones. Algunos cantantes también actúan en videos musicales para promocionar sus canciones. En algunos estilos de pop, los cantantes realizan bailes coreografiados. Madonna, Beyoncé y Britney Spears son ejemplos de cantantes pop que realizan rutinas de baile elaboradas. Madonna es una figura clave que allanó el camino para las artistas femeninas.
La cantautora y productora musical Bjork ha comentado cómo "el trabajo y la experiencia de las mujeres, dentro y fuera de la industria de la música, pasan más desapercibidos". Ella dice que a sus colaboradores masculinos se les atribuye el sonido de sus discos. En 2015, Lady Gaga habló sobre las "dificultades de ser una artista femenina", diciendo que a veces es como un "club de chicos" al que no pueden entrar. Las mujeres artistas sienten la presión de complacer a sus colegas masculinos, y es difícil para las mujeres DJ encajar en un campo dominado por hombres.
A pesar de la popularidad del funk, pocas personas han estudiado el trabajo de las mujeres en este género. La crítica cultural Cheryl Keyes explica que la mayoría de los estudios sobre el funk se han centrado en el trabajo de los hombres. Mujeres funk notables incluyen a Chaka Khan y Betty Davis.
En la música pop de Asia oriental, los grupos de chicas ídolos japonesas han tenido mucho éxito. AKB48 es el grupo más vendido en Japón por número de sencillos. El álbum más vendido en el país, First Love, es de la cantante y compositora japonesa-estadounidense Utada Hikaru. Los grupos de chicas ídolos de Corea del Sur también han tenido mucho éxito, como Twice y Blackpink. Los grupos de chicas ídolos chinas también han logrado un éxito significativo, como SNH48 y Rocket Girls 101.
Blues
El blues femenino clásico fue una forma temprana de música blues popular en la década de 1920. Las cantantes de blues clásicas fueron pioneras en la industria discográfica y ayudaron a popularizar el blues de 12 compases. Ma Rainey (1886-1939), conocida como la "Madre del blues", es reconocida por ser la primera en interpretar el blues en el escenario. Mamie Smith grabó el sencillo "Crazy Blues" en 1920, vendiendo más de 75,000 copias. Otras cantantes como Lucille Hegamin y Ethel Waters también hicieron grabaciones tempranas.
La más popular de las cantantes de blues clásico fue Bessie Smith, conocida como la "Emperatriz del blues". Firmó con Columbia y se convirtió en la artista afroamericana mejor pagada de los años 20. Otras cantantes que grabaron mucho fueron Ida Cox y Sara Martin. Las contribuciones de estas mujeres del blues incluyeron más improvisación y dramatismo vocal.
Música country
En tiempos recientes, ha surgido un subgénero llamado "Bro-Country", con letras que a veces presentan a las mujeres de forma limitada. El Dr. Eric Rasmussen argumenta que la música country de la década de 2010 es un poco menos igualitaria para las mujeres. Kacey Musgraves describe su experiencia con la falta de igualdad en la música country, donde si una canción no tiene éxito, se culpa a la artista por ser mujer.
A pesar de esto, muchas cantantes de música country han influido en la industria. Dolly Parton, con más de 55 años en la industria, ha tenido una carrera exitosa con más de 45 álbumes y la creación de Dollywood. Carrie Underwood, ganadora de American Idol, ha tenido cuatro álbumes country número uno en el Billboard 200. Miranda Lambert, activista por los derechos de las mujeres, usa su música para ayudar a otras mujeres a no sentirse solas.
Jazz
Aunque las mujeres han estado menos representadas en el jazz como instrumentistas y compositoras, ha habido muchas cantantes notables. Bessie Smith cantó blues y jazz. Lena Horne apareció en el Cotton Club. Ella Fitzgerald y Billie Holiday fueron conocidas por sus baladas. Shirley Horn y Nina Simone también cantaron jazz. Cantantes contemporáneas incluyen a Norah Jones y Esperanza Spalding. Esperanza Spalding ha estado promoviendo conversaciones sobre la falta de igualdad en el jazz.
