Anime para niños

Wikipe-tan, personaje que contiene estereotipos de un dibujo estilo de manga y anime.

El anime, (en japonés, アニメ []) también escrito ánime y animé en español, es un estilo de animación tradicional o por computadora de origen japonés.

En sus inicios, la animación japonesa recibe el nombre de Senga Eiga (literalmente “películas de líneas dibujadas”), más tarde se conocerá con el término Doga (imágenes en movimiento) y, finalmente, sobre 1960 pasará a llamarse "Animeeshon" originalmente (アニメーション, animēshon). De ahí que se abrevie a «anime» (アニメ). Por otra parte se cree que es una palabra de origen francés. El anime es un medio de gran expansión en Japón, siendo al mismo tiempo un producto de entretenimiento comercial y cultural, lo que ha ocasionado un fenómeno cultural en masas populares y una forma de arte tecnológico. Es potencialmente dirigido a todos los públicos, desde niños, adolescentes, adultos; hasta especializaciones de clasificación esencialmente tomada de la existente para el manga, con clases base diseñadas para especificaciones sociodemográficos tales como empleados, amas de casa, estudiantes, etc. Por lo tanto, pueden hacer frente a los sujetos, temas y géneros tan diversos como el amor, aventura, ciencia ficción, cuentos infantiles, literatura, deportes, horror, fantasía, comedia y muchos otros.

El anime tradicionalmente es dibujado a mano y al principio los procesos realizados de forma digital eran muy específicos (retoque y montaje). Sin embargo, en la actualidad las tareas más comunes dentro de la producción de una animación, como podría ser el coloreado o los efectos visuales (brillos, sombras, luz ambiental, etc.), se hacen con aplicaciones digitales, que permiten un mayor control sobre el trabajo y ayudan a agilizar la labor de los dibujantes a niveles insospechados en un proceso de animación tradicional. Sus guiones incluyen gran parte de los géneros de ficción y son transmitidos a través de medios audiovisuales (transmisión por televisión, distribución en formatos de vídeo doméstico y películas con audio). La relación del anime con el manga es estrecha, pues la mayor parte de las historias de las series animadas anime provienen del manga. Además, también guarda estrecha relación con las novelas gráficas de origen japonés.

El anime es un medio diverso con métodos de producción distintivos que se han adaptado en respuesta a las tecnologías emergentes. Combina arte gráfico, caracterización, cinematografía y otras formas de técnicas imaginativas e individualistas. En comparación con la animación occidental, la producción de anime generalmente se enfoca menos en el movimiento y más en los detalles de la configuración y el uso de "efectos de cámara", como la panorámica, el zoom y las tomas en ángulo. Desde la década de 1980, el medio también ha tenido éxito internacional con el auge de la programación subtitulada y doblada en el extranjero y su creciente distribución a través de servicios de transmisión. A partir de 2016, la animación japonesa representó el 60% de los programas de televisión animados del mundo.

Etimología

La hipótesis con más credibilidad es que el término ánime proviene de la abreviación de la transcripción japonesa de la palabra inglesa "animation" (アニメーション, animēshon). De ahí que se abrevie a "anime".

Internacionalmente, el ánime llevó una vez el nombre popular "Japanimation", pero este término ha caído en desuso.Los fanáticos pronunciaban la palabra preferiblemente como abreviación de la frase "Japanese Animation" ("animación japonesa" en español). Vio su mayor uso durante las décadas de 1970 y 1980, que generalmente comprende la primera y segunda oleada de ánime fandom. El término sobrevivió al menos hasta principios de los años 1990, pero pareció desaparecer justo antes del resurgir del ánime a mediados de los 1990.

En Estados Unidos también se definió ánime como cartoon japanese, que significa dibujos animados japoneses. En general, el término Japanimation es muy utilizado en Japón para distinguir las animaciones hechas allí (Japanimation) de las animaciones en general (Anime, en Japón).

Historia

Precursores

Emakimono y kagee se consideran precursores de la animación japonesa. Emakimono era común en el siglo XI. Cuentacuentos ambulantes narraban leyendas y anécdotas mientras el emakimono se desenrollaba de derecha a izquierda en orden cronológico, como un panorama en movimiento. Kagee fue popular durante el período Edo y se originó a partir del juego de sombras de China. Las linternas mágicas de los Países Bajos también fueron populares en el siglo XVIII. La obra de papel llamada Kamishibai surgió en el siglo XII y siguió siendo popular en el teatro callejero hasta la década de 1930. Los títeres del teatro bunraku y las estampas ukiyo-e se consideran ancestros de los personajes de la mayoría de las animaciones japonesas. Finalmente, el manga fue una gran inspiración para la animación japonesa. Los caricaturistas Kitzawa Rakuten y Okamoto Ippei utilizaron elementos cinematográficos en sus tiras.

Pioneros

Fotograma de un cortometraje animado de 1917, una de las producciones más antiguas de Japón.

Un fotograma de Namakura Gatana (1917), el cortometraje de animación japonés más antiguo realizado para cines. La animación en Japón comenzó a principios del siglo XX, cuando los cineastas comenzaron a experimentar con técnicas pioneras en Francia, Alemania, Estados Unidos y Rusia. Un reclamo de la animación japonesa más antigua es Katsudō Shashin (c. 1907), una obra privada de un creador desconocido. En 1917 comenzaron a aparecer las primeras obras profesionales y expuestas al público; animadores como Ōten Shimokawa, Seitarō Kitayama y Jun'ichi Kōuchi (considerados los "padres del anime") produjeron numerosas películas, la más antigua de las cuales es Namakura Gatana de Kōuchi. Muchos de los primeros trabajos se perdieron con la destrucción del almacén de Shimokawa en el Gran Terremoto de Kantō de 1923.

