Historia de la escultura para niños

La escultura es arte que crea formas en tres dimensiones, como estatuas y relieves. Desde la prehistoria hasta hoy, ha tenido diferentes usos, como rituales religiosos y decoración. Algunas religiones, como el cristianismo y el islam, a veces no permiten representaciones de seres vivos en la escultura. En el cristianismo, Moisés rechazó una estatua, lo que influyó en esta regla. En la Edad Media y el Renacimiento, los escultores tenían talleres con muchos ayudantes. Antes, los patrocinadores financieros apoyaban a los artistas, pero hoy, las galerías de arte muestran y venden las obras. La escultura solía centrarse en figuras humanas, pero con el tiempo, se volvió más abstracta, especialmente después de la Segunda Guerra Mundial.

Historiografía

Los primeros libros sobre cómo hacer esculturas fueron escritos por artistas griegos hace mucho tiempo. Uno famoso se llama el Canon de Policleto. En él, el artista explica cómo hacer esculturas, como el famoso "contrapposto". Otro artista importante, Alberto Durero, escribió sobre cómo dibujar cuerpos humanos. En la antigua Roma, la gente como Plinio el viejo hablaba sobre escultura en sus libros. Durante la Edad Media, los artistas comenzaron a firmar sus obras. En el Renacimiento, artistas como Leonardo da Vinci y Miguel Ángel escribieron sobre cómo hacer arte. En el siglo XIX, la gente comenzó a excavar antiguas ciudades como Troya y Micenas. En el siglo XX, los estudiosos comenzaron a mirar las esculturas antiguas de manera diferente, tratando de entender qué significaban en lugar de solo cómo se veían.

Escultura prehistórica

Vista frontal y lateral de la dama de Brassempouy en marfil.

El arte prehistórico comenzó hace mucho tiempo, en el Paleolítico, cuando las personas hacían herramientas de piedra para cortar y defenderse. Una de las primeras imágenes de una herramienta así fue mostrada por John Frere en 1800. Las estatuillas de esa época eran de marfil o piedra blanda, y algunas parecían personas o animales. Después, la gente empezó a tallar y grabar en piedra y hueso. Hicieron figuras de mujeres con formas generosas, llamadas "Venus", como la Venus de Willendorf. Durante el Paleolítico superior, tallaban y grababan animales en hueso. También comenzaron a usar arcilla, y descubrieron cómo endurecerla al fuego. Alrededor del año 4000 a.C., la gente en Egipto, China e India ya hacía objetos de arcilla en hornos. Descubrieron cómo fundir metales como el bronce y el hierro, lo que les permitió hacer herramientas mejores y esculturas más detalladas. Los celtas, en la Edad del Hierro, hicieron arte con formas de animales, plantas y personas en espadas, escudos y monedas.

Edad Antigua

Estatua de veneración a un perro, proveniente de la torre sudeste de la Apadana, de Persépolis. La obra se caracteriza por tener un acabado y detalle excelso, remarcando cada aspecto del ser en un cuerpo escultórico.

La obra conocida como Victoria alada de Samotracia, se cree que fue mandada esculpir por Demetrio Poliorcetes para conmemorar su triunfo naval en Salamina sobre la flota de Ptolomeo Sóter en el año 306 a. C., las ropas agitadas por el viento configuran el dramatismo, esta vez gozoso, tan característico de la escuela escultórica rodia, una de las más barrocas del helenismo; y fiel característica de un avance hacia el clasicismo de la escultórica griega.

La escultura antigua de los sumerias en Mesopotamia muestra personas y animales, pero no los representan desnudos. Usaban la ropa para mostrar el rango y la importancia de alguien. Las esculturas de la época de Gudea tienen muchas cosas en común y muestran el nivel social con sombreros. Hicieron muchas estatuas de arcilla porque no tenían muchas canteras. Los sumerios también usaron ladrillos grabados y esmaltados para decorar edificios como palacios y tumbas.

En Egipto, hicieron estatuas de dioses, faraones y personas importantes con piedra. Las estatuas de los faraones siempre estaban de pie o sentadas con las manos en las cinturas. También hicieron pequeñas figuras de escribas y escenas domésticas. Los íberos en España hicieron esculturas de piedra y bronce que muestran su cultura. Una famosa es la Dama de Elche. En Grecia, hicieron estatuas de dioses y atletas, algunas con sonrisas falsas. La escultura se expandió por el Mediterráneo, influyendo en otras culturas como Persia y China.