Clásica
Los cantantes clásicos suelen hacer presentaciones en vivo y grabaciones en lugares como iglesias u óperas. Pueden especializarse en canto artístico (con acompañamiento de piano) u ópera (con orquesta sinfónica). Se clasifican por su tipo de voz, como contralto, mezzosoprano y soprano. A diferencia de la música popular, en la música clásica la voz debe proyectarse de forma natural, sin micrófono.
Mujeres afroamericanas
Marian Anderson (1897-1993) fue una contralto afroamericana con una voz "rica y vibrante". Dedicó su carrera a conciertos y recitales en Estados Unidos y Europa. Anderson fue una figura importante en la lucha de los artistas afroamericanos contra los prejuicios. En 1939, se le negó cantar en un lugar en Washington, D.C., pero con la ayuda de la primera dama Eleanor Roosevelt, dio un concierto al aire libre en el Monumento a Lincoln ante más de 75,000 personas. Anderson siguió rompiendo barreras, siendo la primera persona afroamericana en actuar en la Ópera Metropolitana de Nueva York en 1955.
Desafíos para las mujeres en la música
En géneros como el hip-hop, el country y la música popular, las mujeres músicas han enfrentado desafíos y trato desigual. Megan Jordan, una académica, resume esto con la frase: "10 veces el talento es igual a un tercio del crédito". Las mujeres cantantes a menudo son confundidas con personas que no son músicas, tienen menos control artístico que sus colegas masculinos y son constantemente juzgadas por su apariencia y edad. A menudo se les asignan roles menores. Los hombres lideran la mayoría de los proyectos musicales, y la libertad artística de las mujeres está limitada por directores o gerentes masculinos.
Muchas mujeres músicas tienen miedo de hablar sobre experiencias de trato inapropiado. Sin embargo, a principios del siglo XXI, Taylor Swift, Lady Gaga y Dua Lipa compartieron sus historias, ayudando a impulsar movimientos contra el acoso. Bajo el movimiento Me Too, se están revisando más historias de trato desigual en la industria. Dua Lipa ha dicho que "las mujeres luchan por obtener reconocimiento", ya que el éxito de las artistas femeninas a menudo es atribuido a un "hombre detrás de la mujer".
Otra forma de desigualdad en la música proviene de las letras. La Dra. Sarah Neff señala cinco temas principales en las letras que contribuyen a la desigualdad: "representación de la mujer en roles de género tradicionales, representación de la mujer como inferior al hombre, representación de la mujer como objeto, representación de las mujeres como estereotipos y representación de la violencia contra las mujeres". Estos temas se encuentran en géneros como el rap, el hip-hop, el country y el rock.
Música del mundo
Las mujeres tienen un papel importante en la música del mundo, que incluye estilos de África, el Caribe, América del Sur, Asia y otras regiones. El término se popularizó en los años 80 para la música tradicional no occidental.
La actriz y cantante brasileña Carmen Miranda se hizo conocida en Occidente en los años 30. En los 60, Elis Regina fue una cantante destacada de la Bossa Nova. En los 60 y 70, Mercedes Sosa de Argentina, Miriam Makeba de Sudáfrica y Maria Farantouri de Grecia fueron reconocidas por su compromiso contra situaciones políticas difíciles. Celia Cruz, la "Reina de la Salsa", emigró de Cuba a Estados Unidos.
Con el creciente interés en la música mundial en los años 80, se redescubrieron grabaciones de artistas como las cantantes árabes Umm Kulthum y Fairuz, la argelina Raï Cheikha Rimitti, Asha Bhosle de la India, y Chavela Vargas de México.
Hay muchas artistas notables de música mundial, como Ann Savoy, Bi Kidude, Brenda Fassie, Chabuca Granda, Dolly Collins, Elizabeth Cotten, Googoosh, Lata Mangeshkar, Lola Beltrán, Ofra Haza, Oumou Sangare, Rita Marley, Violeta Parra y Marta Gomez.