A mediados de la década de 1930, la animación estaba bien establecida en Japón como un formato alternativo a la industria de la acción en vivo. Sufrió la competencia de productores extranjeros (como Disney), y muchos animadores, incluidos Noburō Ōfuji y Yasuji Murata, continuaron trabajando con animación recortada más barata en lugar de animación cel. Sin embargo, otros creadores, incluidos Kenzō Masaoka y Mitsuyo Seo, lograron grandes avances en la técnica, beneficiándose del patrocinio del gobierno, que empleó animadores para producir cortos educativos y propaganda. En 1940, el gobierno disolvió varias organizaciones de artistas para formar Shin Nippon Mangaka Kyōkai. El primer anime sonoro fue Chikara to Onna no Yo no Naka (1933), un cortometraje producido por Masaoka. El primer largometraje de anime fue Momotaro: Sacred Sailors (1945), producido por Seo con el patrocinio de la Armada Imperial Japonesa. La década de 1950 vio una proliferación de anuncios animados cortos creados para la televisión.

Era moderna

En la década de 1960, el artista de manga y animador Osamu Tezuka adaptó y simplificó las técnicas de animación de Disney para reducir costos y limitar el número de cuadros en sus producciones. Originalmente pensadas como medidas temporales para permitirle producir material en un horario apretado con un personal sin experiencia, muchas de sus limitadas prácticas de animación llegaron a definir el estilo del medio. Three Tales (1960) fue la primera película de anime transmitida por televisión; la primera serie de televisión de anime fue Instant History (1961–64). Un éxito temprano e influyente fue Astro Boy (1963–66), una serie de televisión dirigida por Tezuka basada en su manga del mismo nombre. Muchos animadores de Mushi Production de Tezuka establecieron más tarde importantes estudios de anime (incluidos Madhouse, Sunrise y Pierrot).

En la década de 1970 se vio un crecimiento en la popularidad del manga, muchos fueron animados después. El trabajo de Tezuka y el de otros pioneros en el campo, inspiró características y géneros que siguen siendo elementos fundamentales del anime actual. El género de robots gigantes ("Mecha"), por ejemplo, tomó forma con Tezuka, se convirtió en el género de superrobots con Go Nagai y otros, después fue revolucionado al final de la década por Yoshiyuki Tomino, quien desarrolló el verdadero género robot. Las series de anime de robots como Gundam y The super Dimension Fortress Macross se convirtieron en clásicos instantáneos en la década de 1980, y el género siguió siendo uno de los más populares en las décadas siguientes. La burbuja económica de la década de 1980 estimuló una nueva era de películas de anime experimentales y de alto presupuesto, que incluyen Nausicaä of the Valley of the Wind (1984), Royal Space Force: The Wings of Honnêamise (1987) y Akira (1988).

Neon Genesis Evangelion (1995), una serie de televisión producida por Gainax y dirigida por Hideaki Anno, inició otra era de títulos de anime experimental, como Ghost in the Shell (1995) y Cowboy Bebop (1998). En la década de 1990, el anime también comenzó a atraer un mayor interés en los países occidentales, los principales éxitos internacionales incluyen Sailor Moon y Dragon Ball Z, ambos doblados a más de una docena de idiomas en todo el mundo. En 2003, Spirited Away, un largometraje de Studio Ghibli dirigido por Hayao Miyazaki, ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película Animada en la 75ª edición de los Premios de la Academia. Más tarde se convirtió en la película de anime más taquillera, ganando más de 355 millones de dolares. Desde la década del 2000, un mayor número de obras de anime han sido adaptaciones de novelas ligeras y novelas visuales; ejemplos exitosos incluyen The Melancholy of Haruhi Suzumiya y Fate/stay night (ambos de 2006). Kimetsu no Yaiba (la película): Mugen Train se convirtió en la película japonesa más taquillera y una de las películas más taquilleras del mundo en 2020. También se convirtió en la película más taquillera del cine japonés, ya que en 10 días recaudó 10.000 millones de yenes (95,3 millones de dólares; 72 millones de libras esterlinas). Superó el récord anterior de El viaje de Chihiro, que tardó 25 días.

Atributos

El Anime se caracteriza fundamentalmente por el uso de la animación limitada, la expresión en plano, la suspensión del tiempo, su amplitud temática, la presencia de figuras históricas, su compleja línea narrativa y sobre todo, un peculiar estilo (neotenico) de dibujo, con personajes caracterizados por ojos grandes y ovalados, de línea muy definida, colores llamativos y movimiento reducido de los labios.

Trama

Dentro de las características notables en el género, se destaca el desarrollo de tramas complejas durante un cierto número de episodios, los personajes son presentados de forma profunda y con personalidades definidas. Gran parte del anime está estructurado en series de televisión con números de episodios definidos en los cuales se trata una trama específica que puede implicar el trabajo de conceptos complejos.

Romanticismo

Toma elementos de la fantasía y lo sobrenatural. También se toma en cuenta las relaciones que tienen los personajes, como amigos o familiares. La mayor parte de las series de ánime pueden tener algo emocional y connotaciones ideológicas.

En las series destinadas a un público femenino se le toma más importancia a los sentimientos de los personajes.

