Pintura renacentista de Italia para niños
La pintura renacentista de Italia es el arte de pintar que se desarrolló en la península itálica desde finales del siglo XIII hasta finales del siglo XVI. En ese tiempo, Italia estaba dividida en muchos estados, algunos independientes y otros bajo el control de potencias extranjeras. Los pintores del Renacimiento italiano, aunque a menudo trabajaban para una corte o una ciudad específica, viajaban por toda Italia. Esto les permitía compartir ideas artísticas y filosóficas.
La ciudad de Florencia en la Toscana es considerada el lugar donde nació el Renacimiento, especialmente la pintura. Sin embargo, hacia el final de este periodo, Roma y Venecia se volvieron muy importantes en el mundo de la pintura.
La pintura renacentista italiana se divide en cuatro etapas principales:
- Proto-renacimiento (1300-1425)
- Renacimiento temprano (1425-1495)
- Alto Renacimiento (1495-1520)
- Manierismo (1520-1600)
Estas fechas son aproximadas, ya que la vida y las obras de los pintores no siempre encajan perfectamente en estos periodos.
El Proto-renacimiento comenzó con el pintor Giotto e incluyó a artistas como Taddeo Gaddi y Orcagna. El Renacimiento Temprano se inició con Masaccio y fue continuado por Fra Angelico, Paolo Uccello, Piero della Francesca, Sandro Botticelli, Verrocchio, Domenico Ghirlandaio y Giovanni Bellini. En el Alto Renacimiento destacaron Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael, Andrea del Sarto, Correggio, Giorgione, y las últimas obras de Giovanni Bellini y Tiziano. El periodo Manierista incluye las últimas obras de Miguel Ángel, así como a Pontormo, Parmigianino, Bronzino y Tintoretto.
Contenido
- ¿Qué influyó en la pintura renacentista italiana?
- ¿Qué temas se pintaban?
- Pintura proto-renacentista
- Pintura del Renacimiento temprano
- Renacimiento temprano y pintura en otras partes de Italia
- Alto Renacimiento
- Pintura del Alto Renacimiento en Venecia
- La influencia de la pintura renacentista italiana
- Galería de imágenes
- Véase también
¿Qué influyó en la pintura renacentista italiana?
El desarrollo de la pintura renacentista en Italia fue influenciado por muchos aspectos de la sociedad, como la filosofía, la literatura, la arquitectura, la ciencia y la forma de gobierno.
Filosofía y el pensamiento humanista
Durante este tiempo, se redescubrieron muchos textos clásicos que habían estado olvidados por siglos. Estos textos incluían filosofía, poesía, teatro, ciencia y teología cristiana antigua. Esto llevó a un interés especial por la filosofía humanista. El humanismo se enfocaba en la relación del ser humano con la humanidad, el universo y Dios, y ya no era solo un tema de la iglesia. Artistas como el arquitecto Brunelleschi y el escultor Donatello revivieron el interés por el arte clásico, estudiando las ruinas de Roma. Este regreso a un estilo arquitectónico clásico inspiró un estilo similar en la pintura, que se vio en las obras de Masaccio y Paolo Uccello en la década de 1420.
Avances en ciencia y tecnología
Al mismo tiempo que se recuperaban los textos clásicos, Europa entró en contacto con matemáticas avanzadas de estudiosos islámicos y del Imperio bizantino. La invención de la imprenta en el siglo XV facilitó la difusión de ideas, y se publicaron más libros para el público en general. El desarrollo de la pintura al óleo y su llegada a Italia también tuvo un gran impacto en el arte.
Cambios en la sociedad
El establecimiento de la banca de los Médici y el comercio que siguió trajeron una riqueza sin precedentes a Florencia. Cosimo de Medici impulsó una nueva forma de apoyar las artes, que no dependía solo de la iglesia o la monarquía. La presencia de artistas geniales como Giotto, Masaccio, Brunelleschi, Piero della Francesca, Leonardo da Vinci y Miguel Ángel en Florencia creó un ambiente donde muchos otros artistas fueron apoyados y financiados, lo que les permitió crear obras de gran calidad. Algo similar ocurrió en Venecia gracias al talento de la familia Bellini, Mantegna, Giorgione, Tiziano y Tintoretto.
¿Qué temas se pintaban?
_01.jpg)
Muchas pinturas del Renacimiento fueron encargadas por la Iglesia católica. Estas obras solían ser grandes frescos que mostraban la vida de Jesús, la Virgen María o de santos, como San Francisco de Asís. También había muchas pinturas que usaban símbolos para hablar de la salvación y el papel de la iglesia. Las iglesias también encargaban retablos, que se pintaban con témpera sobre madera y luego con óleo sobre lienzo. Además, se hacían muchas imágenes pequeñas para la devoción, tanto para iglesias como para personas, siendo el tema más popular la Virgen con el Niño.
Las ciudades también encargaban obras. Los edificios de gobierno se decoraban con frescos, como la obra no religiosa Alegoría del Buen y el Mal Gobierno de Ambrogio Lorenzetti, y obras religiosas como el fresco de Maestà de Simone Martini en el Palazzo Pubblico de Siena.