Antigüedad clásica

La escultura griega del período clásico (siglo V a. C.) alcanzó una gran perfección, buscando expresar la belleza humana con proporciones "perfectas". Ejemplos notables en bronce incluyen el Auriga de Delfos y los Bronces de Riace. Escultores como Policleto, Fidias, y Mirón fueron fundamentales. Praxíteles destacó con su Hermes con el niño Dioniso. En el período helenístico, se intensificaron el movimiento y las emociones, como en Laocoonte y sus hijos. Los escultores buscaban realismo y perfección moral, influenciados por las ideas de Pitágoras y Platón. La escultura griega, difundida por Alejandro Magno, influyó en muchas culturas posteriores.

Escultura de la Antigüedad clásica

Auriga de Delfos, hecha para conmemorar la victoria del tirano Polyzalos de Gela en la carrera de cuádrigas de los Juegos Píticos.

Los Bronces de Riace, conocidos también como Los Guerreros de Riace, son una pareja de estatuas griegas del siglo V a. C.

El dios del cabo Artemisio es una estatua griega de bronce, perteneciente al llamado estilo severo.

Hermes con el niño Dioniso es una escultura griega de mármol con una altura de 213 centímetros que se atribuye al escultor Praxíteles.

La obra de Laocoonte y sus hijos es de un tamaño algo mayor al natural, de 2,45 m de altura y está ejecutado en mármol blanco.

La escultura durante el clasicismo griego ha sido considerado como el punto de mayor esplendor de la propia escultura griega. Durante esta etapa se lograron eclipsar los distintos estilos que anteriormente habían forjado el arte de representar la belleza y la magnificencia del cuerpo humano; con moldes y cánones que representaran un arte perfecto. Estos valores, junto a la ya tradicional asociación de la virtud y la belleza, encontraron en la escultura del período clásico, un importante y descomunal retrato del ser humano, un vínculo allegado de manera especial con la expresión, y del mismo modo; un eficiente instrumento de educación cívica y ética, como también estética.

La escultura fue muy importante para el pueblo etrusco y se inspiró mucho en el arte griego. Los etruscos eran expertos en metalurgia y creaban pequeñas figuras de animales y objetos decorativos como arneses para caballos, cascos y joyas. Además, hacían recipientes de cerámica como jarras y platos. Sus esculturas eran muy vivas y detalladas, mostrando influencias del arte griego oriental. Con el tiempo, sus tumbas se volvieron más grandes y decoradas, incluyendo objetos de lujo. Aunque en el período helenístico la calidad de su arte disminuyó, el bronce siguió siendo un material popular.

La escultura romana comenzó copiando el arte griego y etrusco, pero pronto desarrolló su propio estilo, especialmente en retratos detallados y esculturas decorativas de grandes monumentos. A pesar de la llegada del cristianismo, las estatuas paganas continuaron siendo valoradas hasta el siglo VI. La escultura romana creó retratos famosos de personas como Marco Aurelio y Constantino el Grande, destacándose en la representación detallada de rostros y bustos.

Retratos romanos

Busto de Marco Aurelio.

Busto de matrona de la dinastía Flavia, caracterizado por el uso de una técnica de perforación en el peinado.

Busto de Augusto portando la corona cívica.

Los retratos de la escultura romana sirvieron a los emperadores como un modo de inmortalizar y refrendar su poder. A menudo, los bustos sobre los que tallaban sus rostros eran apoyados por leyendas; lo que vino a convertirse en una tradición. De hecho, estas máscaras estaban orgullosamente guardadas en el santuario familiar, el lararium, junto con bustos en bronce, terracota o mármol.

Edad Media

Pórtico de la Gloria de la catedral de Santiago de Compostela, del Maestro Mateo, que inicia la transición del hieratismo románico a la sensibilidad del gótico ya en la segunda mitad del siglo XII (1168 - 1188).