Música oriental
Música arábiga
La música árabe es una mezcla de la música de los pueblos árabes y de otras culturas. En Egipto medieval, los músicos profesionales masculinos se llamaban Alateeyeh y se consideraban de baja reputación. Las mujeres músicas profesionales se llamaban Awalim, que significa "mujer instruida". Estas cantantes eran contratadas para celebraciones y estaban mejor pagadas que los artistas masculinos.
En el siglo IX, el uso de instrumentistas masculinos fue criticado. Tras la invasión de Egipto por Napoleón, se reveló que había grupos de músicos masculinos para audiencias masculinas, y cantantes/músicas "instruidas" para audiencias femeninas.
Música china
En la música china antigua, la música era importante para las mujeres cultas. Las artistas femeninas se asociaban con el guqin, un instrumento de siete cuerdas. Una experta notable fue Cai Wenji.
Las mujeres músicas también son clave en la música folclórica China. En el sur de Fujian y Taiwán, el Nanyin es un género de baladas tradicionales cantadas por una mujer acompañada de flauta y pipa.
La industria de la música pop china (C-pop) en los años 30 y 40 estuvo dominada por las Siete Grandes Estrellas del Canto. Después de 1949, esta música fue criticada por el Partido Comunista de China. Solo después de la Revolución Cultural, en los años 80, se pudo volver a interpretar.
Hoy en día, la música pop china se inspira en los estilos de Corea del Sur (K-pop) y Japón (J-pop). En la década de 2010, se han establecido grupos de chicas como SNH48 y Rocket Girls 101. Sin embargo, las artistas solistas chinas siguen siendo más populares en general.
Música india
La música clásica india tiene sus orígenes en himnos hindúes. Los principales compositores históricos eran hombres. Las vocalistas modernas incluyen a DK Pattammal y MS Subbalakshmi. Una instrumentista notable es Annapurna Devi.
En la música folclórica india, el lavani es un género popular en Maharashtra interpretado por mujeres. El Bhangra es una forma de música folclórica de Punjab orientada a la danza. La danza femenina de Punjab se conoce como Giddha.
En la música de Bollywood, las cantantes de reproducción labial han tenido un papel importante, como las hermanas Lata Mangeshkar y Asha Bhosle. En 2011, Bhosle fue reconocida por el Libro Guinness de los récords como la artista con más grabaciones en la historia.
Música iraní
Desde la revolución iraní, a las solistas iraníes se les permite actuar para audiencias femeninas. Solo pueden actuar para audiencias masculinas como parte de un coro. Tradicionalmente, era difícil para las cantantes aparecer en público. Qamar ol-Molouk Vaziri (1905–1959) fue una de las primeras maestras de la música persa. Músicas notables incluyen a Delkash y Shakila.
La cantante clásica Fatemeh Vaezi (Parisa) ha ofrecido conciertos con orquestas femeninas. Maryam Akhondy creó el grupo femenino a capela Banu. La cantante Sima Bina ha enseñado a muchas alumnas. Las artistas de música folclórica iraní incluyen a Sima Bina y Darya Dadvar. Las artistas pop iraníes incluyen a Googoosh y Hayedeh.
Música japonesa
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Japón tiene el mercado de música física más grande del mundo. El mercado de sencillos está dominado por las ídolos japonesas. El grupo AKB48 ha tenido los sencillos más vendidos del año durante seis años. La cantante y compositora japonesa-estadounidense Utada Hikaru tiene el álbum más vendido en el país, First Love.
Música judía
Hay evidencia de libros bíblicos como el Libro de los Jueces de que las mujeres (como Miriam y Débora) participaron en tradiciones musicales. Sin embargo, no se mencionan en referencias a la liturgia. A las mujeres finalmente se les prohibió el culto litúrgico. Aunque seguían teniendo un papel en los rituales musicales domésticos, estas costumbres no estaban tan documentadas como la música litúrgica.