Realismo

Aunque es más predominante la fantasía sobre los sucesos reales, algunas series han tenido influencia del movimiento del realismo, incluso se han adaptado obras literarias al anime. Las historias contadas a través de este medio pueden ser producidas mediante la combinación de variados géneros cinematográficos, como tales hay una gran cantidad de temas, pueden describir acontecimientos históricos, como los citados después. Algo que sí se tiene que tomar en cuenta es que en el ánime se reflejan la cultura y las tradiciones japonesas. Las ideas populares de los personajes son: la persistencia, la falta de voluntad de entrega de personas muy poderosas o circunstancias a las que enfrentarse en la vida. También hay series con drama histórico, que narran diferentes sucesos de Japón, como Rurouni Kenshin (también conocida como Samurai X), o también de Europa como la película Steamboy, en donde parte de los personajes son ficticios, pero otros pueden ser parte de la historia. Algo que también se toma en cuenta es la política, que inclusive los primeros largometrajes de ánime eran publicidad de la guerra, en donde también el género mecha, con ejemplos como Super Dimensional Fortress Macross o Mobile Suit Gundam, han sido parte de un dominio de diferentes lugares e ideologías dentro de las series, también se ven los abusos que se cometen en la autoridad (que se hace presente en los personajes contrarios). Otro elemento muy distinguido es el existencialismo, en donde los personajes tratan de analizar su historia, y los diferentes sucesos por los que han pasado, puede verse de manera muy profunda en Ghost in the Shell. También puede tratar de desastres, por ejemplo Tokyo Magnitude 8.0. También en animes más maduros como Nana se puede apreciar a veces el realismo y no ser tan fantasioso.

Humanidad, naturaleza y tecnología

Logo de Dragon Ball Z.

Lo que se ha dicho acerca de la tradición sintoísta también es útil para ilustrar la forma en que el complejo debate sobre la relación entre la naturaleza y la tecnología ha sido desde hace mucho tiempo importante en la sociedad japonesa (aunque también en el mundo entero), y esto se refleja en el anime. Por ejemplo, la película Taro Melocotón, el guerrero divino de los mares, muestra una relación entre el medio ambiente, al ser representado por animales en una isla, y la tecnología, al ser parte de propaganda de la Segunda Guerra Mundial, en donde también el gran desarrollo de la tecnología ha sido parte de la posguerra. También dentro de los géneros de la ciencia ficción están el mecha (robots gigantes), en donde se puede explicar como la tecnología en vez de ser un desarrollo positivo, comienza a ser una gran fuente de devastación, paradójicamente el daño ocasionado es recuperado por la misma tecnología. Otro concepto es el Cyberpunk, en donde la película Akira se le considera una pionera. También en la serie Ghost in the shell, el concepto de humanidad es mezclado con tecnología, y la humanidad se le toma menos importancia, generalmente van acompañadas con temas de existencialismo. En otro sentido, el hombre-tecnología, en particular, es también la cara a través de la cual en el ánime toma una transposición de la modernidad y, en última instancia, lo que dio lugar a una inseparable combinación entre lo viejo y lo nuevo.

Diseño de animación

Aunque el ánime se le considera un género distinto al de los dibujos animados, este utiliza muchas características aplicadas en las caricaturas como guion gráfico, actuación de voz, diseño de personajes, entre otras. El ánime también tiende a tomar prestados escenas de muchos textos del manga en el fondo, y los paneles de diseños también. Por ejemplo, un opening puede emplear paneles para contar la historia, o para dramatizar una cuestión de efecto humorístico.

La mayoría de las veces es la adaptación del manga al ánime —aunque también se adapta de buena forma a una novela ligera, novela visual o web novel—; teniendo comúnmente menos detalles en sus trazos. Generalmente el ánime se refiere al dibujo de celdas, pero también se aplica a la animación creada por computadora, como por ejemplo Final Fantasy, aunque para este último suele haber denominaciones como CG (computer graphics).

Animación limitada

Los cel representan un fotograma en la animación.

El anime es conocido por su animación llamada animación limitada, la cual es muy particular comparada con la que tienen los dibujos animados occidentales tales como los de Disney. Los estudios en los que se realiza ánime han perfeccionado técnicas para utilizar la menor cantidad de cuadros de animación por segundo que sea posible (8 cuadros por segundo), tales como mover o repetir escenarios, imágenes de los personajes que se deslizan por la pantalla, y diálogos que impliquen animar únicamente las bocas mientras que el resto de la pantalla permanece estática. Otros argumentan que el mejor anime debe acentuar la dirección sofisticada sobre la animación actual (movimiento del personaje), proporcionando una ilusión de movimiento cuando en realidad no lo hay. Aunque en los últimos años todo ha mejorado debido al uso de tecnologías computacionales usándose software especializado en animación 2D o combinación 2D/3D. Los lugares representan la atmósfera de las escenas, también puede haber series como en La melancolía de Haruhi Suzumiya o Puella Magi Madoka Magica, en donde los lugares pueden hacer referencias a diferentes localizaciones en la vida real. También hay simulación de ángulos de cámara, movimiento de cámara que juegan un importante rol en las escenas. Los directores tienen la discreción de determinar ángulos viables para escenas , fondos y también pueden escoger efectos de cámara como en la cinematografía. Además, a diferencia de la animación de Disney , donde el énfasis está en el movimiento, el anime enfatiza la calidad del arte y deja que las técnicas de animación limitadas compensen la falta de tiempo dedicado al movimiento. Estas técnicas se utilizan a menudo no solo para cumplir con los plazos, sino también como dispositivos artísticos

Guion y storyboard

Página de storyboard con escenas e indicaciones.

Eligiendo una temática de la animación, se empieza la redacción del guion, en virtud de la cual el director, con la asistencia del director de producción, empieza a dar directivas al primer diseño de personajes, el director artístico puede realizar un primer esbozo de los personajes y ambientes. Con lo desarrollado se dirige hacia la creación de guiones, una especie de historieta que sirve de base para el seguimiento de todo el personal, proporciona detalles tales como el número de fotogramas de la escena, los efectos visuales y de los antecedentes necesarios, cámaras, los movimientos de cámara, la dinámica y la composición de las escenas (para la creación de veintiséis minutos de storyboards, normalmente, se requieren alrededor de tres semanas de trabajo). Una vez establecido, bajo la coordinación del director los storyboards, diseño de personajes, el diseño de mecanismos y fondos, se realizan dibujos preliminares, que van a formar el animatic, que es una versión filmada de storyboards necesaria para verificar los tiempos y el ritmo de las escenas, tanto con la incorporación del diálogo y la música que debe tener coherencia con las imágenes y sonidos.