Los retratos eran poco comunes en el siglo XIV y principios del XV. Se limitaban a imágenes para recordar a personas importantes, como los retratos ecuestres de Guidoriccio da Fogliano por Simone Martini en 1327 en Siena, de John Hawkwood por Uccello en la catedral de Florencia o de Niccolò da Tolentino por Andrea del Castagno.
Durante el siglo XV, los retratos se hicieron más comunes. Al principio, eran casi siempre perfiles formales, pero luego se popularizaron los bustos con la imagen de tres cuartos. A menudo, las personas que financiaban los retablos y frescos eran incluidas en las escenas. Un ejemplo es la inclusión de las familias Sassetti y Medici en la obra de Domenico Ghirlandaio en la Cappella Sassetti. Los retratos se convirtieron en un tema principal en el Alto Renacimiento para pintores como Rafael y Tiziano, y esta tendencia continuó en el Manierismo con artistas como Bronzino.
Con el avance del humanismo, los artistas volvieron a los temas clásicos, especialmente para decorar las casas de clientes ricos. El nacimiento de Venus de Botticelli, pintada para los Medici, es la obra más conocida. Los temas clásicos también servían para obras con significado simbólico en encargos civiles. El humanismo también influyó en cómo se representaban los temas religiosos, siendo un ejemplo importante el techo de la capilla Sixtina de Miguel Ángel.
Otros temas se tomaban de la vida diaria, a veces con un significado simbólico y otras solo para decorar. A veces se registraban eventos importantes para ciertas familias, como la Camera degli Sposi de Mantegna, pintada para la familia Gonzaga en Mantua. Cada vez se pintaban más naturalezas muertas y escenas decorativas de la vida, como El Concierto de Lorenzo Costa alrededor de 1490.
A menudo, se recordaban eventos importantes en pinturas como la Batalla de San Romano de Uccello, así como festividades religiosas locales. También se representaban personajes históricos de una manera que invitaba a reflexionar sobre los eventos de la época o la vida de la gente común. Los textos de Dante, La leyenda dorada de Vorágine y el Decameron de Boccaccio fueron fuentes importantes de temas.
En todos estos temas, y en el trabajo de la mayoría de los pintores, se desarrollaron técnicas especiales: la observación de la naturaleza, el estudio de la anatomía, la luz y la perspectiva.
Pintura proto-renacentista
Tradiciones pictóricas del siglo XIII en la Toscana
El arte en la región de la Toscana a finales del siglo XIII estuvo marcado principalmente por dos grandes maestros del estilo italo-bizantino: Cimabue de Florencia y Duccio de Siena. A ellos se les encargaban principalmente pinturas religiosas, incluyendo grandes retablos que mostraban a la Virgen y el Niño. Estos dos pintores, junto con otros de su tiempo como Guido de Siena y Coppo di Marcovaldo, trabajaban de una manera muy formal y siguiendo las antiguas tradiciones de la pintura de iconos. En estas pinturas al temple, muchos detalles estaban ya definidos por el tema, como la posición de las manos de la Virgen y el Niño. Otras características, como el ángel sobre la cabeza o los hombros de la Virgen, o los pliegues de su velo, se habían repetido en innumerables obras. Cimabue y Duccio comenzaron a buscar un mayor realismo, al igual que Pietro Cavallini de Roma.
Giotto, el pionero
_adj.jpg)
Giotto (1266-1337), un joven pastor de las montañas al norte de Florencia, fue aprendiz de Cimabue y se convirtió en el pintor más importante de su época. Giotto, quizás influenciado por Pietro Cavallini y otros pintores romanos, no basó sus pinturas en tradiciones, sino en sus propias observaciones. A diferencia de sus contemporáneos bizantinos, las figuras de Giotto parecen tener volumen. Están firmes en el suelo, son anatómicamente correctas y sus ropas tienen estructura y peso. Pero lo que más distingue a sus figuras es la emoción que reflejan. En los rostros que pinta Giotto se pueden ver alegría, enojo, desesperación, vergüenza, desprecio y amor. Los frescos La Vida de Cristo y La Vida de la Virgen que pintó en la capilla Scrovegni en Padua establecieron un nuevo estándar para las historias contadas a través de imágenes. Su Madonna Ognissanti se exhibe en la Galería Uffizi en Florencia, en la misma sala que la Santa Trinita Madonna de Cimabue y la Ruccellai Madonna de Duccio, lo que permite comparar los tres estilos. Una de las características de las obras de Giotto es su realismo en la perspectiva. Se le conoce como el precursor del Renacimiento.
Artistas cercanos a Giotto
Varios pintores contemporáneos de Giotto se formaron con él o fueron influenciados por su estilo. Aunque muchos de sus alumnos adoptaron el estilo de Giotto, ninguno tuvo tanto éxito. Taddeo Gaddi fue el primero en pintar una escena nocturna de gran tamaño en la Anunciación a los pastores en la capilla Baroncelli de la Iglesia de Santa Croce, Florencia.
Las pinturas en la Iglesia Superior de la Basílica de San Francisco de Asís son ejemplos de pintura realista de la época, a veces atribuidas al propio Giotto, pero más probablemente obra de artistas que trabajaban con Pietro Cavallini. Una pintura de Cimabue en la Iglesia Inferior de la Basílica de San Francisco de Asís, que representa a la Virgen y a San Francisco, muestra más realismo que sus frescos anteriores en la Iglesia Superior.