Estudiosas de la música y educadoras
Musicólogas e historiadoras de la música
La mayoría de los principales musicólogos e historiadores de la música han sido hombres. Sin embargo, algunas mujeres musicólogas han alcanzado puestos importantes. Carolyn Abbate (nacida en 1956) es una musicóloga estadounidense descrita como "una de las historiadoras de la música más admiradas del mundo".
Susan McClary (nacida en 1946) es una musicóloga asociada con la "Nueva Musicología", que incorpora la crítica musical feminista. Uno de sus trabajos más conocidos es Feminine Endings (1991), que aborda las construcciones musicales de género y los problemas que afectan a las mujeres músicas.
Etnomusicólogos
Los etnomusicólogos estudian las músicas de todo el mundo, enfocándose en sus aspectos culturales, sociales y biológicos. La etnomusicología se describe a menudo como la antropología de la música.
Las mujeres también han hecho contribuciones significativas en la etnomusicología, especialmente en el estudio del género y la música. Ellen Koskoff, profesora emérita, ha realizado un extenso trabajo sobre el género en la etnomusicología.
En su obra An Introduction to Women, Music, and Culture (1987), Koskoff argumenta que la música interpretada por mujeres a menudo es "subestimada". Explica que la distinción entre esferas públicas (masculinas) y privadas (femeninas) ha creado dos mitades de la cultura musical.
También es notable el trabajo de Deborah Wong, profesora de la Universidad de California, Riverside. Wong es conocida por su enfoque en la música del sudeste asiático y la música asiático-americana.
Educadoras musicales
Aunque en los años 1880 se decía que las mujeres carecían de creatividad para componer, más tarde se aceptó su papel en la educación musical, donde llegaron a dominar. Los relatos tradicionales de la historia de la educación musical en Estados Unidos a menudo han pasado por alto las contribuciones de las mujeres. Sin embargo, las mujeres tuvieron muchos roles en la educación musical en el hogar, la comunidad, las iglesias y las escuelas.
A pesar de las limitaciones, las mujeres fueron aceptadas como maestras de jardín de infancia y enseñaban música de forma privada. A principios del siglo XX, comenzaron a ser supervisoras musicales en escuelas primarias y profesoras en universidades. Frances Clarke (1860-1958) fundó la Asociación Nacional de Supervisores Musicales en 1907. Aunque hubo pocas presidentas mujeres en esta organización al principio, después de 1990, se abrieron más roles de liderazgo para ellas. Las educadoras de música mujeres superan en número a los hombres en la enseñanza de música general, coro y teclado. Sin embargo, se contrata a más hombres para bandas y administración. Según la Dra. Sandra Wieland Howe, todavía existe un "techo de cristal" para las mujeres en la educación musical.
Directoras
La mayoría de los directores de orquesta profesionales son hombres. El diario The Guardian describió la dirección de orquesta como "uno de los últimos techos de cristal en la industria de la música". Un artículo de 2013 indicó que en Francia, muy pocos conciertos fueron dirigidos por mujeres. Sin embargo, un pequeño número de directoras han alcanzado un nivel internacional. En 2005, Simone Young se convirtió en la primera mujer en dirigir a la Filarmónica de Viena. En 2008, Marin Alsop fue la primera mujer en ser directora musical de una orquesta estadounidense importante, la Orquesta Sinfónica de Baltimore. En 2014, Alsop fue la primera mujer en dirigir el concierto final de los Proms, un evento importante en Gran Bretaña.
Aunque hay pocas mujeres en las orquestas profesionales, estudios recientes muestran que la profesión de dirección carece de diversidad en general. La proporción de músicos no blancos sigue siendo muy baja. El campo de la orquesta sigue siendo predominantemente blanco. Sin embargo, la brecha de género se redujo a principios de los años 90. Entre 1980 y 2014, hubo un aumento en la proporción de músicos diversos.
