Historia de la arquitectura para niños

Restos de construcción megalítica adintelada en Stonehenge.

Hipogeo, Isla de Malta.

La arquitectura prehistórica es una forma de expresión y construcción muy antigua que muestra las primeras creencias de las culturas primitivas. Se refiere a las primeras construcciones que se han conservado.

• Construcciones megalíticas: Vienen del griego megas (grande) y lithos (piedra). Son enormes losas de piedra, a veces sin tallar, colocadas de forma vertical y horizontal, como dinteles. Nunca se unían con mortero ni con ningún otro tipo de unión.
• Construcciones ciclópeas: Los antiguos griegos creían que las habían hecho unos gigantes llamados cíclopes. Se construían con piedras más pequeñas que las megalíticas, a veces escuadradas o desbastadas, y en ocasiones usaban mortero de arcilla para hacer muros.

Las primeras construcciones megalíticas surgieron en el Neolítico y continuaron en la Edad del Cobre. Las ciclópeas pertenecen a las edades del Cobre, Bronce o Hierro.

También conocemos diversas construcciones que sirvieron de casa o morada temporal a nuestros antepasados desde hace mucho tiempo:

• Cabañas o chozas: Hechas con ramas entrelazadas.
• Grutas o cavernas: Cuevas naturales o artificiales adaptadas por el hombre.
• Palafitos: Casas de madera construidas sobre pilotes clavados en el fondo de un lago o zona pantanosa. Los más famosos se encontraron en los lagos de Suiza. Se cree que servían para defenderse de los animales salvajes.
• Crannógs: Casas lacustres de Irlanda, como pequeñas islas que no dejaban pasar el agua por debajo.
• Terramaras: Descubiertas en Italia, eran chozas de madera y arcilla en lugares pantanosos.

La arquitectura funeraria incluye los túmulos, que a veces estaban orientados hacia el solsticio de invierno, como el Castillejo del Bonete en España.

La Alhambra de Granada, un ejemplo de arquitectura medieval islámica.

El Baptisterio, la iglesia y el campanile (torre campanario) en la Catedral de Pisa.

La Arquitectura medieval abarca la producción arquitectónica del arte medieval. En esta época se desarrollaron principalmente tres estilos: el Bizantino, que influyó durante todo el periodo; el Románico, entre los siglos XI y XII; y el Gótico, desde el siglo XII hasta el siglo XV.

Los principales factores que influyeron en la arquitectura medieval fueron la disminución de la vida en las ciudades (lo que llevó a la ruralización y al feudalismo en Europa) y el gran poder de la Iglesia católica. A medida que el poder de los reyes se sometía al poder del papa, la Iglesia fue la que aportó el dinero para las grandes obras arquitectónicas. La tecnología de la época se desarrolló principalmente en la construcción de las catedrales, y el conocimiento arquitectónico estaba en manos de los gremios.

Durante casi toda la Edad Media, no existía la figura del arquitecto como un creador individual. La construcción de las catedrales, que eran los proyectos más grandes, involucraba a toda la población y formaba parte de la vida de la comunidad. El conocimiento de la construcción lo guardaban los gremios, que reunían a muchos maestros y obreros (los verdaderos arquitectos) que dirigían y realizaban las obras. De aquí surgieron las asociaciones que más tarde se conocerían como masonería (masón significa albañil).

La Cristiandad trajo una nueva forma de ver el mundo, donde los deseos humanos se sometían a los planes divinos, y se esperaba que las personas buscaran lo divino. Al principio, por limitaciones técnicas, los templos se diseñaban para que la gente se recogiera en su interior. Más tarde, con el desarrollo de la arquitectura gótica, se buscó alcanzar los cielos, con edificios que parecían elevarse hacia arriba.

El Palacio Medici Riccardi en Florencia (1444), un ejemplo de palacio renacentista.

La Villa Farnesina (1511), un ejemplo de villa renacentista.

La Villa Capra (1566), de Andrea Palladio, un ejemplo de arquitectura palladiana.