Dirección de una película

Una de las principales innovaciones introducidas por el anime es la recuperación de técnicas que se utilizan para compensar la animación limitada, muy similares a los utilizados en la dirección del cine. Entre los movimientos de cámara y efectos más utilizados se pueden distinguir: la corrección, o imágenes fijas; el deslizamiento, el diseño de deslizamiento a través del marco, zum, en el que la cámara se aleja o enfoca; y técnicas basadas en la distancia relativa de los dibujos para acelerar o frenar el movimiento de un elemento; el pan, cuando la cámara realiza una visión general de la estructura horizontal, la inclinación cuando el pan es vertical es similar a la sartén, con la cámara que sigue a la acción, o de un único elemento de la misma empresa (seguimiento pan) o el mismo elemento, pero uno al lado del otro (de seguimiento), desvanecimiento, que se descoloran de negro a blanco (a menudo en un marco fijo de mucho cuidado), también la técnica donde la imagen empuja a las anteriores, y la pantalla se divide, el cuadro se divide en varias partes, cada una con una visión diferente de la misma escena, la iluminación de fondo, el marco que añade una celda negra a excepción de la parte que se desea iluminar.

Dilatación temporal

Muchas de las técnicas descritas anteriormente de recuperación, son también funcionales en el momento crucial de dilatación del tiempo en el anime. Sobre lo que se basa el hecho de que la mentalidad y la espiritualidad japonesa no tiene mucho sentido hablar de tiempo en términos cronométricos objetivamente de la medida, ya que no tiene principio ni fin, podemos decir que lo que cuenta es la calidad de un momento, la intensidad con la que vivimos. Esta es la razón por la que en el ánime se encuentran a menudo momentos antes de lo "eterno", en el que el tiempo coincide con la descripción del entusiasmo, de manera que en cuanto más se trata de la más intensa se extiende hasta el momento se presenten fuera de tiempo, en una imagen fija, o en una sartén (técnica de animación). Una desaceleración enfática, podría llevar una batalla, o una reunión de unos momentos a la última para más de un episodio, con un propósito que es evidente, no para ahorrar más la elaboración, sino más bien para aumentar la tensión y la implicación emocional, como en las tradiciones teatrales, como en el expresionista ruso Serguéi Eisenstein para hacer un tipo de cine americano y cine negro primero.

Diseño de personajes

Visualmente, las obras de anime exhiben una amplia variedad de estilos artísticos, que difieren entre creadores, artistas y estudios, sin embargo, en el Anime suele guiarse del estilo de dibujo del manga y además el diseño de los personajes comparten un estilo neotenico de dibujo. Algunas características visibles son:

Diseño de personaje para anime.

• Los ojos: son una característica específica de este estilo de animación, por medio de los ojos el personaje puede tener diferentes expresiones y profundidad, comúnmente son muy grandes, ovalados, muy definidos y con colores llamativos como rojo, rosa, verde, morado, aparte de los normales como café y azul. Frecuentemente se nombra a Osamu Tezuka como quién introdujo ojos grandes para dar más personalidad y expresiones faciales a personajes del anime. Tezuka usó esta técnica primeramente con Astroboy, manteniendo los demás personajes con ojos pequeños. En largometrajes animados se usa los ojos grandes para acentuar la personalidad. No todas las producciones de animación tienen ojos grandes, un ejemplo de ello son las películas de Hayao Miyazaki. Hoy en día los ojos grandes ya no es exclusivo del ánime japonés, algunas producciones de animación occidental también llevan ojos grandes. El coloreado es para dar a los ojos profundidad. Generalmente se usa una textura de luz para el brillo, y el tono de color y una sombra oscura en el fondo.

Diseño del cuerpo para proporciones masculinas.

• El cabello: Los personajes de anime tienen su cabello casi real, con diferentes estilos, las chicas por lo general tienen el cabello largo y casi siempre lacio mientras los chicos tienen peinados poco comunes. Hay de todas formas, tamaños y volúmenes, para personajes masculinos o femeninos. Además de una gran variedad de colores como los de los ojos. Pudiendo tener diferentes formas de sombreado para darle el volumen deseado.

• El cuerpo: Las proporciones del cuerpo de los personajes de anime humanos tienden a reflejar con precisión las proporciones del cuerpo humano en la realidad. La altura de la cabeza es considerada por el artista como la unidad base de proporción. La altura de la cabeza puede variar, pero la mayoría de los personajes de anime tienen entre siete y ocho cabezas de alto, aunque el canon para dibujar a niños es de seis cabezas independientemente si es hombre o mujer, aunque de una manera muy escultural como en el moe. Al mantener las proporciones del cuerpo humano, los personajes inevitablemente son demasiado grandes y altos con respecto a los cuadros de animación, siempre es una proporción de 1/4 (cabeza y hombros), por la mitad (de la cintura hacia arriba), o deslizar una escena para mostrar todo el personaje. Solo aparecen completos en proporción chibi o super deformed donde los rasgos son pequeños y exagerados, aunque estos son para dar un toque de comedia a las series.

• La cara: el anime utiliza una amplia variedad de expresiones faciales para denotar estados de ánimo y pensamientos en comparación con la animación occidental. En el anime la barbilla es más puntiaguda, mientras que en una cabeza realista estándar el mentón no es tan exagerado y es más redondeado, el diseño de la nariz es prácticamente insignificante, el tamaño de la cabeza es proporcional a una cabeza real y los ojos serán grandes al principio y algo más pequeños a medida que crece el personaje en la obra.