Muchas mujeres en la orquesta experimentan desafíos. Inicialmente, no se les animaba a participar profesionalmente. Se pensaba que las mujeres no eran lo suficientemente fuertes o hábiles para tocar ciertos instrumentos. Jeri Lynne Johnson fue la primera mujer afroamericana en ganar un premio internacional de dirección en 2005. Es la fundadora de la Orquesta de Cámara Black Pearl, la primera orquesta multiétnica profesional en Filadelfia.
Según Edwina Wolstencroft, "El mundo de la música ha estado feliz de tener artistas femeninas... Pero tener autoridad y poder en público es otra cosa. Ahí es donde las directoras han tenido dificultades". El bajo porcentaje de mujeres directoras no se debe a que no estudien música; de hecho, casi la mitad de los doctorados en dirección entre 2009 y 2012 fueron de mujeres.
El movimiento por los derechos de las mujeres en la música comenzó en Estados Unidos en 1848, impulsando la igualdad en muchos campos. Aunque este movimiento significó el inicio de la inclusión de mujeres en la orquesta, todavía había barreras. Las mujeres de color, en particular, enfrentaron muchos desafíos. Un estudio de 1996 encontró que los artistas afroamericanos de cada género e instrumento fueron calificados significativamente más bajo que los artistas blancos.
Desafíos y falta de igualdad
Las directoras enfrentaron desafíos y falta de igualdad a lo largo de los siglos XIX y XX. Para superar esto, las mujeres crearon sus propias oportunidades fundando orquestas solo de mujeres, como la Orquesta de Mujeres Fadette en Boston en 1888. Es interesante que algo considerado "universal" haya excluido históricamente a las mujeres.
Las directoras siguen enfrentando desafíos en el siglo XXI. En la década de 2010, varios directores destacados hicieron comentarios sobre las directoras. En 2013, Vasily Petrenko dijo que "las orquestas reaccionan mejor cuando tienen un hombre al frente". También afirmó que "cuando las mujeres tienen familia, se les hace difícil ser tan dedicadas como se exige en el negocio". Bruno Mantovani cuestionó la capacidad de las mujeres para soportar los desafíos físicos de la profesión. Yuri Temirkanov afirmó que "La esencia de la profesión de director es la fuerza. La esencia de una mujer es la debilidad". El director finlandés Jorma Panula dijo en 2014 que "las mujeres, las directoras no están... mejorando, solo empeorando", llamándolo una "cuestión puramente biológica".
Otras profesiones musicales
Producción discográfica e ingeniería de sonido
Un artículo de 2013 afirmó que hay "pocas mujeres en la producción discográfica y la ingeniería de sonido". Se dice que el 95% de los productores de música son hombres. "Solo tres mujeres han sido nominadas a mejor productora en los premios Brits o los Grammy" y ninguna ganó. Las mujeres que quieren entrar en este campo a menudo se enfrentan a una mentalidad de "club de chicos".
A pesar de esto, las mujeres han aceptado el desafío desde los años 40. Mary Shipman Howard fue ingeniera en Nueva York en los 40. Lillian McMurry fue productora discográfica en los 50. Cordell Jackson fue una de las primeras mujeres en producir, diseñar y promover música con su propio sello de rock and roll. Ethel Gabriel tuvo una carrera de 40 años con RCA. Trina Shoemaker es mezcladora, productora e ingeniera de sonido. En 1998, se convirtió en la primera mujer en ganar el premio Grammy al mejor álbum diseñado.
DJs y tocadiscos
Las mujeres en la música a menudo se ven principalmente en roles de canto, y hay relativamente pocas mujeres DJ o tocadiscos en el hip hop, música house y otros géneros. Esto puede deberse a un bajo porcentaje general de mujeres en trabajos relacionados con la tecnología de audio. En 2007, Mark Katz afirmó que "muy pocas mujeres compiten; el tema ha sido un tema de conversación entre los DJ de hip-hop durante años". En 2010, Rebekah Farrugia dijo que "el carácter masculino de la cultura EDM" contribuye a la "marginación de las mujeres en estos espacios".
