Arte para niños

Cueva de las Manos, con un grabado de manos de hace unos 9000 años, es un ejemplo de una primitiva forma de arte. Santa Cruz, Argentina.

El arte, derivado del latín "ars" y del griego "téchnē", abarca actividades estéticas y comunicativas que expresan ideas, emociones y visiones del mundo mediante recursos plásticos, lingüísticos, sonoros y corporales. Refleja aspectos económicos, sociales y valores culturales, evolucionando desde funciones rituales y religiosas a componentes estéticos, sociales y ornamentales. La definición de arte es debatida y culturalmente relativa. Además de su asociación con obras singulares, el término abarca cualquier actividad humana realizada con esmero. Aunque se considera principalmente una expresión creativa, el concepto de "bellas artes" ha perdido relevancia, dando paso a términos como técnica u oficio. En resumen, el arte es una forma creativa de expresión humana.

Concepto

La definición de arte es debatida y no hay acuerdo entre historiadores, filósofos y artistas. A lo largo del tiempo, se han dado muchas definiciones diferentes. Antes del Renacimiento, solo las artes liberales se consideraban arte, mientras que la arquitectura, la escultura y la pintura eran vistas como manualidades. El arte ha sido siempre una forma importante de expresión humana, mostrando ideas y sentimientos y cómo nos relacionamos con el mundo. Puede ser práctico u ornamental, religioso o simplemente estético, y puede durar mucho tiempo o ser efímero. En el siglo XX, el concepto se amplió aún más, con algunos argumentando que todo en la vida puede ser arte. La palabra "arte" viene del latín "ars" y del griego "téchne", que originalmente se aplicaban a cualquier actividad humana, ya sea artística o técnica.

Evolución histórica del concepto de arte

En la antigua Grecia y Roma, el arte se consideraba una habilidad humana en cualquier área productiva, sinónimo de destreza. La poesía, basada en la inspiración, no se clasificaba como arte. Según Aristóteles, el arte es la capacidad racional de producir cosas consistentemente. Quintiliano lo definió como algo basado en método y orden. Platón lo describió como la habilidad de hacer cosas mediante la inteligencia, a través del aprendizaje. Casiodoro destacó su aspecto productivo y estableció tres objetivos principales: enseñar, conmover y complacer. En resumen, el arte era visto como la capacidad creativa humana, sujeta a reglas y con propósitos específicos.

Durante el Renacimiento, hubo un cambio en la forma de ver el arte. La poesía, antes considerada como filosofía o profecía, se incluyó por primera vez en la categoría de arte, gracias a la traducción italiana de la Poética de Aristóteles en 1549. Esto coincidió con una mejora en la situación social de los artistas, ya que los nobles italianos comenzaron a valorar la belleza y a comprar obras de arte. Esto llevó a un aumento del mecenazgo y la colección de arte. También se escribieron tratados teóricos sobre el arte, como los de Leon Battista Alberti y Lorenzo Ghiberti, que pretendían dar una base científica al arte y establecer reglas para su creación. Con el manierismo, comenzó el arte moderno, donde los artistas representaban las cosas como ellos las veían, no como eran en realidad. Surgió una nueva imaginación en el arte, reflejada en obras de artistas como Pieter Brueghel y Giuseppe Arcimboldo. Giordano Bruno fue uno de los primeros en pensar que el arte era infinito y que cada artista tenía su propia forma de crear, sin seguir reglas. En el siglo XVIII, durante la Ilustración, el arte se alejó de la religión y el poder para centrarse en las sensaciones y sentimientos del artista. Jean-Baptiste Dubos argumentó que el arte afecta a los sentimientos de las personas más que a su razón. Esta idea llevó a la popularización del gusto y la idea de que el arte debe conmover y llegar al espíritu de las personas. En el romanticismo, el arte se vio como una expresión de las emociones del artista y comenzó a ser venerado. Autores como Novalis y Friedrich von Schlegel promovieron la autonomía del arte y su conexión con la naturaleza. Arthur Schopenhauer pensaba que el arte era una forma de escapar del sufrimiento humano y alcanzar la felicidad a través de la contemplación estética. Richard Wagner introdujo la idea de la "obra de arte total", donde la poesía y la música se combinaban para crear una experiencia estética completa. En el esteticismo, el arte se consideraba como algo autónomo y separado de la moralidad y la utilidad. Théophile Gautier defendía el arte por el arte y Walter Pater creía que el artista debía vivir su vida como una obra de arte. Charles Baudelaire creía que la belleza era relativa y estaba relacionada con la pasión humana. En contraste, Hippolyte Taine y Jean Marie Guyau propusieron teorías sociológicas del arte, basadas en la influencia de la sociedad y la evolución humana. En resumen, el arte ha sido visto de muchas formas a lo largo de la historia, desde una habilidad técnica hasta una expresión de emociones y una forma de escapar del sufrimiento humano.

Por otro lado, el escritor ruso Lev Tolstoi cuestionó la función del arte en su libro "¿Qué es el arte?" (1898). Él argumentaba que el arte solo es válido si las emociones que transmite pueden ser compartidas por todos. Para Tolstoi, la única justificación válida del arte es su contribución a la fraternidad humana, transmitiendo valores que unifican a las personas.