Temas de moralidad y salvación
Un tema recurrente en la decoración de las iglesias medievales es el Juicio Final. En el norte de Europa, a menudo se encuentra un espacio con esculturas sobre la puerta oeste; sin embargo, en las iglesias italianas, suele haber una pintura en la pared interior occidental, como en la Capilla Scrovegni de Giotto. La Peste negra de 1348 hizo que los sobrevivientes fueran más conscientes de la necesidad de prepararse para la muerte con arrepentimiento. La inevitabilidad de la muerte, las recompensas por el arrepentimiento y los castigos por los pecados son temas destacados en muchos frescos. Se muestran detalles del sufrimiento y representaciones impactantes de los tormentos del infierno. Esto incluye El Triunfo de la Muerte del alumno de Giotto, Orcagna. Francesco Traini y Buonamico Buffalmacco trabajaron en otros tres frescos sobre el tema de la salvación. No se sabe exactamente cuándo comenzaron estos frescos, pero se cree que fue después de 1348.
A finales del siglo XIV, Padua tenía dos importantes pintores de frescos: Altichiero y Giusto de' Menabuoi. La obra maestra de Giusto, la decoración del Baptisterio junto a la Catedral, presenta el tema de la creación del hombre, su caída y salvación, e incluye una escena del Apocalipsis. El trabajo de Giusto es excepcional por su tamaño, calidad y buen estado; sin embargo, la forma en que trata las emociones humanas es más tradicional en comparación con la Crucifixión de Altichiero en la Basílica de San Antonio, también en Padua.
En Florencia, en la Capilla Española de Santa María Novella, se le encargó a Andrea di Bonaiuto que mostrara el papel de la Iglesia en el proceso de salvación, especialmente de la Orden dominicana. Su fresco Alegoría de la Iglesia activa y triunfal es notable por su representación de la catedral de Florencia, incluyendo la cúpula que no se construiría hasta un siglo después.
El estilo gótico internacional
Durante el siglo XIV, el Gótico Internacional fue el estilo principal en la pintura de la Toscana. Se puede ver en cierta medida en la obra de Pietro y Ambrogio Lorenzetti, caracterizado por la dulzura y la elegancia en las figuras, y un encanto propio del gótico tardío en los pliegues de las telas. El estilo está completamente desarrollado en las obras de Simone Martini y Gentile da Fabriano, cuya elegancia y riqueza de detalles, así como una representación idealizada, contrastan con el realismo de las pinturas de Giotto.
A principios del siglo XV, la diferencia entre el gótico internacional y el Renacimiento se acorta con las pinturas de Fra Angelico. Muchas de sus obras son retablos al temple que muestran la preferencia del Gótico por lo elaborado, usando pan de oro y colores brillantes. En los frescos de su convento en San Marco se muestra como un seguidor artístico de Giotto. Estas pinturas religiosas que decoran las celdas y pasillos habitados por los frailes representan episodios de la vida de Jesús, muchas de ellas escenas de la crucifixión. Son muy simples, con colores suaves, y transmiten una emoción intensa, ya que el propósito del artista era mostrar visualmente las revelaciones espirituales.
Pintura del Renacimiento temprano
Florencia, 1401: Un nuevo comienzo
Las primeras obras del Renacimiento en Florencia datan del año 1401. En ese momento, se realizó un concurso para elegir al artista que crearía un par de puertas de bronce para el baptisterio de San Juan, la iglesia más antigua de la ciudad. El baptisterio es un gran edificio octogonal de estilo románico, que se cree que tiene orígenes romanos. El interior de la cúpula está decorado con un enorme mosaico de Cristo, que se cree fue diseñado por Coppo di Marcovaldo. Tiene tres grandes entradas, y la central estaba cubierta en ese momento por un juego de puertas creado por Andrea Pisano ocho años antes.
Las puertas de Pisano estaban divididas en 28 secciones que contenían escenas de la vida de Juan Bautista. Los participantes del concurso, siete jóvenes artistas, debían diseñar un panel de bronce de tamaño similar, que representara el Sacrificio de Isaac.
Dos de los paneles aún se conservan, uno creado por Lorenzo Ghiberti y otro por Brunelleschi. Cada panel muestra un fuerte estilo clásico, indicando la dirección que tomaban la filosofía y el arte en ese momento. Ghiberti usó la figura de Isaac para crear una pequeña escultura de estilo clásico. En el panel de Brunelleschi, una de las figuras de la escena recuerda a una figura romana de bronce de un niño quitándose una espina del pie. La creación de Brunelleschi muestra menos elegancia que la de Ghiberti, pero aborda el tema del drama humano y la tragedia inminente.
Ghiberti ganó el concurso y tardó 27 años en completar su primer conjunto de puertas para el baptisterio. Después, le encargaron hacer otro. En total, Ghiberti trabajó 50 años en ellas, lo que sirvió como un lugar de aprendizaje para muchos artistas de Florencia. Las puertas tuvieron una enorme influencia en el desarrollo del arte visual florentino por su gran narrativa y su técnica de perspectiva lineal. Fueron un factor unificador y una fuente de orgullo para los artistas y la ciudad. Miguel Ángel las llamó puertas del Paraíso.