Lucy Green sugiere que la falta de participación de las mujeres en áreas tecnológicas como el DJ y la ingeniería de sonido no se debe a que no les gusten, sino a que estas áreas están dominadas por hombres. A pesar de esto, las mujeres y las niñas se involucran cada vez más en las prácticas de DJ, y "se abren espacios en la cultura EDM y DJ". Existen proyectos dedicados a apoyar estas prácticas, como Female DJs London.
Movimientos, organizaciones, eventos y géneros
La música de mujeres
La música de mujeres es música hecha por mujeres, para mujeres y sobre mujeres. Surgió como una expresión musical del movimiento feminista, así como de los movimientos laborales, de derechos civiles y de paz. El movimiento en Estados Unidos fue iniciado por mujeres como Cris Williamson y Meg Christian, y artistas afroamericanas como Linda Tillery y Bernice Johnson Reagon. La música de mujeres también se refiere a la industria más amplia que incluye a músicas de estudio, productoras, ingenieras de sonido y organizadoras de festivales que también son mujeres.
Organizaciones
Alianza Internacional de Mujeres en la Música
La Alianza Internacional para Mujeres en la Música (IAWM) es una organización internacional dedicada a fomentar las actividades de las mujeres en la música, especialmente en áreas donde la falta de igualdad es una preocupación. La IAWM trabaja para aumentar la programación de música de compositoras, combatir la falta de igualdad contra las mujeres músicas y incluir las contribuciones de las mujeres en los planes de estudio universitarios. La promoción de la organización ha contribuido a la inclusión de mujeres compositoras en los libros de texto de historia musical.
Mujeres en la Música (WIM-NY)
Mujeres en la Música (WIM-NY) es una organización estadounidense con sede en Nueva York, fundada en 1985. Su objetivo es "apoyar, cultivar y reconocer los talentos de las mujeres" en la música. WIM-NY organiza seminarios y eventos, y otorga premios anuales a mujeres en la música. Sus miembros incluyen ejecutivas de sellos discográficos, gerentes de artistas, compositoras, músicas y abogadas.
Mujeres en la música de Canadá
La Asociación Profesional de Mujeres en la Música de Canadá (WIMC) es una organización sin fines de lucro con sede en Toronto, establecida en 2012. Su objetivo es "fomentar la igualdad en la industria de la música a través del apoyo y el avance de la mujer".
Mujeres en la Música (WIM-UK)
Mujeres en la Música del Reino Unido (WIM-UK) es una organización que celebra las creaciones musicales de las mujeres. Trabaja para crear conciencia sobre los temas de género en la música y apoyar a las mujeres músicas. WIM-UK realiza encuestas sobre el número de mujeres compositoras, directoras y solistas en eventos como los Proms.
Now Girls Rule (México)
Now Girls Rule es una organización con sede en México, creada para el apoyo y la promoción de mujeres artistas y bandas lideradas por mujeres. Fue fundada por la música mexicana Elis Paprika en 2014. Elis Paprika ha llamado la atención sobre la falta de promoción y oportunidades para las mujeres en la escena musical mexicana.
Now Girls Rule organiza eventos anuales como: Girl Camps, que ofrecen lecciones de música y diseño para niñas de 7 a 17 años, impartidas por artistas establecidas. Now Girls Rule Nights son conciertos en vivo que presentan a artistas consolidadas y emergentes. También tienen un espacio en redes sociales donde mujeres profesionales y artistas hablan sobre su trabajo. La Marketa es un bazar donde las artistas pueden vender su mercancía directamente. Elis Paprika también presenta el Now Girls Rule Podcast, un programa semanal con música de mujeres artistas.