En esa época, el estudio del arte desde la psicología comenzó a ser explorado. Sigmund Freud aplicó el psicoanálisis al arte, argumentando que las obras de arte representan deseos reprimidos de manera sublimada. También, Carl Gustav Jung relacionó la psicología con el arte, sugiriendo que los símbolos presentes en el arte son arquetipos innatos en el subconsciente humano.

Wilhelm Dilthey formuló una teoría sobre la unidad entre arte y vida, anticipando el arte de vanguardia. Él destacaba la importancia del público en la valoración de una obra de arte y abogaba por un análisis psicológico de la creación artística para comprender mejor su significado.

Visión actual

Isla Pagoda en la desembocadura del río Min (1870), de John Thomson. La fotografía supuso una gran revolución a la hora de concebir el arte en el siglo XIX y el XX.

El siglo XX marcó un cambio radical en el arte. Se dejaron atrás las ideas racionales de la Ilustración y se abrazaron conceptos más subjetivos e individuales, influenciados por movimientos como el romanticismo y pensadores como Kierkegaard y Nietzsche. Las nuevas teorías científicas, como las de Bergson, Einstein y Freud, también cuestionaron la realidad. Con la llegada de la fotografía y el cine, el arte cambió su función, y surgieron movimientos como el arte abstracto, donde los artistas expresaban su mundo interior en lugar de reflejar la realidad externa.

El arte del siglo XX se caracteriza por cambios constantes en el gusto, influenciado por la conciencia social y la cultura de masas. Además, la disminución del analfabetismo hizo que el arte gráfico ya no fuera necesario para transmitir conocimiento. Desde la perspectiva del marxismo, el arte se considera una superestructura cultural determinada por las condiciones sociales y económicas. Filósofos como Plejánov y Benjamin analizaron el papel del arte en la sociedad moderna, mientras Adorno defendía el arte de vanguardia como una reacción a la tecnificación excesiva de la sociedad, destacando que el arte representa lo irreal y promete lo imposible.

Representante del pragmatismo, John Dewey, en Arte como experiencia (1934), definió el arte como “culminación de la naturaleza”, defendiendo que la base de la estética es la experiencia sensorial. Según él, el arte es una expresión de la actividad natural del ser humano, influenciada por su entorno. Para Dewey, el arte implica iniciativa, creatividad e interacción entre el sujeto y el objeto. José Ortega y Gasset analizó en La deshumanización del arte (1925) el arte de vanguardia desde la perspectiva de la “sociedad de masas”, señalando su elitización del público y su pérdida de perspectiva histórica. En Estética. Teoría de la formatividad (1954), Luigi Pareyson propuso una estética hermenéutica, donde el arte es interpretación de la verdad y la obra de arte no es un resultado, sino un logro. El arte posmoderno, según Jacques Derrida y Michel Foucault, se caracteriza por la repetición de imágenes anteriores y la ausencia de compromiso artístico. En resumen, el arte es una actividad dinámica en constante evolución, que involucra percepciones sensoriales, interpretación de la verdad y expresión creativa, y está influenciada por diversos factores sociales, culturales y filosóficos.

Clasificación

Las siete artes liberales, imagen del Hortus deliciarum (siglo XII), de Herrad von Landsberg.

La clasificación del arte ha evolucionado junto con el concepto mismo de arte a lo largo de la historia. Desde la antigüedad clásica, donde se consideraba arte toda habilidad manual, hasta la era moderna, donde se distinguen las bellas artes de las artes mecánicas, ha habido numerosos intentos de categorizar las diferentes manifestaciones artísticas. Filósofos como los sofistas, Platón y Galeno establecieron divisiones entre artes útiles, prácticas y liberales, basadas en la utilidad y el origen intelectual de cada actividad. Durante la Edad Media, se mantuvo la distinción entre artes liberales y mecánicas, pero se introdujeron nuevas clasificaciones, como las artes memoriales de Boecio o las artes victuaria y militaria de Radulfo de Campo Lungo. En el Renacimiento, surgieron conceptos como las artes del diseño, que abarcaban la arquitectura, la pintura y la escultura, y se consolidó el término bellas artes para designar las actividades estéticas producidas de forma intelectual y expresiva. Aunque la clasificación de Batteux ha sido ampliamente aceptada, filósofos posteriores como Immanuel Kant y Alois Riegl propusieron nuevas categorías para comprender la diversidad del arte. Hegel, en su Estética (1835-1838), estableció tres formas de manifestación artística: arte simbólico, clásico y romántico, que se relacionan con tres formas diferentes de arte, tres estadios de evolución histórica y tres maneras distintas de tomar forma la idea:

En la concepción artística, se distinguen tres fases: desajuste, ajuste y desbordamiento, donde la idea se relaciona con la forma y tiende al infinito. Históricamente, se asocia la infancia del arte con las culturas prehistóricas, antiguas y orientales; su madurez con el arte griego y romano; y su vejez con el arte cristiano. La arquitectura, la escultura y las artes suprasensibles representan distintas etapas en la evolución artística, desde lo tectónico hasta lo espiritual y desmaterializado. La creación artística no busca imitar, sino expresar libertad espiritual. Con el tiempo, el arte se vuelve más conceptual y reflexivo, perdiendo formas sensibles hacia una mayor abstracción. Los cambios sociales y tecnológicos de los siglos XIX y XX han llevado a nuevos intentos de definir el arte, como los enfoques de Juan Acha y Eugenio Trías, que buscan catalogar las nuevas formas artísticas de manera más inclusiva y abierta.