La Capilla Brancacci
En 1426, dos artistas comenzaron a pintar un fresco sobre La Vida de San Pedro en la capilla de la familia Brancacci, en la iglesia de Santa María del Carmine en Florencia. Ambos eran conocidos por el nombre de Tommaso y apodados Masaccio y Masolino.
Más que ningún otro artista, Masaccio entendió las ideas de Giotto. Continuó la práctica de pintar directamente de la naturaleza. Sus pinturas muestran un gran conocimiento de la anatomía, la perspectiva lineal y el estudio de la luz. Entre sus obras, las figuras de La expulsión de Adán y Eva del Paraíso terrenal, pintadas en el lateral del arco de la capilla, son reconocidas por su representación realista de la forma y la emoción humana. Contrastan con las figuras suaves y agradables pintadas por Masolino en Tentación de Adán. La pintura de la capilla quedó sin terminar cuando Masaccio murió a los 26 años. El trabajo fue continuado más tarde por Filippino Lippi. La obra de Masaccio se convirtió en una fuente de inspiración para futuros pintores, incluyendo a Leonardo da Vinci y Miguel Ángel.
El desarrollo de la perspectiva lineal
Durante la primera mitad del siglo XV, lograr un efecto de espacio realista en la pintura usando la perspectiva lineal era una de las principales preocupaciones de los pintores y los arquitectos Brunelleschi y Alberti, quienes escribieron sobre el tema. Se sabe que Brunelleschi hizo muchos estudios detallados de la plaza y el Baptisterio frente a la catedral de Florencia, y se cree que ayudó a Masaccio a crear su famoso efecto de trompe l'oeil alrededor de la Divina Trinidad que pintó en Santa Maria Novella.
Según Vasari, Paolo Uccello estaba tan obsesionado con la perspectiva que solo pensaba en eso y experimentó con muchas pinturas. Las más conocidas son las tres imágenes de la Batalla de San Romano, en las que usa las armas en el suelo, los campos y las montañas distantes para dar una impresión de profundidad.
En la década de 1450, Piero della Francesca demostró en pinturas como La flagelación su dominio de la técnica y la ciencia de la luz. Existe otra pintura, una vista de la ciudad, probablemente pintada por Piero della Francesca, que muestra el tipo de experimentos que Brunelleschi estaba haciendo. Desde esta época, la perspectiva lineal fue comprendida y usada regularmente, como lo hizo Perugino en su obra Entrega de las llaves a San Pedro en la Capilla Sixtina.
Comprendiendo la luz
Giotto usaba tonos para crear formas. Taddeo Gaddi, en su escena nocturna en la capilla Baroncelli, mostró cómo la luz podía usarse para crear drama. Paolo Uccello, cien años después, experimentó con el efecto dramático de la luz en algunos de sus frescos. El más conocido es un retrato ecuestre de John Hawkweed en la pared de la catedral de Florencia. Tanto en esa pintura como en las cuatro cabezas de los profetas que pintó en la catedral, usó tonos muy contrastados, sugiriendo que cada figura estaba iluminada por una fuente de luz natural, como si la luz viniera de una ventana real de la catedral.
Piero della Francesca llevó su estudio de la luz aún más lejos. En la Flagelación, demuestra tener conocimiento de cómo la luz se distribuye proporcionalmente desde su punto de origen. Hay dos fuentes de luz en esta pintura, una interna y otra externa. Aunque invisible, la posición de la fuente interna puede calcularse con precisión matemática. Leonardo da Vinci continuó el trabajo de Piero sobre la luz.
La Virgen María en el arte
La Virgen María, muy importante para la Iglesia católica, era especialmente venerada en Florencia. Había una imagen milagrosa de ella en una columna en el mercado de maíz, y la catedral de Santa María del Fiore y la iglesia de Santa María Novella fueron nombradas en su honor. La imagen milagrosa del mercado fue destruida por un incendio, pero fue reemplazada por una nueva en la década de 1330 por Bernardo Daddi.
Las representaciones de La Virgen con Niño eran muy comunes en Florencia. Desde pequeñas placas de terracota producidas en masa, hasta magníficos retablos como los de Cimabue, Giotto y Masaccio.
En el siglo XV y la primera mitad del XVI, un taller dominó la producción de imágenes de la Virgen: el taller de la familia della Robbia, que eran más escultores de arcilla que pintores. Luca della Robbia, famoso por su galería cantoria en la catedral, fue el primer escultor en usar terracota vidriada para esculturas grandes. Muchas de las obras de su familia aún se conservan. La principal cualidad de los della Robbia, especialmente Andrea della Robbia, era dar un gran realismo a los bebés representados como Jesús y expresiones dulces a la Virgen. Establecieron un estándar que fue imitado por muchos otros artistas en Florencia.
Entre los que pintaron a la Virgen durante el Renacimiento temprano se encuentran Fra Angelico, Fra Filippo Lippi, Verrocchio y Domenico Ghirlandaio. La costumbre fue continuada por Botticelli, quien produjo una serie de representaciones de la Virgen durante veinte años para los Medici, Perugino, cuyas Vírgenes y santos eran conocidos por sus expresiones de dulzura, y Leonardo da Vinci. Incluso Miguel Ángel, que era principalmente escultor, fue convencido de pintar Doni Tondo. Las representaciones de la Virgen María también se encuentran entre las obras principales de Rafael.