Riot Grrrl
Riot grrrl es un movimiento femenino de hardcore punk que comenzó a principios de los años 90 en Washington D.C. y el noroeste del Pacífico. A menudo se asocia con el feminismo de la tercera ola. Las bandas Riot grrrl abordan temas como la violencia doméstica, la identidad y el empoderamiento femenino. Bandas asociadas incluyen Bikini Kill y Bratmobile. Además de ser un género musical, Riot grrrl es una subcultura que incluye una ética de "hazlo tú mismo", fanzines, arte y activismo.
El uso de "grrrl" (con doble 'r') buscaba expresar la fuerza y el enojo del movimiento. Participaron en un nuevo tipo de feminismo punk que promovía la idea de la auto-creación, compartiendo ideas y música. Estaban cansadas de que las mujeres fueran ignoradas o malinterpretadas. Riot grrrl se involucró en expresiones emocionales y una forma de hablar similar al feminismo y la estética punk. El movimiento buscaba que las mujeres se amaran a sí mismas y se apoyaran mutuamente.
El eslogan "todas las chicas son una grrrl alborotada" reforzaba la solidaridad. Esto creó una forma de expresión íntima en los zines (fanzines hechos a mano). Denunciaron injusticias y desafiaron las normas, creando un espacio para que las mujeres compartieran historias personales. Desafiaron a niñas y mujeres a defenderse en un ambiente que creían que buscaba silenciarlas.
Festivales
Los festivales de música para mujeres se realizan desde los años 70. El primer festival de música para mujeres se llevó a cabo en 1973 en la Universidad Estatal de Sacramento en California. En mayo de 1974 se realizó el primer Festival Nacional de Música Femenina en Champaign-Urbana, Illinois. Este evento de cuatro días incluye conciertos, talleres y películas que "promueven y afirman los talentos creativos y las habilidades técnicas de las mujeres". El Festival de Música de Míchigan Womyn, creado en 1976, se convirtió en el festival más grande de Estados Unidos.
Un ejemplo de festival centrado en la música es el Festival de Mujeres en la Música organizado por la Escuela de Música Eastman de la Universidad de Rochester. El festival ha presentado más de 291 obras de 158 compositoras.
Se han creado muchos otros festivales en Estados Unidos y Canadá desde mediados de los años 70. Algunos festivales se centran en la comunidad lesbiana. Los festivales de orientación feminista incluyen el Southern Womyn's Festival en Florida y el Wiminfest en Nuevo México.
Aunque los festivales de música de mujeres se centran en la música, apoyan muchas otras facetas de la cultura. Muchos festivales se realizan en campus universitarios o en lugares rurales, donde los asistentes acampan. Ofrecen talleres sobre artes, deportes y otros temas. En su libro Eden Built by Eves, Bonnie Morris describe cómo estos festivales apoyan a las mujeres en todas las etapas de sus vidas.
Lilith Fair
Lilith Fair fue un festival de música itinerante que presentaba solo a artistas solistas y bandas lideradas por mujeres. Fue fundado por la cantante canadiense Sarah McLachlan y otros. Se llevó a cabo durante los veranos de 1997 a 1999, y fue revivido en 2010. McLachlan organizó el festival después de que los promotores se negaran a presentar a dos mujeres músicas seguidas. En 1997, Lilith Fair recaudó 16 millones de dólares, siendo el festival itinerante de mujeres con mayor recaudación.
Galería de imágenes
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Cantante y compositora estadounidense de jazz Billie Holiday en la ciudad de Nueva York en 1947
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Bonnie Raitt es una cantante, guitarrista y pianista estadounidense. Ganadora de diez premios Grammy, también se destaca por tocar la guitarra slide.
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Asha Bhosle es una cantante india más conocida como cantante de reproducción labial o playback en el cine hindi. En el 2011, fue reconocida oficialmente por el Libro Guinness de los récords mundiales como la artista con más grabaciones en la historia de la música.
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Navneet Aditya Waiba cantante popular nepalí. La única cantante que utiliza instrumentos folclóricos auténticos/originales y canta canciones folclóricas nepalíes auténticas y sin adulterar.
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Véase también
En inglés: Women in music Facts for Kids