También hay que tomar en cuenta que las características de seres no humanos como animales, robots, monstruos y demonios varían dependiendo el contexto y son muy diferentes a las de los humanos. Los animales pueden tener un dibujo como realmente son, aunque también puede haber híbridos entre humanos (véase kemono). Los robots y monstruos pueden ser de tamaño gigantesco como los rascacielos, aunque también pueden presentar características chibi, de manera cómica.

Algunos estilos de dibujo predominantes en el ánime son:

• Bishōjo (lit. "Joven hermosa"): representan la belleza de una mujer según la estética japonesa moderna. Los personajes son de proporciones prominentes o bien dotadas, de cabellos ondulados, cejas notorias y a veces también los labios carnosos.
• Bishōnen (lit. "Joven hermoso"): representan lo apuesto de un varón según la estética japonesa moderna. Los personajes son de talla alta, flacos, con el mentón pronunciado y a veces con un cabello suelto u ondulado.
• Moe (de "Moeru", lit. "Ardiente"): estilo que exagera las características "tiernas" de los personajes.
• Chibi: es la versión pequeña del personaje, se denota como muñequitos "enanos" y deformes de sí mismos.

Audio

La banda sonora utilizada en los diferentes formatos suele ser llamada OST como abreviación de Original Soundtrack. Esta puede estar compuesta de:

• Opening (o apertura): Canción puesta al inicio de la animación (ovas y capítulos de series) cuando aparecen los créditos iniciales, es acompañada una animación que suele caracterizar la serie. Pueden ser interpretadas o compuestas por bandas o cantantes populares en Japón.

• Ending (o clausura): Canción puesta al final de la animación (ovas y capítulos de series) cuando aparecen los créditos finales, es acompañada una animación más simple que la del opening. Pueden ser interpretadas o compuestas por bandas o cantantes populares en Japón.

• Soundtrack central (banda sonora): Canciones que se utilizan para acompañar las escenas, dependiendo de los directores, puede usarse una composición compleja de ópera.

• BGM o Background Music: Pistas musicales (muy pequeñas que no alcanzan a ser una canción) utilizadas para acompañar las escenas.

• Bonus o Extras: Canciones compuestas especialmente para la animación pero que no aparecen en esta. Pueden ser piezas inspiradas en esta o canciones pensadas desde el punto de vista de un personaje e interpretadas por el mismo seiyū, actor de voz, como ejemplo véase la canción himitsu del tercer OST de Noir o los Image Character Song de K-ON!.

Debido al tipo de difusión histórica del anime son más populares los términos ingleses que sus traducciones al español.

El reparto de actores de voces en el anime es llamado seiyū. La profesión seiyū es conocida y desarrollada en Japón.

Cameos en el anime

En muchas series, es posible encontrar que sus personajes o su historia hacen referencias a otros anime, ya sea que un personaje sea parecido físicamente o que la historia sea igual o parecida a otra, generalmente muy popular, puede que sea de un anime, como también puede que sea de un videojuego, manga, novela visual, novela ligera, etc. Por ejemplo en la película de anime Kimi no Na wa. y El jardín de las palabras en que la profesora protagonista de El jardín de las palabras aparece brevemente en Kimi no Na Wa, otro claro ejemplo muy evidente se presencia en el ánime Cardcaptor Sakura y Tsubasa: RESERVoir CHRoNiCLE donde los personajes principales comparten apariencia y personalidad pero no la trayectoria de la historia.

La industria del anime

Producción

La estructura de la industria moderna del anime.

Entre la década de 1990 y el 2000, la producción de ánime se ha incrementado de una manera muy grande:

En el 2001 las películas, videos y las producciones de televisión alcanzaron una cantidad aproximada de ciento ochenta mil millones de yenes, y en cuanto a la exhibición se estima de 43 mil millones de yenes. También la cantidad de emisiones de televisión ha sido muy significativa:

Compañías de anime

El número de creadores de anime en Japón es de 3657 y el número de empresas es de 255. La cantidad de licencias ha generado 3937 millones de dólares, y la exhibición 8 110 000.

Dentro de las compañías, están los estudios de animación en actividad, como principales:

Formatos

Hay diferentes formatos de producción usados:

Series de televisión

Son el formato más común y la mayoría están basadas en un manga o en una novela. Para los estrenos de cada serie en Japón, suele presentarse un episodio por semana, en temporadas de 13 o 26 capítulos por motivos de calendario, duran entre 20 y 25 minutos y al igual que todos los programas de televisión hay cortes comerciales. De ahí puede variar su distribución en otras partes del mundo. A diferencia de las series occidentales, las series ánime no se dividían en segundas temporadas hasta el año 2012, en el que por motivos económicos, los productores de ánime ahora pueden interrumpir la producción o la transmisión por un tiempo y más adelante continuar donde se quedaron. Al considerarse este proceso como una especie de "brecha" entre episodios se le considera segunda temporada a los episodios que le siguen y se cuentan a partir del número en que quedó la temporada anterior. Jormungand II: Perfect Order es un claro ejemplo de segunda temporada para la serie Jormungand. Cuando una serie ha terminado de producirse y después de un tiempo sale una continuación, no se considera como una "segunda temporada", sino como una secuela o serie relacionada.

La primera serie de televisión de ánime fue Otogi Manga Calendar, que tuvo 366 episodios en total con 2 temporadas. Actualmente, Astroboy es considerado como el primer ánime emitido en televisión, aunque fue el segundo luego de Otogi Manga Calendar.

Usualmente se suelen crear para promocionar las novelas o mangas originales, la existencia de un anime sin un libro o cómic e el que se basa no es común.

OVA

Abreviación de original video animation ('animación original en video') o también only video available ("solo disponible en vídeo"). Son producciones animadas destinadas para su consumo en video que normalmente no se emiten en televisión. La duración de un episodio puede variar de unos solos minutos a 45 minutos, y a veces pueden ser complementos de la historia. Es un capítulo especial (casi siempre no va de acuerdo con la historia) pero no es película. También es común que contengan un opening diferente a los de la serie.{cita requerida}

Películas

Son los largometrajes producidos por las compañías, pueden ser historias originales basadas en algún manga o muchas veces en las series de ánime que pueden presentar historias alternas o un tiempo lógico establecido de la serie. Normalmente este complejo (de 50 a 120 minutos) de películas difieren bastante de otros formatos de animación -por ejemplo, la calidad de imagen- y en consecuencia causa mayores costes de producción.

Algunos ánime presentan un amplio repertorio de películas, como Doraemon o Pokémon.

Especiales de televisión

Especial como bonificación de la serie, a veces no está relacionado con la historia básica que se muestra en la serie de televisión. Normalmente suelen transmitirse en televisión por ser día feriado durante el cambio de estación; a veces después de la conclusión de anime. La bonificación de la serie suele estar estrechamente vinculada con la trama de la serie, pero no necesariamente la continúa.

A veces es alterna a la historia principal y muestra escenas de la serie con otro punto de vista y escenas inesperadas. A menudo en la bonificación circular de la serie, la historia ha estado trabajando con la serie, pero absolutamente no cambia el actual estado de continuidad. Una serie puede ser omitida sin que se pierda. Normalmente para entender la serie de bonificación se exige el conocimiento de los antecedentes de la serie: puede verse en los especiales de Love Hina posteriores a dicha serie de televisión.

ONA

ONA (original net animation, "animación original creada para Internet") de anime especialmente diseñado para su distribución en Internet. El formato ONA aún no es muy usado y su duración es por lo general corta. Un ejemplo de este es Azumanga Web Daioh y Candy Boy.

Géneros

En el anime, suele haber géneros que se encuentran en los medios audiovisuales. Estos son acción, aventura, comedia, ciencia ficción, drama, psicológica, fantasía medieval, romance y terror.

Gran parte de las series de anime pueden incluir dos o más géneros de los dichos. Por ejemplo, acción y aventura pueden ser combinados de muy buena manera. Hay muchas series de este tipo, y es más común verlas en el shōnen. Así también, drama y romance se combinan de muy buena manera, y muchas series suelen mezclarlos (especialmente en el shōjo). También, misterio y terror, como en Detective Conan, MONSTER y Death Note.

Géneros demográficos

La siguiente tabla muestra los géneros usados exclusivamente para ánime y manga:

• Kodomo (子供, Kodomo literalmente "niño"): ánime enfocado hacia el público infantil. Ejemplos en la categoría Kodomo.
• Shōnen (少年, Shōnen literalmente "chico" o "muchacho"): ánime para chicos adolescentes o preadolescentes protagonizado por un chico adolescente, en el que suele haber elementos mágicos y combates de todo tipo. Ejemplos en la categoría Shōnen.
• Shōjo (少女, Shōjo literalmente "chica" o "muchacha"): ánime enfocado a público adolescente femenino, generalmente con protagonista principal una chica. Ejemplos en la categoría Shōjo.

Géneros temáticos

Otra forma de clasificar al anime es mediante la temática que se utiliza como centro de la historia. Los más populares son:

• Comedia: son animaciones con un gran sentido del humor, en la que se representan escenas o situaciones similares a las de otras animaciones, se usan nombres comunes en los animes, hacen cosas similares a la vida habitual. Ejemplos en la categoría Comedia.
• Cyberpunk: sus historias suceden en mundos donde los avances tecnológicos toman parte crucial en los problemas planteados, junto con algún grado de desintegración o cambio radical en el orden social, adicionalmente su estética también es muy característica. Ejemplos en la categoría Cyberpunk.
• Gekiga: término acuñado por Yoshihiro Tatsumi para referirse a un estilo dramático, más oscuro, serio y realista de relatar las historias. El término, literalmente, significa "imágenes dramáticas". Ejemplos destacados son: Ashita no Joe, Kyojin no Hoshi y Golgo 13.
• Gore: anime sangriento o con gran cantidad de terror, muy relacionado con el cine. Ejemplos en la categoría Gore.
• Isekai: Historias donde el protagonista es transportado, renacido, o atrapado en un mundo diferente, el cual suele ser un universo paralelo o un mundo de fantasías, donde existen la magia y las criaturas fantásticas. Ejemplos en la categoría Categoría:Anime y manga fantástico.
• Jidaigeki: se trata de relatos con contenido histórico, en su mayoría situados en el periodo Edo.
• Kaijū: historias con monstruos gigantes con gran capacidad destructiva, proviene del género del cine japonés del mismo nombre cuyo exponente más famoso es Godzilla. En el anime suelen también estar asociado al género de mecha.
• Kemono: humanos con rasgos de animales o viceversa, usualmente dirigido a público infantil.
• Mahō shōjo: caracterizado por narrar historias de chicas con poderes mágicos que deben luchar contra algún poder maligno.
• Mecha: sus historias tratan sobre robots gigantes los cuales tienen la responsabilidad de salvar el mundo de un enemigo inhumano. Se distinguen dos subgéneros: los Real Robots (funcionamiento realista) y los Super Robots (funcionamiento sobrenatural).
• Meitantei: son historias policíacas.
• Musical: Son animes cuya historia principal gira en torno a la música, ya sea cantantes, intérpretes de instrumentos, bandas, orquestas, clubes de música escolar, etc. Ejemplos en la categoría Música.
• Nekketsu también conocido como Shōnen de lucha: caracterizado por la abundancia de escenas de acción protagonizadas por un personaje exaltado que evoluciona durante la historia y que es comparado con uno o varios antagonistas.
• Post-apocalíptico: son historias que tienen lugar en mundos devastados, aunque guardan similitud con las distopías son diferentes por el momento en el que se desarrolla la historia. Ejemplos en la categoría Post-apocalíptico.
• Recuentos de la vida: también conocido por su nombre en inglés Slice of Life, son historias que centran en experiencias de vida cotidiana. Ejemplos en la categoría Recuentos de la vida.
• Romakome: son comedias románticas que han trascendido inclusive al cine. Ejemplos en la categoría Romance.
• Sentai: sus historias retratan a superheróes que se consideran en algunos casos contrapartes de los occidentales.
• Spokon: caracterizado por el mismo espíritu guerrero del Shōnen de lucha, pero en un contexto deportivo. Se exaltan valores cómo la amistad y la cooperación. Ejemplos en la categoría Deportes.
• Steampunk: sus historias se basan en mundos donde la tecnología a vapor aún es predominante, localizándose en muchas ocasiones en la época victoriana, debido a esto suele ser entendido más propiamente cómo un estilo estético. Ejemplos en la categoría Steampunk.
• Suspenso: son historias que se caracterizan por involucrar al público a partir de sucesos inesperados, a partir de lo cual el relato toma un rumbo totalmente distinto y cambia de tono. Ejemplos en la categoría Suspenso.