Renacimiento temprano y pintura en otras partes de Italia
Andrea Mantegna en Padua y Mantua
Uno de los pintores más influyentes del norte de Italia fue Andrea Mantegna de Padua, quien tuvo la suerte de estar presente cuando Donatello trabajaba allí. Donatello creó numerosas esculturas de bronce ecuestres, las primeras desde el Imperio romano, y una de ellas aún se puede ver a las afueras de la Basílica de San Antonio. También trabajó en el altar superior y creó una serie de paneles de bronce en los que logró una destacada ilusión de profundidad.
Con solo 17 años, Mantegna aceptó su primer encargo: frescos con escenas de las vidas de San Juan y San Cristóbal para la capilla de la Eremitas en Padua. Lamentablemente, el edificio fue casi completamente destruido durante la Segunda Guerra Mundial, y solo se conocen por fotografías, en las que se aprecia un gran sentido de la perspectiva. La última obra de Mantegna en Padua fue un monumental retablo de San Zeno, creado para el abad de la basílica de San Zeno, Verona, entre 1457 y 1459. Este retablo influyó mucho en el desarrollo del Renacimiento en el norte de Italia, incluyendo a artistas de la escuela de Verona como Francesco Morone, Liberale da Verona y Girolamo dai Libri.
La obra más famosa de Mantegna es la decoración interior de la Camera degli Sposi para la familia Gonzaga en Mantua, fechada alrededor de 1470. Las paredes contienen frescos con escenas de la vida de la familia: conversando, saludando a un hijo menor y a su tutor a su regreso de Roma, preparándose para la caza, entre muchas otras escenas que no se refieren directamente a temas históricos, literarios o religiosos. Destacan por ser simplemente sobre la vida familiar.
Cosmè Tura en Ferrara
Mientras Mantegna trabajaba para la familia Gonzaga en Mantua, un pintor muy diferente fue contratado para un proyecto más ambicioso para la familia Este de Ferrara. La pintura de Cosmè Tura se distingue por combinar un estilo gótico y clásico al mismo tiempo. Tura colocaba figuras clásicas como si fueran santos, rodeándolas de elementos luminosos, una perfección casi irreal y vestimentas que parecían hechas de cobre.
La familia de Borso d'Este había construido un gran salón para banquetes conocido como el palazzo Schifanoia. Borso, según los registros personales de Tura, lo contrató en 1470 para diseñar la decoración del salón, que sería realizada por Francesco del Cossa y Ercole de' Roberti.
Este proyecto era simbólicamente complejo y elaborado en su ejecución. El tema recurrente es el Ciclo del Año, representado por los signos del Zodiaco. Sobre ellos se encuentran doce deidades romanas con sus diferentes características. En la parte inferior se muestra la vida de la familia. Por ejemplo, para el mes de marzo se observa la figura de Minerva, diosa de la sabiduría. Aunque algunas partes de los frescos están muy dañadas, parece haber una coherencia en el diseño de la escena, mostrando el estilo particular de Cosmè Tura.
Antonello da Messina
En 1442, Alfonso V de Aragón comenzó a gobernar Nápoles, llevando consigo una colección de pinturas flamencas y estableciendo una academia humanista. El pintor Antonello da Messina parece haber tenido acceso a la colección del Rey, que pudo haber incluido obras de Jan van Eyck.
Parece que Antonello conoció las pinturas flamencas antes que el resto de los florentinos. Llevó esta técnica a Venecia, donde fue adoptada por Giovanni Bellini y se convirtió en la técnica preferida.
Antonello da Messina pintó principalmente retratos pequeños y detallados con colores brillantes. Pero fue en una de sus obras más reconocidas donde demostró su habilidad con la perspectiva lineal y la luz: San Jerónimo en su gabinete. Esta obra, enmarcada por un estilo gótico, muestra un interior doméstico y eclesiástico, con el santo sentado en el centro rodeado de sus pertenencias. Se observa cómo la luz entra por cada puerta y ventana, representando tanto la luz directa como los reflejos en la arquitectura. El trabajo de Antonello influyó tanto en Gentile Bellini, quien hizo la serie de pinturas Milagros de Venecia, como en su hermano Giovanni, uno de los pintores más reconocidos del Alto Renacimiento en el norte de Italia.
Alto Renacimiento
Apoyo a los artistas y el Humanismo
En Florencia, a finales del siglo XV, la mayoría de las obras de arte, incluso las que decoraban iglesias, eran encargadas por personas ricas. Gran parte de este apoyo venía de la familia Medici, o de personas relacionadas con ellos, como los Sassetti, los Ruccellai y los Tornabuoni.
En la década de 1460, Cosimo de' Medici había nombrado a Marsilio Ficino como su filósofo humanista, y facilitó la traducción de Platón y sus enseñanzas de filosofía platónica, que se centraban en la humanidad como el centro del universo natural, en la relación de las personas con Dios y en el amor fraternal.