Los intentos de definir el arte no siempre han tenido éxito y, de hecho, a veces han hecho que el concepto de arte sea aún más confuso. Hoy en día, el arte es algo flexible y abierto a diferentes interpretaciones, pero generalmente se acepta que implica cualidades estéticas y expresivas, además de creatividad.

En el siglo XIX, se solía hablar de cinco artes, pero en el siglo XX se añadieron cuatro más, llegando a un total de nueve. Sin embargo, no hay consenso sobre cuál sería el décimo arte.

Al final del siglo XX, se clasificaron las artes de la siguiente manera: 1. Arquitectura 2. Escultura 3. Artes visuales, como la pintura, el dibujo y el grabado 4. Música 5. Literatura, que incluye la poesía 6. Artes escénicas, como el teatro, la danza, el mimo y el circo 7. Cinematografía 8. Fotografía 9. Historieta

Algunos críticos y historiadores también consideran otras formas de expresión como artes, como la gastronomía, la perfumería, la televisión, la moda, la publicidad, la animación y los videojuegos. Sin embargo, todavía no hay acuerdo sobre cuál sería el décimo arte.

Elementos del fenómeno artístico

Autorretrato (1498), de Alberto Durero.

• Artista: Un artista es alguien que practica o sobresale en un arte. Antes, cualquiera que trabajara en artes, desde gramática hasta albañilería, podía ser considerado artista. Hoy, se entiende que un artista trabaja en las bellas artes. Este término puede significar desde alguien que crea sus propias obras hasta aquel que interpreta las de otros. También se usa para distinguir a quienes practican un arte liberal de quienes tienen un oficio, como decir "pintor artista" versus "pintor de brocha gorda". Se espera que un artista tenga sensibilidad hacia el mundo, su propia perspectiva, creatividad, técnica y una forma de comunicarse a través de sus obras. Se desarrolla profesionalmente con habilidades técnicas y una visión artística.

• Obra de arte: Es una creación material perceptible. Puede ser un objeto físico como una pintura o una escultura, o una creación intelectual, como en la literatura. Una obra de arte puede tener diferentes niveles de elaboración y puede ser percibida como arte por algunas personas y no por otras. Tiene un valor añadido, ya sea estético, cultural o sociológico. Para ser considerada una obra de arte, debe trascender su materialidad y tener un significado más allá de su aspecto físico.

• Público: El público, las personas que visitan museos y exposiciones, juegan un papel importante en el mundo del arte. Antes, el arte era exclusivo para clases privilegiadas, pero desde la apertura de museos públicos en el siglo XVIII, más personas han participado en la apreciación del arte. El público puede influir en las tendencias artísticas y tiene un papel más activo en la experiencia artística, especialmente con formas de arte participativas como las performances.

• Percepción: La forma en que percibimos el arte es subjetiva y depende de nuestra cultura, educación, etc. Es un proceso activo y selectivo, y puede variar según la persona que lo percibe. La percepción del arte incluye aspectos sensoriales como textura, forma y color, así como factores culturales y emocionales.

• Materia y técnica: El arte comienza con la idea del artista, pero se materializa a través de la materia y la técnica. La materia y la técnica evolucionan con el tiempo y pueden definir un estilo artístico. La materia puede aportar diferentes estéticas, mientras que la técnica es la forma en que el artista da forma a su obra.

• Funciones del arte: El arte puede tener diversas funciones, como ser práctico, estético, simbólico, económico, comunicativo, imitativo, crítico, entre otros. Puede expresar ideas, emociones o estados de ánimo, comunicar mensajes, ser una crítica social o política, o simplemente ser una expresión de belleza.

Museo del Prado.

• Museos: Son instituciones dedicadas al estudio, conservación y exposición de obras de arte. Surgieron del coleccionismo, donde las obras adquirieron valor histórico o cultural. En el siglo XVIII, museos como el British Museum, el Uffizi, el Louvre, el Prado y otros abrieron al público, junto con academias que regulaban el arte. El Consejo Internacional de Museos los define como instituciones sin ánimo de lucro, abiertas al público, dedicadas a adquirir, conservar, investigar y exhibir testimonios materiales de la evolución del hombre. Existen disciplinas como la museografía y la museología vinculadas a su estudio.

• Academias de arte: Instituciones para preservar, regular y promover el arte. Surgieron en el siglo XVI en Italia y luego en otras partes de Europa. Han sido criticadas por su conservadurismo, pero hoy tienen funciones representativas y de asesoramiento.