La Arquitectura del Renacimiento es el estilo de edificios diseñados y construidos durante el Renacimiento europeo, entre los siglos XV y XVI. Se considera un momento de cambio importante en la historia de la arquitectura, especialmente en contraste con el estilo anterior, el gótico. En cambio, el Renacimiento se inspiró en una interpretación propia del arte clásico, sobre todo en la arquitectura romana, que se veía como un modelo perfecto.

Hubo muchas novedades en la forma de construir (técnicas y materiales) y en el lenguaje arquitectónico, todo ello bien explicado en teorías.

Otra característica de este movimiento fue la nueva actitud de los arquitectos. Dejaron de ser artesanos anónimos para convertirse en profesionales reconocidos, dejando su estilo personal en cada obra. Se veían a sí mismos como artistas que sabían de muchas cosas y como humanistas, lo que encajaba con la idea del humanismo renacentista. Mientras que sabemos poco de los constructores medievales, las grandes obras renacentistas, e incluso proyectos más pequeños, fueron documentados con detalle y estudiados por los expertos de la época.

El espíritu renacentista valoraba las cualidades del ser humano. La idea de progreso del hombre (científico, espiritual, social) se convirtió en un objetivo importante. El redescubrimiento de la antigüedad clásica y el humanismo sirvieron de guía para la nueva forma de ver el mundo que se reflejó en los artistas de este periodo.

La cultura renacentista era multidisciplinar e interdisciplinar. Para el hombre del Renacimiento, lo importante era el conocimiento y la razón, sin separar las ciencias de las artes. Esta cultura fue muy favorable para el desarrollo de la arquitectura.

La arquitectura renacentista era clásica, pero no buscaba ser una copia exacta (no era neoclásica). Al descubrirse antiguos escritos sobre arquitectura clásica (como De architectura de Vitruvio, que sirvió de base para De re aedificatoria de Alberti), se abrió la puerta a una nueva interpretación de esa arquitectura y a su aplicación en los nuevos tiempos. Los conocimientos adquiridos en la Edad Media (como el control de las cúpulas y arcadas) se usaron de nuevas maneras, incorporando elementos del lenguaje clásico.

El descubrimiento de la perspectiva (especialmente la perspectiva cónica) fue muy importante en este periodo. La idea de infinito y el concepto del punto de fuga se usaron mucho para crear efectos visuales en los diseños de los arquitectos. La perspectiva permitió entender el espacio como algo universal, comprensible y controlable mediante la razón. El dibujo se convirtió en la principal herramienta de diseño, y así surgió la figura del arquitecto individual, diferente de los "maestros de obra" medievales que trabajaban en grupo. Los nuevos métodos de diseño influyeron en cómo se concebían los espacios de los edificios, permitiendo controlar y resaltar las percepciones visuales desde puntos específicos. Poder representar la realidad fielmente con la perspectiva no solo servía para "describir" lo conocido, sino también para anticipar y proyectar imágenes realistas.

Entre los arquitectos más importantes del Renacimiento se encuentran Vignola, Alberti, Brunelleschi y Miguel Ángel.

Fachada de la Iglesia del Gesù, Roma.

La arquitectura manierista es un estilo europeo que se desarrolló entre 1530 y 1610, es decir, entre el final de la arquitectura renacentista y el comienzo de la barroca.

Los historiadores ven el manierismo como la última etapa del Renacimiento, después del humanismo florentino y el clasicismo romano. Sin embargo, el clasicismo y el manierismo coexistieron desde principios del siglo XVI.

La palabra «maniera», que ya se usaba en el siglo XV para referirse al estilo de cada artista, fue empleada por Giorgio Vasari en el siglo siguiente para describir una de las cuatro cualidades del arte (orden, medida, diseño y maniera), especialmente en las obras de Miguel Ángel. Más tarde, Jacob Burckhardt la usó de forma negativa para describir el arte italiano entre el Renacimiento y el Barroco. Sin embargo, a principios del siglo XX, con el surgimiento de movimientos como el surrealismo y el expresionismo, la crítica revaloró la cultura manierista.

Baldaquino de Bernini en San Pedro del Vaticano, Roma (1623-1634)

Nave central de San Giovanni in Laterano (1646-1650), de Francesco Borromini

La Galería de los Espejos (1678-1684) del palacio de Versalles, que muestra la sensación de espacio infinito.

Interior de la iglesia de San Pedro y San Pablo de Vilnius (1668-1701), un ejemplo del barroco de Vilna.

La Iglesia abacial de Ottobeuren (1737-1766), un ejemplo de iglesia barroca alemana.

Sacristía de la Cartuja_de_Granada (1727-1764).

La Basílica de Vierzehnheiligen de Balthasar Neumann (1743-1772), una obra ya plenamente rococó.

La arquitectura barroca surgió en la península itálica, en lo que hoy es Italia, en una época en que las ciudades-estado perdían su independencia y estaban bajo dominio extranjero. Comenzó en Roma a principios del siglo XVII, se extendió por las ciudades italianas y luego llegó al resto de Europa y América, influyendo en todo el mundo católico. Se desarrolló durante el siglo XVII, en el periodo del absolutismo, y fue seguida por el rococó y el neoclasicismo.

El barroco es un estilo que busca la libertad en el espacio y en las ideas, rompiendo con las reglas, las convenciones, la geometría simple y todo lo estático. También se libera de la simetría y de la separación entre el espacio interior y exterior. Por esta búsqueda de libertad, el barroco tiene un significado psicológico que va más allá de la arquitectura de los siglos XVI y XVII, logrando un estado de ánimo de libertad y una actitud creativa sin prejuicios.

El término "barroco", que al principio era despectivo, se usaba para señalar la falta de regularidad y orden, que los defensores del neoclasicismo (influenciados por la Ilustración) consideraban de mal gusto. De hecho, las características principales de la arquitectura barroca, muy decorativa y teatral, eran las líneas curvas, con formas sinuosas como elipses o espirales, a veces con motivos que se entrelazaban. Todo estaba diseñado para sorprender, y el fuerte sentido teatral llevaba a los artistas a una gran exuberancia decorativa, combinando pintura, escultura y estuco en la composición del espacio, y resaltando todo con juegos de luces y sombras.

Representación de la Acrópolis de Atenas, obra de 1846 del arquitecto y pintor Leo von Klenze.

Proyecto de Ópera, obra no realizada de Étienne-Louis Boullée de 1781.

La Neue Wache (1816-18), de Karl Friedrich Schinkel, en Berlín.

La basílica de San Francisco de Paula (1816-1846) en Nápoles.

La Rotonda (1822-1826) de la Universidad de Virginia, de Thomas Jefferson y Stanford White.

Urbanización en Washington.

La arquitectura neoclásica es un estilo arquitectónico occidental que surgió a mediados del siglo XVIII. Fue una reacción contra el estilo barroco, que era muy ornamentado, y también el resultado de algunas ideas clasicistas que ya aparecían en el barroco tardío. Se extendió durante el siglo XIX, coincidiendo con otras tendencias como la arquitectura historicista y el eclecticismo arquitectónico. Algunos historiadores llaman a la arquitectura neoclásica de la primera mitad del siglo XIX "clasicismo romántico", porque, además de coincidir con el romanticismo, compartía rasgos con la estética romántica, añadiendo cierta expresividad a la sencillez y claridad de los edificios griegos y romanos.

Los factores clave que influyeron en el surgimiento de la arquitectura neoclásica fueron los mismos que marcaron el contexto político, social y económico de la época, como la Revolución Industrial, la crisis del Antiguo Régimen, la Ilustración, el enciclopedismo, la creación de Academias y el despotismo ilustrado. La Revolución Industrial cambió profundamente la vida en las ciudades y trajo nuevos avances técnicos y el uso de nuevos materiales. Se buscaba dar un carácter más científico a las artes, por lo que los artistas debían ser más técnicos que inventores, e imitadores más que creadores. Este espíritu científico llevó a considerar el arte clásico como un arte "progresista", sin adornos innecesarios y que buscaba la perfección de leyes inmutables, sin depender de las impresiones subjetivas del artista. Esta nueva dirección hizo que se rechazara la última arquitectura barroca y se volviera la mirada al pasado en busca de un modelo arquitectónico universal. Surgieron movimientos que defendían la funcionalidad y la eliminación de la decoración en los edificios. Francesco Milizia (1725-1798) en su obra Principi di Architettura Civile (1781) extendió estas ideas por toda Europa. Mientras tanto, en Francia, el abate Marc-Antoine Laugier (1713-1769) defendía en sus obras Essai sur l'Architecture (1752) y Observations sur l'Architecture (1765) la necesidad de crear edificios donde todas las partes tuvieran una función esencial y práctica, y donde los elementos arquitectónicos fueran constructivos y no solo decorativos, para lograr una arquitectura verdadera: la construida con lógica. El concepto de economía en el funcionamiento de los edificios cambió algunas formas de organizar el espacio y la relación entre ventanas y muros.

La Ilustración sostenía que la infelicidad del hombre se debía a la ignorancia y la falta de razón, y que el camino a la felicidad era la educación. Aunque las primeras Academias de arte surgieron en Italia en el siglo XVI, las fundadas en el siglo XVIII ya eran ilustradas y sirvieron para difundir ideas contrarias al barroco y a favor del neoclasicismo, así como obras técnicas y científicas que racionalizaban la práctica del arte. En este momento, el arte empezó a ser analizado con una crítica libre, basada en principios éticos. La arquitectura podía verse como una rama del arte social y moral, y la L'Encyclopédie le atribuyó la capacidad de influir en el pensamiento y las costumbres de las personas. Así, proliferaron las construcciones que mejoraban la vida humana, como hospitales, bibliotecas, museos, teatros, parques, etc., todas ellas con un carácter monumental. Los arquitectos del siglo XVIII rechazaron la intensa religiosidad de la estética anterior y la exageración del barroco, buscando una síntesis espacial y formal más racional y objetiva. Sin embargo, aún no tenían una idea clara de cómo aplicar las nuevas tecnologías constructivas y estructurales en una nueva arquitectura. El neoclasicismo no buscó un estilo completamente nuevo, diferente del arte clásico renacentista, sino que fue más una reinterpretación de las formas clásicas y menos una experimentación con ellas. La gran diferencia fue la aplicación de nuevas tecnologías: en este periodo, materiales antiguos como la piedra y la madera fueron reemplazados gradualmente por el hormigón, y más tarde por el hormigón armado y el metal.

El enciclopedismo, que fue un precursor de la Revolución francesa, también trajo consigo una visión romántica de la Grecia Antigua. En arquitectura, la formación requería conocer fuentes antiguas como Vitrubio, Palladio y Vignola. Por ello, se usaron los repertorios de formas de las arquitecturas griega y romana (e incluso de Egipto y Asia Menor). Todos los arquitectos partían de ideas comunes: la racionalidad en las construcciones y la vuelta al pasado. Aunque los enfoques eran diferentes.