La escultura del Imperio Bizantino se destacó por sus decoraciones en capiteles con motivos de plantas y animales. Ejemplos famosos se encuentran en San Vidal de Rávena y en sarcófagos con escenas del Buen Pastor. Se conservan pocos trabajos en mármol, pero hay relieves en marfil, como la Cátedra del obispo Maximiliano de 550. Durante el arte otoniano, se hicieron pequeñas esculturas de marfil y bronce con piedras preciosas, como las puertas de la iglesia de San Miguel de Hildesheim. También se realizaron figuras de madera cubiertas de oro, como el Crucifijo de Gero en la catedral de Colonia.

En el arte románico (siglos XI-XIII), la escultura se integró en la arquitectura de iglesias, decorando capiteles, pórticos y ventanales con escenas bíblicas. La madera se usó para crear imágenes religiosas, como la Majestad de Batlló. La escultura gótica (siglos XIII-XV) presentó formas más naturales y dinámicas, con santos y apóstoles en las portadas de iglesias. Ejemplos incluyen las gárgolas de la Catedral de Lincoln y la Basílica de Saint-Denis, decorada por el abad Suger.

Edad Moderna

Algunos piensan que la Edad Moderna empezó con la caída de Constantinopla en 1453, otros con el descubrimiento de América en 1492. La mayoría está de acuerdo en que terminó con la Revolución Francesa en 1789. La escultura renacentista comenzó en 1401 con un concurso para las puertas del Baptisterio de San Juan en Florencia, donde participaron Filippo Brunelleschi y Lorenzo Ghiberti. El Renacimiento se inspiró en la belleza de la antigüedad clásica y usó las matemáticas para lograr la perspectiva.

Grandes patrocinadores como los Médicis en Florencia y los papas en Roma ayudaron a que los artistas crearan esculturas impresionantes. Nicola Pisano esculpió un púlpito en el Baptisterio de Pisa, considerado el inicio del Renacimiento. Donatello hizo la famosa estatua de Gattamelata y Verrocchio creó el impresionante monumento ecuestre a Bartolommeo Colleoni.

El gran Michelangelo esculpió el David y los frescos de la Capilla Sixtina. Otros artistas como Giambologna, Francesco da Sangallo, y Benvenuto Cellini también destacaron.

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  Giovanni Pisano: Retrato de Enrico Scrovegni, Capilla Scrovegni, (Copia del Museo Pushkin)

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  Agostino di Duccio: Madonna, siglo XV. Museo dell'Opera di Santa Maria del Fiore

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  Ghiberti: La historia de José, panel de la Puerta del Paraíso, Baptisterio de San Juan.

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  Donatello: Habacuc. Museo dell'Opera del Duomo.

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  Verrocchio: San Tomás y Cristo, 1466-83, Orsanmichele, Florencia.

La escultura manierista tuvo precursores en Michelangelo, Jacopo Sansovino y Benvenuto Cellini, destacando la figura serpentinata, una forma espiral ejemplificada en el Rapto de las Sabinas de Giambologna. Este concepto, usado por los antiguos griegos y retomado por Leonardo da Vinci y Michelangelo, aportaba gracia y belleza a la figura humana en torsión. Lomazzo lo usó para describir la obra de Michelangelo. La figura serpentinata simbolizaba la eternidad y la mortalidad. Durante el Manierismo, la escultura se aplicó en retablos, altares, frisos y joyería. Destacan artistas como Michelangelo, Giambologna, Alonso Berruguete y Adriaen de Vries.

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  Michelangelo: Piedad de Florencia, 1550. Museo dell'Opera del Duomo.

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  Juan de Juni: El santo entierro, Museo Nacional de Escultura de Valladolid.

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  Juan de Beaugrant: Retablo de la Iglesia de Santa María Mayor.

La contrarreforma destacó la importancia de las imágenes sagradas, que ayudaban a la gente a conectarse con lo espiritual. San Juan de la Cruz, San Carlos Borromeo y Roberto Bellarmino defendieron su uso, aunque los protestantes las rechazaban, causando la destrucción de muchas obras de arte. Gabriele Paleotti argumentó que estas imágenes eran como una "biblia visual" y ayudaban a enseñar y emocionar a los fieles. Las esculturas, llamadas "sacro monte", representaban escenas religiosas y buscaban parecer lo más real posible. Algunas esculturas tenían partes móviles y detalles realistas, como ojos de vidrio y ropa auténtica, para hacerlas más impactantes. Se usaban en procesiones y otros eventos para involucrar a la gente en la historia sagrada.