• Fundaciones de arte: Instituciones privadas sin fines lucrativos que difunden y fomentan el arte. Conservan obras, estimulan la creatividad con becas y promueven la participación ciudadana en la cultura. Ejemplos incluyen la Fundación Maeght y la Fundación Solomon R. Guggenheim.

• Coleccionismo: Actividad privada de crear colecciones de obras de arte, tanto por placer como por inversión. Surgió en la antigua Roma y se expandió en el Renacimiento, involucrando a la aristocracia y luego a la burguesía. Los coleccionistas privados han sido clave para el mercado artístico.

Galería de arte con vistas de la Roma antigua (1754-1757), de Giovanni Paolo Pannini.

• Mercado artístico: La valoración del arte como mercancía surge de su singularidad, antigüedad, calidad y autenticidad. En Grecia y Roma comenzó el comercio artístico, consolidándose en el Renacimiento con mercados especializados en Venecia y Florencia. En los Países Bajos del siglo XVII, la burguesía impulsó el arte como reflejo de estatus social. En el siglo XIX, con la apertura de museos y exposiciones internacionales, el mercado del arte se expandió. Surgieron galerías privadas y marchantes de arte, como Daniel-Henry Kahnweiler y Ambroise Vollard, y casas de subastas como Christie's y Sotheby's.

• Ferias: Importantes para la comercialización y difusión del arte, las ferias permiten a artistas mostrar sus obras y al público estar al tanto de novedades. Desde la primera feria en Florencia en 1564, han sido vitales en el mundo del arte, destacando eventos como la Bienal de Venecia y ARCO en Madrid.

• Exposiciones: Claves en la difusión del arte, desde las primeras en Gran Bretaña a finales del siglo XVIII hasta las exposiciones universales del siglo XIX y las actuales. Sirven para exhibir arte antiguo y contemporáneo, con catálogos que documentan obras irrepetibles.

Disciplinas artísticas

Arquitectura: Casa de la Cascada (1939), de Frank Lloyd Wright.

Pintura: La noche estrellada (1889), de Vincent van Gogh.

Escultura: Éxtasis de la beata Ludovica Albertoni (1671-1674), de Gian Lorenzo Bernini.

Música: Cuarteto para flauta (1777), de Wolfgang Amadeus Mozart.

Literatura: Ejemplo de caligrafía en latín que representa una Biblia de 1407.

Las artes creativas abarcan diversas categorías, como las artes decorativas, las artes plásticas, las artes escénicas y la literatura. Ejemplos incluyen la pintura en las artes visuales, el ballet en las artes escénicas y la narrativa en las literarias. La arquitectura, desde la construcción de viviendas hasta edificios públicos, surge como "el arte del espacio". El arte corporal, el arte digital y el arte efímero son expresiones contemporáneas, mientras que las artes decorativas y gráficas tienen una larga historia, con la invención de la imprenta como punto de partida. Las artes industriales y los oficios comprenden actividades como la cerámica y la joyería. El cine, la fotografía y el grabado son formas de arte visual y audiovisual, mientras que la danza y el teatro destacan en las artes escénicas. En las artes musicales, el canto coral y la música sinfónica ocupan un lugar importante, junto con la ópera. La narrativa y la poesía son formas literarias fundamentales, mientras que el drama combina elementos literarios y escénicos para contar historias a través del diálogo de personajes.

Estilos artísticos

El concepto de estilo en las artes surge de características únicas que evolucionan con el tiempo y el lugar. Cada período histórico y cada región han desarrollado estilos artísticos distintivos, reflejados en obras individuales o en movimientos colectivos. El término 'estilo' proviene del latín 'stilus' y se relaciona con la manera de escribir, pero se ha extendido a todas las artes, denotando la forma de trabajar, expresarse o concebir una obra de arte. Un estilo puede ser individual o colectivo, y puede abarcar tanto características formales como un sistema orgánico de formas. La 'estilística' es la ciencia que estudia estos signos distintivos, mientras que el análisis del estilo ha sido fundamental en la historia del arte. Los estilos artísticos experimentan fases evolutivas, desde la configuración inicial hasta la reinterpretación y la eventual vuelta a formas clásicas o la adopción de un eclecticismo posterior.

Géneros artísticos

Un género artístico es una categoría que se usa para clasificar diferentes tipos de obras según su tema o contenido. Por ejemplo, en la pintura, algunos géneros son el retrato, el paisaje y la pintura de género, que representa escenas de la vida cotidiana. En la literatura, hay géneros como la poesía, la narrativa y el ensayo, que se clasifican según su estilo y contenido. En la música, los géneros se dividen según el ritmo, la instrumentación y la estructura, como la música clásica, la música popular y la música tradicional. En el cine, los géneros incluyen la comedia, la acción, el terror y el documental, entre otros. En arquitectura, en lugar de géneros, se usan tipologías para describir diferentes tipos de edificios, como iglesias, palacios y rascacielos, según su diseño y función.

Géneros artísticos

Retrato: La Gioconda (1503), de Leonardo da Vinci.   Paisaje: Puerto con el embarque de la Reina de Saba (1648), de Claudio de Lorena.   Bodegón: Bodegón con cebollas (1895-1900), de Paul Cézanne.

Técnicas artísticas

Johann Sebastian Bach, considerado el gran maestro del contrapunto.

En música, la armonía se trata de cómo se combinan los sonidos para crear sensaciones de relajación o tensión. El contrapunto es cuando se mezclan varias melodías independientes a la vez. La homofonía y la monodia son texturas donde las partes musicales se mueven juntas en acordes. La polifonía es cuando varios sonidos independientes se combinan en uno armonioso. Los adornos son recursos para dar expresión y ornamentación a la música.

En dibujo, hay diferentes materiales como el carboncillo, el lápiz, el pincel y la pluma, cada uno con sus características y usos específicos.

En pintura, se utilizan diversos aglutinantes para aplicar pigmentos sobre diferentes superficies, como muros, madera, lienzo, etc. Hay técnicas como el óleo, la acuarela, el fresco y el temple, entre otras. También se pueden usar técnicas mixtas como el collage y el dripping.

En escultura, se pueden trabajar diferentes materiales como el metal, la piedra, la madera y la terracota. Las técnicas pueden ser aditivas, sustractivas o mixtas, y se pueden utilizar métodos como la talla, el modelado y la fundición. También se pueden aplicar técnicas mixtas, como el assemblage y el collage, para crear esculturas más complejas.

Grabado: El velo de Verónica (1513), de Alberto Durero.

Mosaico: mosaico bizantino del siglo V (Estambul).

Vidriera: Moisés en el monte Sinaí y Moisés ante el faraón (siglo XIII), Catedral de Colonia, Alemania.

Cerámica: fuente de la Dinastía ming (siglos XIV-XV).

Orfebrería: collar de oro micénico, siglo XII a. C.

La creación artística abarca una variedad de técnicas y materiales que se han desarrollado a lo largo de la historia. En el ámbito del grabado, se destacan la calcografía, que emplea el cobre como superficie para diversas técnicas como el aguafuerte, aguatinta, buril, punta seca y media tinta. Además, el linograbado utiliza linóleo en lugar de madera. La litografía, inventada por Aloys Senefelder, emplea piedra caliza y grasa para reproducir imágenes. La serigrafía filtra los colores a través de una trama de seda.

El mosaico, tanto en pavimentos como en decoración mural, emplea teselas de vidrio vítrea o de otros materiales. La técnica de taracea incrusta finas losas de piedra y mármol en diversas superficies. En el ámbito del vidrio, se destaca el soplado para dar forma y el vitral para la decoración de ventanas.

En la orfebrería, se utilizan metales nobles y piedras preciosas para crear objetos decorativos. Las técnicas incluyen el camafeo, cincelado, damasquinado, filigrana, fusión, granulado, nielado, opus interrasile y repujado. Finalmente, en la forja del hierro se emplean diversas técnicas de modelado para dar forma a objetos sin añadir ni quitar material.

Restauración

El Juicio Final de Miguel Ángel antes de la restauración.

El Juicio Final durante la restauración.

El Juicio Final tras la restauración.

La restauración de obras de arte busca preservar su integridad física y valores artísticos, respetando su esencia original. En arquitectura, se aborda desde una perspectiva funcional para conservar la estructura y unidad del edificio, reparando grietas o defectos. Históricamente, las restauraciones se limitaban a obras religiosas, pero con el auge de la arqueología se amplió a cualquier estructura con valor cultural. En pintura, se ha pasado de recuperar la legibilidad de la imagen a respetar la integridad física y estética, sin transformaciones radicales. La restauración pictórica cobró impulso desde el siglo XVII, especialmente para obras al fresco. En escultura, se ha evolucionado de reconstrucciones a conservar la estructura original, priorizando la reversibilidad de las intervenciones. En todas las áreas, se busca equilibrar la conservación con el respeto a la obra original.

Estética

La estética, rama filosófica, analiza cómo el ser humano interpreta los estímulos sensoriales del entorno. Estudia la belleza, juicios de gusto y diversas interpretaciones humanas. Ligada al arte, examina estilos y períodos artísticos según componentes estéticos. Su origen se remonta al alemán Baumgarten en el siglo XVIII, aunque se vislumbra en la antigua Grecia con el concepto de "amor a la belleza". Hauser sugiere que las obras de arte son interpretadas según nuestras experiencias y aspiraciones. Hegel la considera más elevada que la belleza natural, al reflejar una verdad creada por el espíritu. El arte es un juego con apariencias sensibles, placentero y sorpresivo, según Kant. Para Gombrich, el arte depende de artistas y espectadores, influidos por recuerdos y emociones. En suma, la estética reflexiona sobre la percepción sensorial, produciendo juicios estéticos en relación con el arte y la naturaleza.

Sociología del arte

La sociología del arte es una disciplina que estudia el arte desde la perspectiva de la sociología. Su objetivo es entender cómo la sociedad humana influye en la creación y difusión del arte. Utiliza métodos de varias ciencias sociales como la cultura, política, economía y antropología. Examina desde la situación social del artista hasta la estructura del público y otros aspectos como el mecenazgo, comercio de arte, galerías, crítica, colecciones, museos, entre otros. En el siglo XX, se añadieron factores como los medios de comunicación, cultura de masas, moda y nuevas tecnologías. Surgió como una disciplina propia después de la Segunda Guerra Mundial, con obras clave como "Arte y revolución industrial", "La pintura florentina y su ambiente social" y "Historia social de la literatura y el arte". Inicialmente influenciada por el marxismo, luego se independizó como una ciencia autónoma.

Psicología del arte

La psicología del arte es una ciencia que explora cómo creamos y apreciamos el arte desde una perspectiva psicológica. Analiza los procesos mentales y culturales involucrados en la creación y recepción artística, así como la influencia de la percepción estética en la experiencia humana. Se apoya en diversas disciplinas como historia del arte, sociología, antropología y neurobiología, y se relaciona con ramas de la psicología como el psicoanálisis, la psicología cognitiva y social, y la psicobiología. Estudia aspectos como la percepción del color y la forma, la creatividad, los símbolos, el arte como terapia, entre otros. La Escuela de la Gestalt es una corriente importante en esta disciplina, que destaca la importancia de la percepción y la configuración mental en la experiencia estética, influenciada por nuestras ideas preconcebidas y nuestra cultura. Sus principales exponentes son Rudolf Arnheim, Max Wertheimer, Wolfgang Köhler, Kurt Koffka y Kurt Lewin.

Crítica de arte

Denis Diderot, considerado el padre de la crítica de arte.

La crítica de arte es como una opinión profesional sobre obras de arte, artistas o exposiciones. Se basa en la historia del arte y en diferentes disciplinas, para valorar el arte según su contexto y evolución. Es informativa, comparativa y a menudo subjetiva, pero respaldada por datos y conocimientos. Se originó con Denis Diderot, quien comentaba las obras en salones parisinos desde 1725. La crítica de arte creció con el acceso público a exposiciones y el surgimiento de la burguesía, que invertía en arte. Los críticos a menudo trabajan en medios de comunicación y pueden influir en el éxito o fracaso de un artista. Hay diferentes estilos de crítica, desde romántica hasta fenomenológica. Nombres importantes incluyen a Charles Baudelaire, John Ruskin y Oscar Wilde, entre otros. En el mundo hispanohablante, destacan Eugeni d'Ors, Aureliano de Beruete y Jorge Romero Brest, entre otros.

Historiografía del arte

La historiografía del arte es como un estudio sobre cómo estudiar el arte. Desde hace mucho tiempo, la gente ha escrito sobre el arte y su significado. Personas como Vitruvio y Giorgio Vasari fueron importantes en esto. Pero faltaba un enfoque histórico y científico. Johann Joachim Winckelmann fue el primero en crear un método para estudiar el arte de manera más seria. Él creía que la belleza perfecta estaba en el arte griego. Durante el siglo XIX, hubo diferentes enfoques para estudiar el arte. Algunos, como el formalismo, se centraban en el estilo del arte. Otros, como la escuela sociológica, miraban cómo el arte reflejaba la sociedad. En el siglo XX, hubo muchas más ideas sobre cómo estudiar el arte. La iconología, por ejemplo, se enfocaba en el significado simbólico del arte. Personas como Aby Warburg y Erwin Panofsky fueron importantes en esta área. En resumen, la historiografía del arte es una manera de entender cómo entender el arte.

Historia del arte

Arte en la prehistoria (ca. 25000-3000 a. C.)

El arte en la prehistoria se refiere a las creaciones artísticas de los primeros humanos, desde el período paleolítico superior hasta el neolítico. Durante el paleolítico, vivían de la caza y la recolección, y pintaban en cuevas, dando origen a la pintura rupestre. En el neolítico, se volvieron sedentarios y comenzaron a practicar la agricultura, desarrollando sociedades más complejas y creando obras de artesanía.

Arte antiguo (ca. 3000-300 a. C.)

En el antiguo Egipto y Mesopotamia surgieron las primeras civilizaciones, donde los artistas y artesanos crearon obras de arte complejas. El arte egipcio era religioso y simbólico, con destacadas construcciones como las pirámides y los hipogeos. La escultura y la pintura egipcias mostraban figuras humanas de forma realista, pero con rigidez debido a sus cánones religiosos.

El arte mesopotámico se desarrolló entre los ríos Tigris y Éufrates, con culturas como los sumerios y asirios. Destacaban los zigurats en arquitectura y la escultura en relieves religiosos o de caza y guerra, con figuras humanas y animales.

Arte clásico (1000-300 d. C.)

Victoria de Samotracia, anónimo, 190 a. C.

El arte griego se divide en tres periodos: arcaico, clásico y helenístico. Destacan los templos con órdenes constructivos como el dórico, jónico y corintio, y la Acrópolis. En escultura, evoluciona desde formas rígidas hacia el naturalismo, con artistas como Mirón, Fidias y Policleto. Por su parte, el arte romano, influenciado por el griego, se expandió con el Imperio romano, dejando su huella en Europa, África y Oriente Próximo. Destaca en arquitectura civil y religiosa, con obras como carreteras, puentes, templos, teatros y termas. La escultura, más realista, y la pintura, especialmente los mosaicos, también son destacables.

Arte en la Alta Edad Media (siglo IV-siglo X)

El Arte paleocristiano surge con el cristianismo en el Imperio Romano, adaptando formas clásicas para expresar la nueva religión. Destaca la arquitectura de las basílicas y la escultura en sarcófagos. El Arte prerrománico abarca estilos en Europa tras la caída de Roma, fusionando la cultura clásica con la germánica y generando las naciones europeas. Incluye el arte visigodo, celta, vikingo, asturiano, carolingio y otoniano. Cada región desarrolla su propio estilo. También se destacan el Arte bizantino y Arte islámico, junto con el Arte mozárabe en la Península Ibérica.

Arte en la Baja Edad Media (900-1400)

El Arte románico, marcado por su carácter religioso, se caracteriza por la arquitectura de bóvedas de cañón y arcos de medio punto en grandes catedrales. La escultura, simbólica y esquemática, se encuentra principalmente en contextos religiosos, al igual que la pintura mural. El Arte gótico surge entre los siglos XII y XVI, con una arquitectura más dinámica y luminosa, utilizando arcos apuntados y bóvedas de crucería. La escultura se vuelve más realista, inspirada en la naturaleza, mientras que la pintura se traslada a retablos y lienzos, con estilos que van desde el gótico lineal al flamenco.

Arte en la Edad Moderna (1400-1800)

El período del Renacimiento marcó un gran avance cultural en Europa, con un enfoque más científico y humano. Inspirado en la antigüedad clásica, florecieron figuras como Leonardo Da Vinci, Rafael, y Miguel Ángel. El Manierismo siguió, explorando emociones más intensas y subjetivas. El Barroco se caracterizó por su exuberancia y dramatismo, con obras maestras de Bernini y Caravaggio. El Rococó, con su énfasis en la decoración y la elegancia, marcó el siglo XVIII. El Neoclasicismo trajo una vuelta a la pureza y la racionalidad, influenciado por la Revolución Francesa, con destacados artistas como Jacques-Louis David.

Arte no europeo

El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina (1857), de Utagawa Hiroshige, Brooklyn Museum of Art, Nueva York.

El arte precolombino en América se destacó por la magnificencia de civilizaciones como los olmecas, zapotecas, mayas, toltecas, y aztecas en México, así como por las culturas como la de Chavín de Huántar en Perú y sus enigmáticas líneas de Nazca. En África, el arte estuvo impregnado de lo mágico-religioso, desde las culturas Nok y meroe en Nigeria y Sudán hasta las construcciones monumentales en Zimbabue. El arte indio reflejó las influencias del hinduismo y budismo, desde la civilización Maurya hasta el arte mogol, personificado por el Taj Mahal. El arte chino, a lo largo de las dinastías, evolucionó desde la elegancia de la Dinastía Tang hasta la eclecticism. Japón, con su arte clasificado por períodos, destacó en la cerámica, escultura, arquitectura y pintura. El arte oceánico, diversificado en Polinesia, Melanesia y Micronesia, fue ritual y religioso, reflejando la conexión entre el hombre y la naturaleza en las islas del Pacífico.

Arte en la Edad contemporánea (1800-actualidad)

Viajero frente al mar de niebla (1818), de Caspar David Friedrich.

El arte contemporáneo se desarrolló a partir del siglo XIX, cuando la sociedad cambió con la Revolución Industrial y la instauración de gobiernos democráticos. En este período, surgieron diversos estilos artísticos que reflejaban los cambios en la política, la economía y la sociedad.

• Arquitectura del siglo XIX: Experimentó una evolución gracias a los avances tecnológicos de la Revolución Industrial, con nuevos materiales como el hierro y el hormigón. Se vieron estilos como el historicismo y el modernismo.

• Romanticismo: Fue un movimiento que destacó la espiritualidad, la fantasía y la imaginación en el arte, con artistas como Delacroix y Turner.

• Realismo: Se centró en retratar la realidad, especialmente la vida de obreros y campesinos, con énfasis en la denuncia social.

• Impresionismo: Marcó una ruptura con el arte académico, buscando capturar impresiones visuales de la naturaleza y la vida cotidiana.

• Vanguardismo: Surgieron movimientos como el fovismo, el expresionismo, el cubismo y el futurismo, que buscaban innovar en el arte y romper con las convenciones tradicionales.

En el siglo XX, el arte experimentó una transformación aún más profunda con movimientos como el informalismo, el pop-art, el surrealismo y el arte abstracto. Se enfatizó el concepto sobre el objeto artístico, y surgieron nuevas formas de expresión como el arte de acción y el videoarte.

En las últimas décadas, el arte contemporáneo ha explorado aún más la desmaterialización, centrando la atención en conceptos, mensajes y acciones. Han surgido movimientos como el minimalismo, el hiperrealismo, el arte conceptual y el arte postmoderno, que reflejan la diversidad y la complejidad del mundo actual.

Véase también: Historia de la literatura, Historia de la música, Historia del teatro, Historia de la ópera, Historia de la danza, Historia de la fotografía, Historia del cine e Historia del cómic

Frases célebres sobre el arte

• "He hablado de la inutilidad del arte, pero no he dicho la verdad sobre el consuelo que procura". - Lawrence Durrell.
• "El arte es la expresión de los más profundos pensamientos por el camino más sencillo." - Albert Einstein
• "El arte es la mentira que nos permite entender la verdad." - Pablo Picasso
• "El arte es la contemplación; es el placer del espíritu que penetra en la naturaleza y descubre que también ésta tiene alma." - Auguste Rodin
• "El arte no reproduce lo visible, sino que hace visible lo invisible." - Paul Klee
• "El arte lava del alma el polvo de la vida cotidiana." - Pablo Picasso
• "El arte es la libertad del espíritu, pero también su prisión." - Jean-Paul Sartre
• "El arte es la expresión de los más profundos sentimientos por el camino más sencillo." - Albert Einstein
• "No, el ser humano no puede vivir sin el Quijote, sin música, sin pintura ni escultura, sin poesía; sería un mundo muy triste." - Miguel de Unamuno
• "El arte es la única forma de escapar sin salir de casa." - Twyla Tharp

Datos de interés

• El robo de arte más grande de la historia: En 1990, dos hombres disfrazados de policías robaron 13 obras de arte valuadas en más de $500 millones de dólares del Museo Isabella Stewart Gardner en Boston, EE. UU. Las pinturas, que incluían obras de Vermeer y Rembrandt, aún no han sido recuperadas.

• El autorretrato más famoso del mundo: El autorretrato más famoso del mundo es "Autorretrato con Collar de Espinas" de Frida Kahlo. Kahlo pintó este autorretrato en 1940, y actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Arte Moderno en Ciudad de México.

• Pintura más grande del mundo: El mural "La Revolución" de David Alfaro Siqueiros, ubicado en la Sala de la Revolución en la Secretaría de Educación Pública en la Ciudad de México, es considerado como la pintura más grande del mundo. Mide aproximadamente 4,200 metros cuadrados.

• El cuadro más pequeño del mundo: "El buey", una obra de arte creada por el artista argentino Pablo González, es reconocido como el cuadro más pequeño del mundo. Mide tan solo 0.2 milímetros cuadrados y es visible solo a través de un microscopio.

• El cuadro más caro jamás vendido: El cuadro "Salvator Mundi" de Leonardo da Vinci, que representa a Jesucristo, se vendió en una subasta en 2017 por la asombrosa cifra de $450.3 millones de dólares. Es la obra de arte más cara jamás vendida hasta la fecha.

• La escultura más grande del mundo: La Estatua de la Unidad en India es actualmente la escultura más grande del mundo. Se completó en 2018 y representa a Sardar Vallabhbhai Patel, un líder político indio. La estatua tiene una altura de 182 metros.

• Pinturas más antiguas del mundo: Las pinturas rupestres más antiguas conocidas se encuentran en la cueva de Chauvet en Francia, y tienen alrededor de 30,000 años de antigüedad. Representan a animales como bisontes, leones y caballos, y muestran una notable habilidad artística.

Galería de imágenes

• 

  Alegoría del arte (1690-1694), de Sebastiano Ricci.

• 

  Atributos de la pintura, la escultura y la arquitectura (1769), de Anne Vallayer-Coster.

• 

  Alegoría de la pintura (1666), de Johannes Vermeer.

• 

  El tribunal de los Uffizi (1772-1778), de Johann Zoffany.

• 

  Representación de El cascanueces, de Piotr Chaikovski.

• 

  El cómic ha sido una de las últimas incorporaciones a la categoría de bellas artes. En la imagen Little Nemo in Slumberland, el primer gran clásico del cómic publicado en 1905.

• 

  Las Meninas (1656), de Velázquez, fue un alegato de la figura del pintor como artista inspirado, frente a la condición de simple artesano que hasta entonces se tenía del oficio de pintor.

• 

  Una performance, ejemplo de actividad artística que requiere un público.

• 

  Johann Sebastian Bach, considerado el gran maestro del contrapunto.

• 

  Paleta de pintor, pinceles y tubos de pintura (óleos).

• 

  La Libertad guiando al pueblo (1830), de Eugène Delacroix.

• 

  Autorretrato con la oreja cortada (1889), de Vincent van Gogh. El psicoanálisis permite comprender ciertos aspectos de la personalidad del artista.

• 

  Johann Joachim Winckelmann, considerado el padre de la Historia del arte.

• 

  Pantocrátor del ábside de Sant Climent de Taüll, MNAC.

• 

  El nacimiento de Venus (1485), de Sandro Botticelli.

• 

  Formas únicas de continuidad en el espacio (1913), de Umberto Boccioni.

• 

  Liberación de 1001 globos azules, “escultura aerostática” de Yves Klein. Las últimas tendencias han sido propensas a un arte más desmaterializado, donde importa más el concepto, el mensaje, la acción.

Véase también

En inglés: Art Facts for Kids

• Belleza
• Bellas Artes
• Estética
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