En la época Medieval, todo lo relacionado con el periodo Clásico se asociaba con el paganismo. En el Renacimiento, se asociaba con la iluminación. Las figuras de la mitología clásica tuvieron un nuevo papel en el arte cristiano, en particular la diosa Venus. Se convirtió en la nueva Eva, representaba el amor puro e incluso llegó a ser un símbolo de la Virgen María. Vemos a Venus en estos papeles en dos famosas pinturas de Botticelli, realizadas en la década de 1480 para Pierfrancesco Medici: La Primavera y El nacimiento de Venus.
Mientras tanto, Domenico Ghirlandaio, un dibujante muy detallista y uno de los mejores retratistas de la época, realizó dos series de frescos para asociados de los Medici en dos de las iglesias más grandes de Florencia: la capilla Sassetti en Santa Trinita y la capilla Tornabuoni en Santa Maria Novella. En estas series se narra La vida de San Francisco, La vida de la Virgen María y La vida de Juan el Bautista. También había espacio para retratos de quienes encargaban las obras. Gracias al apoyo de Sassetti, hay un retrato de él y su empleador, Lorenzo el Magnífico. En la capilla Tornabuoni hay otro retrato de Poliziano, acompañado de otros miembros influyentes de la Academia Platónica, incluyendo a Marsilio Ficino.
La influencia flamenca
Desde alrededor de 1450, con la llegada a Italia del pintor flamenco Rogier van der Weyden, los artistas conocieron el óleo como técnica de pintura. La pintura al temple y los frescos no lograban representar las texturas naturales de manera realista. La gran flexibilidad del óleo, que podía ser opaco o transparente y permitía hacer cambios días después, abrió un nuevo mundo de posibilidades para los artistas italianos.
En 1475, un gran retablo llamado Adoración de los pastores llegó a Florencia. Fue pintado por Hugo van der Goes y encargado por la familia Portinari. Fue traído de Brujas e instalado en la capilla de Sant' Egidio en el hospital de Santa Maria Nuova. En primer plano hay una bodegón de flores en recipientes de diferentes materiales: uno de porcelana y otro de vidrio. El aspecto más influyente es el realismo de los tres pastores, con barba incipiente y expresiones de adoración, asombro o incomprensión. Domenico Ghirlandaio pintó su propia versión, con una hermosa Madonna italiana y retratándose a sí mismo como uno de los pastores.
Encargos del Papa
En 1477, el papa Sixto IV reemplazó la antigua capilla del Vaticano, donde se realizaban muchos servicios papales. El interior de la nueva capilla, llamada la Capilla Sixtina en su honor, parece haber sido planeada con 16 frescos y una serie de retratos de los papas pintados sobre ellos.
En 1480, un grupo de artistas de Florencia recibió el encargo: Botticelli, Pietro Perugino, Domenico Ghirlandaio y Cosimo Rosselli. Estos frescos narrarían la vida de Moisés en un lado de la capilla y la vida de Cristo en el otro. Las pinturas creadas por Perugino fueron destruidas años después por la pintura de Miguel Ángel: El Juicio Final.
.jpg)
Las otras 12 imágenes muestran la gran habilidad que habían alcanzado esos artistas, y la evidente colaboración entre individuos que generalmente usaban técnicas y estilos muy diferentes. Las pinturas requerían una gran variedad de habilidades, ya que incluían un gran número de figuras distintas: desde hombres, mujeres y niños hasta ángeles, faraones o el mismo diablo. En muchas de las pinturas, el paisaje ocupa la mitad superior de la escena. En algunas ocasiones, como La Purificación del Leproso de Botticelli, hay historias adicionales en el paisaje.
La escena de Perugino, Entrega de las llaves a San Pedro, destaca por su claridad y simplicidad en la composición, la belleza de las figuras (que incluye un autorretrato entre los espectadores), y especialmente por la perspectiva de la ciudad que incluye dos arcos triunfales y un edificio octogonal en el centro que podría ser un baptisterio cristiano o un mausoleo romano.
Leonardo da Vinci: El hombre del Renacimiento
Leonardo, por la variedad de sus intereses y el extraordinario talento que mostró en muchas áreas, es considerado el ejemplo perfecto del "Hombre Renacentista". Pero fue en la pintura donde fue más reconocido y admirado en su época, y sus dibujos se basaban en el conocimiento que adquiría en otras áreas. Leonardo era un observador científico, aprendió observando el mundo que lo rodeaba. Estudiaba y dibujaba las flores de los campos, los remolinos en los ríos, las formas de las rocas, las montañas, la forma en que la luz se reflejaba en el follaje, etc. En especial, estudió la forma humana, haciendo estudios de más de 30 cuerpos para entender los músculos y tendones.
Más que ningún otro artista, avanzó en el estudio de la "atmósfera". En sus pinturas, como la Mona Lisa y La Virgen de las Rocas, usó la luz y la sombra con tanta sutileza que esta técnica se conoció como el esfumado o sfumato de Leonardo.