Directores reconocidos

Studio Ghibli

Isao Takahata y Hayao Miyazaki, tras abandonar Toei Doga se hallaban trabajando en series de televisión, pero este último sentía grandes deseos de volver al cine de dibujos para la pantalla grande. Miyazaki conseguirá firmar como director su primera película gracias al encargo recibido de adaptar para el cine el popular personaje televisivo de Lupin III, en El castillo de Cagliostro (1979). Gracias al ritmo rápido que le insufló Miyazaki y a unos gags basados sobre todo en la acción, resultó una obra altamente reconocida.

Miyazaki publicaba desde 1982 en la revista especializada Animage el manga Nausicaä del Valle del Viento, que gozaba de gran prestigio. Gracias a ello, surge el proyecto de que Miyazaki realizara una versión para el cine, que Takahata se responsabilizará de producir. Por su parte Miyazaki, además de dirigir, se encargó también del argumento, guion y story board. Aparece así la película del mismo título en 1984, donde Miyazaki retrata una Tierra devastada por la guerra, donde la humanidad está en peligro de extinguirse. A pesar de tratar un tema tan poco comercial como el de la relación entre los seres humanos y la Naturaleza, el público mostró una gran respuesta.

Gracias al éxito de esta película, Takahata y Miyazaki convencen al magnate del mundo editorial Yasuyoshi Tokuma para que colabore en la formación de sus propios estudios de cine de animación, inaugurándose de esta forma en 1985 el Studio Ghibli. Dentro de estos, Miyazaki dirigirá títulos como El castillo en el cielo (1986), vagamente inspirada en Los viajes de Gulliver de Jonathan Swift; Mi vecino Totoro (1988), con una extraña criatura de los bosques que solo los niños de corazón limpio pueden ver; Majo no Takkyūbin (1989), sobre las penalidades de una joven bruja, y Porco Rosso (1992).

Por su parte, Takahata dirige La tumba de las luciérnagas (1988), basada en un argumento de Akiyuki Nosaka, que relata la historia de dos hermanos a los que los bombardeos norteamericanos durante la guerra han dejado huérfanos. Tras esta, realizará Heisei Tanuki Gassen Ponpoko (Pom Poko, 1994), donde los tanuki protagonistas ven amenazada su morada por el desarrollo urbanístico y deciden pasar a la defensa empleando sus habilidades para transformar su apariencia. Todas estas producciones tuvieron gran éxito comercial y repercusión también en el extranjero, donde empezó a cobrar fama el nombre del Studio Ghibli.

Mamoru Oshii

En Japón es muy reconocido el ánime de Mamoru Oshii (1951). Tras trabajar un tiempo para la televisión, Oshii llama pronto la atención por su serie Urusei Yatsura así como por la muy posterior Patlabor. Sin embargo, el nombre de Oshii llegará a las audiencias occidentales gracias a Ghost in the shell (1995). En la edición de Cannes de abril de 2004 presentó Ghost in the Shell 2: Innocence (2004), que viene a ser una secuela de la película de 1995.

Katsuhiro Ōtomo

Katsuhiro Ōtomo (1954) alcanzó fama internacional gracias a su Akira (1988), basado en un manga de creación propia, tras el cual viene la película Memories (1995), codirigida con Kōji Morimoto y Tensai Okamura. Años después, regresaría dirigiendo la película Steamboy (2004), una historia del steampunk más tradicional y con un presupuesto millonario.

Hayao Miyazaki

Con el estreno de La princesa Mononoke (1997) vuelve a resonar el nombre del Studio Ghibli. Con esta historia ambientada en la era Muromachi (siglos XIV a XVI), se vuelve al tema de la Naturaleza amenazada por los seres humanos. Sobrepasando todas las expectativas, la recaudación rebasa los diez mil millones de yenes, superando incluso a la norteamericana E.T., el extraterrestre. Miyazaki, que había declarado a los medios de comunicación que esta sería su última película, se retractará poco tiempo después de dicha afirmación.

Miyazaki volvió a la dirección en 2001 con El viaje de Chihiro, historia de una niña que, para salvar a sus padres atrapados por una bruja, arriesga su vida internándose en una gigantesca casa de baños poblada por dioses aprendiendo a valerse por sí misma. Volvió a renovar el listón de taquilla, con unos ingresos de 150 millones de dólares, igual a la de Titanic. En la edición de febrero de 2002 del Festival Internacional de Cine de Berlín consigue el Oso de oro y en marzo de 2003 el Oscar a la mejor película de animación, hechos ampliamente recogidos por la prensa japonesa.