Escultura moderna y contemporánea

En el siglo XX, los escultores participan activamente en la renovación estética iniciada por las grandes corrientes artísticas de principios de siglo, como Expresionismo (Ernst Barlach, Wilhelm Lehmbruck, Käthe Kollwitz), Futurismo, Cubismo (Pablo Picasso, Jacques Lipchitz, Henri Laurens, Ossip Zadkine, Pablo Gargallo ], Duchamp-Villon), Constructivismo (Alexander Archipenko, Anton Pevsner, Naum Gabo), Dada (Man Ray, Kurt Schwitters), Simbolismo (Giannino Castiglioni), Surrealismo (Max Ernst , Alberto Giacometti), Minimalismo (Donald Judd, Sol Lewitt, Dan Flavin), Neo-geo (Peter Halley, Jeff Koons, DoDoU, Imi Knoebel).

La escultura abstracta está representada por Brancusi, Hans Arp, Henry Moore o Calder y renueva o inicia cuestiones como la eliminación de la base, el equilibrio Volúmenes, la relación entre lleno y vacío, movimiento (escultura cinética), etc.

Escultura africana

La escultura africana ha sido esencialmente de carácter religioso, del tipo animismo y por tanto su veneración ha sido la creencia en espíritus de la naturaleza y veneración a sus muertos, la muerte no supone su fin sino que vive en el reino de los espíritus. Esta creencia en la presencia de los espíritus hace que se realicen rituales, donde las obras de arte hacen de médium. Estas obras en general son máscaras, esculturas exentas antropomórficas u otros objetos de culto. Los objetos de madera se realizaban a partir de un tronco o rama de árbol con la técnica de la talla directa, es decir, de una pieza cilíndrica que con herramientas primitivas iban rebajando y cortante. También han utilizado la arcilla en Nigeria la cultura nok, cerca de 500 a. C., la piedra o el marfil. Por casi todo el continente se hacen máscaras, los «baga» que ocupan la parte de Guinea usan una máscara con cabeza de cocodrilo y largos cuernos rayadas. Hay máscaras recubiertas de una costra formada por sangre seca, tierra y zumo de semillas trituradas, máscaras con una gran nariz que se alarga hasta formar un pico; hay con adornos de petxinetes y cristales. En Ife y Benín, los yoruba trabajaron la terracota y el bronce para sus reyes desde el siglo XIII, en placas con relieves o en fines de tamaño natural. En Costa de Marfil los baulé además de esculturas exentas y máscaras, cortaban los dinteles de las puertas de sus casas con motivos geométricos.

Asia

La escultura en India comenzó alrededor del 2500 a.C. en la región del valle del río Indo. Descubrimientos arqueológicos revelaron esculturas de terracota en Harappa y Mohenjo-Daro, mostrando figuras humanas y símbolos de fertilidad. La cultura del Indo desapareció alrededor del 1500 a.C., pero resurgió con el imperio Maurya, conocido por sus grandes columnas con esculturas animales en Sarnath. Durante el imperio Kushan, el arte budista e hindú se fusionó en la región de Gandhara, creando el estilo "grecobúdico". Los Pal·lava dejaron relieves impresionantes en Mahabalipuram. En China, durante la dinastía Tang, se crearon terracotas y esculturas budistas en Yungang. La escultura china evolucionó hasta el siglo XX, reflejando cambios ideológicos y políticos.

Escultura de Oceanía

El arte aborigen australiano usa madera, corteza y sílex. Decoran escudos con líneas. Las "churingas" son piedras con grabados totémicos. En Melanesia, hay una variedad de estilos y objetos sagrados. En Nueva Guinea, las casas masculinas tienen pilares totémicos y tallas de antepasados. En Nueva Irlanda, usan madera y conchas en rituales. Las islas Salomón hacen máscaras y figuras. En las Marquesas, tallan canoas. En las islas Cook, las imágenes tienen rostros grandes. Los maoríes de Nueva Zelanda hacen casas talladas y pendientes. En la isla de Pascua, están las moai, figuras antropomorfas de piedra.

Galería de imágenes

Véase también

• Escultura
• Estatua
• Escultura ecuestre
• Vidrio soplado
• Petroglifo
• Historia del arte
• Historia del desnudo artístico