Al mismo tiempo que invitaba al observador a un misterioso mundo de sombras en movimiento y montañas caóticas, Leonardo alcanzó un nivel de realismo en la expresión de las emociones humanas, un estilo que Giotto había iniciado pero que no se había visto desde la obra Adán y Eva de Masaccio. La Última Cena de Leonardo, pintada en el comedor de un monasterio en Milán, se convirtió en el punto de referencia para la pintura narrativa religiosa durante los siguientes quinientos años. Muchos otros artistas del Renacimiento pintaron sus versiones de La Última Cena, pero solo la de Leonardo fue reproducida innumerables veces en madera, alabastro, yeso, litografía, tapicería, entre otros.
Además del impacto directo de sus obras, los estudios de Leonardo sobre la luz, la anatomía, los paisajes y la expresión humana se difundieron entre sus estudiantes.
Miguel Ángel: El genio de la Capilla Sixtina
En 1508, el papa Julio II logró convencer al escultor Miguel Ángel de continuar la decoración de la Capilla Sixtina. El techo de la capilla estaba construido de tal manera que había doce pechinas en las que se pintarían los doce apóstoles. Sin embargo, Miguel Ángel tenía en mente un plan mucho más complejo, tanto en diseño como en significado. La magnitud del trabajo que realizó fue tan grande y compleja que le tomó casi 5 años terminarla.
El plan original del papa para los apóstoles habría unido las historias del Antiguo y Nuevo Testamento con los retratos de los papas. Sin embargo, la visión de Miguel Ángel fue en la dirección opuesta. El tema del techo de Miguel Ángel no es el plan de Dios para la salvación humana, sino más bien la condición humana, el porqué la humanidad necesita la fe en Jesús.
A primera vista, el techo es una obra humanista. Las figuras tienen dimensiones sobrehumanas; en el caso de Adán, parece como si el mismo Dios hubiera diseñado la figura en lugar de Miguel Ángel. Pero a pesar de la belleza de las figuras, Miguel Ángel no glorificó la condición humana ni presentó el ideal humanista del amor platónico. De hecho, los antepasados de Cristo, pintados en la sección superior de la pared, muestran las imperfecciones y dificultades de las relaciones familiares.
Vasari elogió la habilidad de Miguel Ángel para crear posturas para sus figuras. Rafael pintó al menos dos figuras imitando a los profetas de Miguel Ángel, una en la iglesia de Sant' Agostino y otra en el Vaticano, un retrato del propio Miguel Ángel en La escuela de Atenas.
Rafael: La culminación del Renacimiento
Al igual que Leonardo da Vinci y Miguel Ángel, Rafael también es un símbolo del Alto Renacimiento (a pesar de ser 18 años menor que Miguel Ángel y casi 30 años menor que Leonardo). No se puede decir que su trabajo desarrolló la pintura de la misma manera que lo hicieron sus dos contemporáneos, sino que su obra fue la culminación del desarrollo en el Alto Renacimiento. Rafael tuvo la suerte de ser hijo de un pintor, por lo que su carrera se decidió sin problemas. Algunos años después de la muerte de su padre, trabajó en el taller de Perugino en Umbría. Su primera obra firmada y registrada la realizó a los 21 años, Los desposorios de la Virgen, que muestra una influencia de la obra de Perugino Entrega de las llaves a San Pedro.
Rafael pintaba con las técnicas de pintores famosos; en sus obras se pueden ver las cualidades individuales de muchos artistas. Las formas redondeadas y los colores luminosos de Perugino, el realismo en los retratos de Ghirlandaio, la iluminación de Leonardo y los dibujos de Miguel Ángel se unían en las obras de Rafael. En su corta vida, realizó grandes retablos, un fresco de la ninfa del océano, Galatea, notables retratos de dos papas y un escritor, y una serie de frescos de pared en el Vaticano, de las cuales destaca La Escuela de Atenas.
Este fresco muestra una reunión de los más sabios atenienses, reunidos en un ambiente clásico alrededor de la figura central de Platón. La figura de Heráclito es en realidad un retrato de Miguel Ángel y es una referencia a la pintura del profeta Jeremías en la Capilla Sixtina. Su propio retrato está a la derecha, junto a su maestro Perugino.
Pero la mayor fuente de la popularidad de Rafael no estaba en sus grandes obras, sino en las pequeñas imágenes florentinas de la Virgen con el Niño. Pintó en numerosas ocasiones a la misma mujer de piel clara y rostro tranquilo junto a un bebé, siendo la más famosa La Belle Jardinière o La Bella Jardinera, que se encuentra actualmente en el museo del Louvre. Su obra la Madonna Sixtina ha sido reproducida muchas veces en el siglo XXI.
Pintura del Alto Renacimiento en Venecia
Giovanni Bellini
Giovanni Bellini fue contemporáneo de Gentile, Mantegna y Antonello da Messina. Trabajó la mayor parte de su vida en el estudio de su hermano y fue muy influenciado por el estilo de Mantegna. No parece haber desarrollado un estilo único hasta casi los 60 años. Durante los últimos 30 años de su vida fue muy productivo e influyente, con la guía de Giorgione y Tiziano. Bellini, al igual que Rafael, produjo numerosas Madonnas pequeñas, con tonalidades más intensas que las de Rafael. Esas Madonnas fueron reproducidas por otros miembros del estudio Bellini; por ejemplo, Circuncisión de Jesús existe en 4 o 5 versiones casi idénticas.