Miyazaki regresó más tarde con Howl no Ugoku Shiro (traducida como El castillo ambulante, El increíble castillo vagabundo y El castillo andante, 2004). En septiembre de 2005 Miyazaki recibe el León de Oro a su carrera. En cambio Takahata, su compañero, después del fracaso comercial de Mis vecinos los Yamadas (1999), se mantiene apartado del anime.

Satoshi Kon

Satoshi Kon (1963-2010), dirigió cuatro películas consideradas hoy como obras de culto: Perfect Blue (1997), Millennium Actress (2001), Tokyo Godfathers (2003) y Paprika (2006), sus complejas películas inspirarían a directores de Hollywood como Darren Aronofsky y Christopher Nolan. También dirigió una serie llamada Paranoia Agent (2004) y fue guionista de Magnetic Rose, uno de los tres cortometrajes que componen la película Memories de Katsuhiro Ōtomo. En año 2010 fallece de un cáncer de páncreas.

Distribución del anime fuera de Japón

América Latina

En Latinoamérica, el ánime empezó a distribuirse desde 1970 empezando por Panamá, El Salvador, Costa Rica, Nicaragua, Colombia, Venezuela, México, Paraguay, Uruguay, Perú, Chile, Guatemala, Ecuador, Argentina, Bolivia y República Dominicana con las series Heidi, Princesa caballero, Candy Candy y Meteoro. Les seguirían Kimba, El León Blanco, Mazinger Z, en los 80s.

Muchas de estas series eran transmitidas en la televisión abierta de muchos países latinoamericanos.

• Anime-manía: a partir de 1990 el anime empezó a tomar mucha popularidad con Robotech, Saint Seiya, Sailor Moon, Las guerreras mágicas, Ranma 1/2, así como las sagas de Dragon Ball y más tarde Detective Conan, Neon Genesis Evangelion, Beyblade, Pokémon, Digimon, Sonic X, Captain Tsubasa, Cardcaptor Sakura, Blue Seed, Yu-Gi-Oh, Samurai X, Cowboy Bebop, InuYasha, Naruto, One Piece, Death Note, Bleach, Black cat, Vandread Inazuma Eleven, Hamtaro, Fullmetal Alchemist, Hungry Heart y muchas más que se estrenaron. Los canales de cable (internacionales) distribuidores en esa época eran Magic Kids, Locomotion, Fox Kids, Cartoon Network y Animax, así como canales de señal abierta en cada país.

• Cese: a partir del 2006, la emisión y estrenos de anime por la televisión se redujo considerablemente en la región, debido a la cancelación de Toonami en 2007 en Cartoon Network, el desvío de enfoque y muerte de Animax (sucesor de Locomotion, luego de que fuera comprado por Sony) en el 2011, y la salida de aire de ZAZ en 2012, junto con el cierre de Cloverway en 2007, lo que redujo la llegada de nuevos títulos para Latinoamérica.

A la fecha, el único canal que emite anime en su programación regular y de manera constante (casi las 24 horas de anime) con estrenos y de manera ininterrumpida por 18 años es el canal de cable chileno llamado Etc TV.

• Distribuidoras: en la actualidad, los distribuidores de anime para América Latina son Televix, Comarex (Distribuye actualmente series propiedad de TMS Entertainment), Ledafilms (distribuye principalmente series propiedad de Enoki Films), Alebrije Entertainment (distribuye los animes de Toei Animation que además posee la biblioteca de series de la extinta Cloverway), y Rose Entertainment (que desde 2012 distribuye parte del catálogo de series de Viz Media).

• Streaming: ahora los fanáticos en Latinoamérica pueden ver anime legal con regularidad desde los servicio de streaming como Netflix, que tiene en su catálogo varios títulos de animes en su servicio desde 2012, y con la llegada de Crunchyroll a la región, abren el mercado legal del anime en línea por emisión en continuo.

• Anime ilegal: A partir del cese de la publicación de anime en los canales de TV se han creado páginas ilegales que transmiten anime de sin licencias no solo en América ni Europa también en otras regiones.

Subcultura otaku

Akihabara: considerada la ciudad tecnológica de Japón y la de mayor concentración de otakus.

Al igual que las películas, las series de animación pueden dar lugar a un seguimiento masivo, especialmente si van dirigidas a niños o jóvenes. En ese caso, puede ocurrir que se genere una variedad de artículos de mercadotécnia extendiéndolo a áreas como videojuegos, películas y artículos de colección.

Puede que la fama de una serie quede confinada en un área relativamente pequeña o que, por el contrario, se extienda por medio mundo. Casi todas las series de animación japonesa pasan inadvertidas para el público general. A pesar de ello, pueden ofrecer historias, personajes, escenas, frases míticas, guiños a otras series, que pasarán a formar parte de la cultura otaku.

Las convenciones de anime aparecieron por la década de 1990. Actualmente las convenciones se han hecho en varias partes del mundo, principalmente en Asia, Europa y América. En muchas convenciones de manga y ánime hay concursos de karaoke en que los asistentes podrán interpretar sus canciones preferidas de apertura y clausura, j-pop, j-rock, gente disfrazada de sus personajes preferidos de ánime (cosplay), coreografías, entre otros, recientemente ha aparecido un nuevo nombre para los que les gusta mucho el anime: akiba-kei, usado para hacer connotación exclusiva a aquellos fanáticos del ánime que tienen un mayor conocimiento de este y menos fanatismo yendo a conferencias de estos, conciertos de j-pop, entre otros.

Véase también

En inglés: Anime Facts for Kids

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