Los modelos grecorromanos dieron lugar a una arquitectura monumental que a menudo reproducía el templo clásico para darle un nuevo significado en la sociedad civil. El perfil de los Propileos de Atenas sirvió al alemán Carl Gotthard Langhans para diseñar su puerta de Brandeburgo en Berlín (1789-1791), un tipo muy repetido como la entrada al Downing College de Cambridge (1806) del inglés William Wilkins o la posterior Gliptoteca de Múnich de Leo von Klenze. También el inglés James Stuart (1713-1788), un arquitecto arqueólogo al que se llamó "el Ateniense", reprodujo el monumento corágico de Lisícrates en Atenas para su monumento a Lisícrates en Staffordshire. Los hermanos Adam difundieron por toda Inglaterra un modelo decorativo para interiores con temas sacados de la arqueología; una de sus obras más representativas es Osterley Park, con una notable estancia etrusca y un clásico hall de entrada (1775-1780). Italia prefirió recrear sus modelos antiguos ya bien avanzado el siglo XVIII y a principios del siglo XIX. El modelo del Panteón de Agripa en Roma se repite en muchos templos, como el de la Gran Madre de Dio en Turín y San Francisco de Paula en Nápoles, ambos terminados en 1831, que reproducen el pórtico octóstilo y el volumen cilíndrico del Panteón.

Otros arquitectos, llamados utópicos, revolucionarios o visionarios, propusieron edificios basados en formas geométricas. No despreciaron la herencia del pasado clásico y, aunque respetaron la simetría y la monumentalidad, sus edificios a veces eran el resultado de una combinación original de formas geométricas. Étienne-Louis Boullée (1728-1799) y Claude-Nicolas Ledoux (1736-1806) fueron líderes de esta postura. Entre sus muchos proyectos no construidos, destaca el cenotafio para Isaac Newton, diseñado por Boullée como una esfera, que representaba el modelo ideal, sobre una base circular que albergaría el sarcófago del científico. Ledoux dejó edificios construidos, como parte de la utópica ciudad industrial de las Salinas de Arc-et-Senans, de planta circular en el Franco Condado, o el conjunto de la Villette en París.

Entre estos dos grupos, apareció una tercera opción: la arquitectura pintoresca, que surgió con la creación de jardines ingleses en el siglo XVIII. Estos jardines se ordenaban de forma natural, lejos de la geometría del jardín francés. Se valoraba la combinación de la naturaleza con la arquitectura, incluyendo en el paisaje natural edificios que imitaban construcciones chinas, indias o medievales. Este juego de formas originales y el uso de la luz buscaban provocar sensaciones en el espectador. Horace Walpole (1717-1797) construyó la Strawberry Hill House (1753-1756) en las afueras de Londres, una fantasía gótica que, según su autor, le inspiró para escribir El castillo de Otranto, una novela gótica, mostrando el efecto inspirador de la arquitectura. También William Chambers (1723-1796) creó un conjunto pintoresco en los Jardines de Kew (Londres) (1757-1763) con una pagoda china que reflejaba su conocimiento de las arquitecturas orientales.

El neoclasicismo también fue muy importante en la planificación de las ciudades. Los antiguos romanos habían desarrollado un esquema urbano para la defensa y la comodidad civil, pero el origen de este esquema se remonta a civilizaciones aún más antiguas. En su forma más básica, el sistema de calles en cuadrícula, un foro central con todos los servicios de la ciudad, dos bulevares principales un poco más anchos y una calle diagonal eran características del diseño romano, muy claro y ordenado. Las fachadas antiguas y los diseños de edificios se enfocaban en estos patrones de diseño urbano y buscaban funcionar en proporción con la importancia de los edificios públicos.

Muchos de estos patrones de planificación urbana se incorporaron en las primeras ciudades modernas planificadas del siglo XVIII. Ejemplos clásicos se ven en Karlsruhe y Washington D.C. Pero esto no significa que todas las ciudades y barrios planificados se diseñen según principios neoclásicos. Modelos opuestos se pueden observar en los diseños modernistas como Brasilia, el movimiento de Garden City, las levittowns y el nuevo urbanismo.

• 

  Fachada del Palacio Borbón (1806) (hoy Asamblea Nacional), París.

• 

  Fachada al patio de Somerset House (1776-1796), Londres.

• 

  Puerta de Brandeburgo (1789-1791), de Carl Gotthard Langhans, Berlín.

• 

  Museo del Prado (1785-1819) en Madrid, obra de Juan de Villanueva.

• 

  Catedral de Kazán (1801-1811), de Andréi Voronijin, San Petersburgo.