Tradicionalmente, en la pintura de retablos de la Virgen con el Niño, la figura de la Virgen está acompañada de santos, que se sitúan en espacios definidos por límites arquitectónicos. Piero della Francesca usó el tema clásico como ambiente para sus Madonnas, así como Masaccio lo usó para su Santísima Trinidad en Santa Maria Novella. Piero agrupó a los santos alrededor del trono en su propio espacio arquitectónico. Bellini usó esta misma forma, conocida como sacra conversazione, en muchos de sus retablos, como el de la iglesia veneciana de San Zacarías. Es una composición maestra que extiende la arquitectura real del edificio a la arquitectura ilusoria de la pintura y le da a la figura de la Virgen y el Niño un aspecto más brillante que el de los santos que se encuentran al fondo de la imagen.
Giorgione y Tiziano
El estilo de Giorgione se relaciona con el de su maestro Giovanni Bellini; sin embargo, su temática lo convierte en uno de los artistas más originales y complejos del Renacimiento. Una de sus obras, conocida como La Tempestad, muestra a una mujer semivestida amamantando a un bebé, a un hombre vestido, algunas columnas clásicas y una luz brillante, lo que posiblemente representa a Adán y Eva después de salir del Edén. Otra pintura que se le atribuye es Los tres filósofos, que podría representar a un mago o sacerdote planeando su viaje en busca del Niño Jesús, pero no se sabe con certeza.
Se cree que Giorgione pintó la primera figura femenina que se convirtió en un tema para retratar y admirar por su belleza. Tiziano, Velázquez, Veronese, Rembrandt, Rubens e incluso Monet son los herederos artísticos de las figuras de Giorgione.
Tras la muerte temprana de Giorgione, Tiziano se encargó de completar la pintura y continuó ilustrando más figuras femeninas, disfrazándolas de diosas y rodeándolas de paisajes naturales y cielos estrellados. Estas pinturas eran la decoración perfecta para las paredes de clientes adinerados. Botticelli destacaba en los retratos, y su larga vida le permitió lograr un mayor avance en la forma de producción y en el desarrollo del estilo. Tiziano le dio al mundo imágenes de Pietro Aretino, del papa Pablo III y otros personajes de la época. Quizás su retrato más impactante es el del dux Andrea Gritti, gobernante de Venecia, quien ocupa un gran lugar en la pintura, abrochándose su túnica con un gesto expresionista. Tiziano también es reconocido por sus pinturas religiosas; su último trabajo fue un turbulento y abstracto Pietà.
La influencia de la pintura renacentista italiana
Las vidas de Miguel Ángel y Tiziano se extendieron hasta la segunda mitad del siglo XVI. Sus estilos, y los de Leonardo, Mantegna, Giovanni Bellini, Antonello da Messina y Rafael, fueron adaptados más tarde por otros pintores para formar un estilo conocido como Manierismo y luego evolucionaron hacia el virtuoso periodo Barroco. El artista que más extendió las tendencias de las pinturas figurativas de Tiziano es Tintoretto. Rembrandt conocía las obras de Tiziano y Rafael y lo demostró en sus retratos. Las influencias directas de Leonardo y Rafael entre sus alumnos afectaron a generaciones de artistas, incluyendo a Poussin y a escuelas de pintores clásicos en los siglos XVIII y XIX. El trabajo de Antonello da Messina influyó directamente en Albrecht Dürer y Martin Schongauer y más tarde en las escuelas alemanas, holandesas e inglesas de artistas de vitrales que se extendieron hasta el siglo XX.
El techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel, y más tarde el Juicio Final, tuvieron una influencia directa en las composiciones de figuras de Rafael, sus alumnos y más tarde en casi todos los pintores del siglo XVI que buscaban una forma nueva e interesante de representar la figura humana. Es posible rastrear este estilo de composición de figuras en artistas como Andrea del Sarto, Pontormo, Bronzino, Parmigianino, Veronese, el Greco, Carracci, Caravaggio, Rubens, Poussin, Tiepolo, así como en pintores clásicos y románticos del siglo XIX como Jacques-Louis David y Delacroix.
Bajo la influencia del Renacimiento italiano, muchas academias de arte modernas, como la Real Academia, fueron fundadas específicamente para reunir colecciones de arte renacentista italiano. Así surgieron algunas de las mejores colecciones de arte, como la Galería Nacional en Londres.
Galería de imágenes
-
Rafael. Los desposorios de la Virgen
-
Giovanni Bellini, La Virgen y el Niño con santos
-
Tiziano: Retrato del dogo Andrea Gritti, siglo XVI
-
Diego Velázquez, Felipe IV de España, siglo XVII
-
Joshua Reynolds, Barón Heathfield, Lord Warden de Gibraltar, siglo XVIII
-
William Orpen, Chef del'Hôtel Chatham siglo XX
.jpg)
_-_WGA24437.jpg)
Véase también
En inglés: Renaissance Facts for Kids
- Pintura del Duecento
- Pintura del Trecento
- Pintura del Quattrocento
- Pintura del Cinquecento
- Renacimiento veneciano
- Arquitectura del Renacimiento
- Pintura manierista
- Manierismo
- Arte del Renacimiento
- Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos
