Manierismo para niños

Enciclopedia para niños

El Manierismo es un estilo artístico que surgió en Europa a mediados del siglo XVI. Se considera la última parte del Renacimiento y sirvió de puente hacia el Barroco.

Al principio, se pensó que el Manierismo era solo una forma de imitar el estilo de los grandes maestros del Alto Renacimiento, como Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio y Miguel Ángel. Sin embargo, con el tiempo se entendió que era una reacción contra la idea de belleza perfecta del Renacimiento.

Los artistas manieristas buscaban complicar las formas y los conceptos. Usaban líneas curvas y figuras alargadas, a veces con movimientos exagerados. También alteraban el orden de los elementos en la arquitectura. Este estilo era más intelectual y estaba dirigido a un público selecto.

Durante mucho tiempo, el Manierismo fue visto como un estilo extraño o menos importante. Pero en el siglo XX, se le dio un nuevo valor y se reconoció su originalidad.

El Manierismo se caracteriza por:

Figuras con proporciones y posturas exageradas.
Composiciones que parecen artificiales y dramáticas.
Colores brillantes y contrastantes.
Líneas sinuosas y perspectivas que pueden parecer distorsionadas.

Los temas de las obras manieristas eran variados y complejos. Se representaban escenas religiosas y mitológicas, pero también ideas abstractas y filosóficas. Las obras estaban llenas de símbolos y referencias que mostraban el conocimiento de los artistas y de quienes encargaban las obras.

Este estilo es muy personal e inestable. Los artistas se dejaban llevar por sus gustos, alejándose de la realidad y buscando lo irreal. En la escultura, por ejemplo, se usaba mucho la "línea serpentinata", donde las figuras se retuercen en espiral. El Manierismo marcó un cambio, dejando atrás la proporción, la perspectiva clara y las expresiones suaves del Renacimiento. La palabra "maniera" significaba tener una habilidad especial para crear arte sin mucho esfuerzo, mostrando sofisticación.

Etimología

El término "manierista" viene de la palabra italiana maniera. Escritores del siglo XVI, como Giorgio Vasari, usaban esta palabra para referirse al "estilo" o la "personalidad artística" de un creador.

Vasari hablaba de diferentes "maneras" o estilos, como la "manera griega" (arte bizantino) o la "manera moderna". Finalmente, llamó "manieristas" a los artistas de su tiempo que pintaban "a la manera de" Leonardo, Rafael o Miguel Ángel, pero siempre con su propio toque personal.

Más tarde, en el siglo XVII, algunos críticos empezaron a usar el término de forma negativa. Para ellos, "maniera" significaba una imitación fría y rebuscada de los grandes maestros, como si fuera solo una serie de fórmulas.

Contexto histórico

El Manierismo nació en Italia y luego se extendió por el resto de Europa. Varios eventos importantes ayudaron a su difusión:

Una plaga en Roma en 1522.
El papa Adriano VI no apoyó mucho a los artistas.
El Saco de Roma en 1527. Este fue un ataque a la ciudad por un ejército, que causó mucho caos y obligó a muchos artistas a huir.

Después del Saco de Roma, artistas como Perino del Vaga se fueron a Génova, Giulio Romano a Mantua, y Polidoro da Caravaggio a Nápoles. Otros, como Rosso Fiorentino y Francesco Primaticcio, viajaron a Francia y trabajaron en la Escuela de Fontainebleau. Giuseppe Arcimboldo trabajó en las cortes de Viena y Praga.

La difusión de grabados, hechos por artistas como Parmigianino o basados en sus obras, también ayudó a que el Manierismo llegara a más lugares. Así, el estilo influyó en artistas de Francia, como Jean Goujon, y de los Países Bajos, como Martin van Heemskerck.

Artes plásticas

En el arte italiano, se considera que el Manierismo comenzó con el Saco de Roma en 1527. Este evento hizo que muchos artistas se dispersaran por otras ciudades, como Venecia o Parma. Algunos grandes maestros ya habían fallecido, y Miguel Ángel, uno de los supervivientes, evolucionó mucho en su arte.

Benvenuto Cellini, un importante artista de este nuevo estilo, incluso luchó en el asedio de Roma. Otros artistas se establecieron en Venecia, donde compartieron las novedades del arte de Italia central.

El Manierismo se extendió por toda Europa occidental, mezclándose con los estilos locales del Renacimiento español y el Renacimiento nórdico.

Como reacción al Manierismo, surgieron otros movimientos en Italia, como la contramaniera y el caravaggismo.

Virgen del cuello largo (1534-1540), de Parmigianino.

Salero de Francisco I de Francia, de Benvenuto Cellini (1539-1543).

José interpreta el sueño del faraón

José en Egipto

Cristo muerto con ángeles, de Rosso Fiorentino, ca. 1524-1527.

Il Trasporto, de Pontormo, ca. 1526-1528.

Pietà Rondanini, de Miguel Ángel, 1564.

El Manierismo buscaba resolver problemas artísticos complejos, tanto en el significado (con alegorías y simbolismos) como en la forma. El cuerpo humano se representaba en posturas difíciles y artificiales, con una gracia y elegancia extrañas. A menudo, las extremidades eran alargadas, las cabezas pequeñas y los rostros estilizados.

Los colores no imitaban la naturaleza, sino que eran extraños, fríos y artificiales, chocando entre sí. Incluso Miguel Ángel y Rafael experimentaron con la transgresión en sus últimas obras, desdibujando figuras o dejándolas inacabadas.

La escultura manierista buscaba que la obra se pudiera ver bien desde muchos ángulos, a diferencia de las esculturas anteriores que tenían una vista principal. Benvenuto Cellini decía que una escultura se empezaba con una vista, pero luego se desarrollaba con "cien vistas o más".

Descendimiento de la Cruz (Rosso Fiorentino 1521, Pinacoteca Comunal, Volterra)

Estucos de la Galería Francisco I del Palacio de Fontainebleau (Rosso Fiorentino y Le Primatice, 1535-1537).

Perseo con la cabeza de Medusa (Benvenuto Cellini 1554, Loggia dei Lanzi, Florencia)

Detalle de El Juicio Final (Miguel Ángel 1536-1541, Capilla Sixtina)

San Marcos liberando al esclavo (Tintoretto, 1548).

Entre los artistas de esta época, muchos eran "humanistas", es decir, destacaban en varias artes, como Benvenuto Cellini y Giorgio Vasari. Otros pintores importantes fueron Andrea del Sarto, Correggio, Rosso Fiorentino, Pontormo, Bronzino, Parmigianino, Tintoretto, Arcimboldo y Veronés. Escultores como Juan de Bolonia y arquitectos como Andrea Palladio también fueron clave.

Fuera de Italia, destacaron artistas como Karel van Mander en los Países Bajos, Hans Holbein el Joven en Inglaterra, y Pieter Brueghel el Viejo en Flandes. En Francia, la escuela de Fontainebleau fue muy importante. En España, el Manierismo se vio en obras como las del Monasterio de El Escorial y en artistas como El Greco.

Serliana de la Galleria degli Uffizi, Florencia, de Vignola (1560-1574).

Escalera del Palazzo Farnese, Caprarola, de Vignola.

Fachada de la Iglesia de San Francesco della Vigna, Venecia, de Palladio (1564).

El disegno (dibujo) se volvió muy importante, no solo como preparación para otras obras, sino como una forma de arte por sí misma. Los dibujos de artistas como Pontormo y Parmigianino eran valorados como obras terminadas. El grabado también creció mucho, con talleres que producían copias a gran escala.

El Manierismo se puede dividir en tres periodos:

Manierismo inicial (1515-1530 o 1550): Un contraste claro con el clasicismo del Alto Renacimiento.
Alto Manierismo (décadas centrales del siglo XVI): El estilo se consolida en Europa, acentuando el intelectualismo y la habilidad del artista.
Manierismo final (desde 1580 o 1590): Se recuperan elementos del clasicismo y el estilo se mezcla gradualmente con el Barroco.

El saco de Roma, plato de mayólica de Urbino, Guido Durantino (ca. 1540).

El Concilio de Trento, por Pasquali Cati (1588).

Manierismo en literatura

En la literatura, el Manierismo se ve como un cambio en las formas y la actitud de los poetas. Autores como Torquato Tasso, Luís de Camões, Shakespeare y Cervantes son considerados manieristas.

La literatura manierista muestra un paso de la atmósfera idealista del Renacimiento a una más melancólica, compleja y llena de emoción, que ya anticipa los contrastes del Barroco. Los héroes tienen una nueva dimensión trágica.

En cuanto a la forma, las obras manieristas rompen con la continuidad, el orden y la linealidad clásicos. Los personajes tienen una psicología compleja y a veces impredecible. Se mezclan recursos formales con otros más cotidianos. También se usan metáforas complejas, elementos mágicos y fantásticos, y se muestran las debilidades de los héroes, lo que los hace más reales.

Orlando furioso, de Ludovico Ariosto, 1536.
Defensa e ilustración de la lengua francesa, de Joachim du Bellay, 1549 (el manifiesto del grupo de poetas denominado la Pléyade).
Os Lusiadas, de Luís de Camões, 1572.
Portada y dedicatoria de los Sonetos de William Shakespeare, 1609.
Novelas Ejemplares, de Miguel de Cervantes, 1613.

Manierismo en música

La música manierista muestra una tensión entre mantener la habilidad del contrapunto (varias melodías que suenan a la vez) y la necesidad de expresar las ideas y sentimientos del texto. Aunque el impacto del Manierismo en la música fue menor que en otras artes, se discute si se puede hablar de un estilo musical "manierista".

Maria Maniates sugiere que sí, basándose en elementos como la experimentación en la armonía, el uso de intervalos inusuales en la melodía y la búsqueda de nuevos significados para la retórica musical. Los músicos de la época ya notaban cambios y diferencias entre las generaciones.

Ángel músico, de Rosso Fiorentino, ca. 1520.

Il Perdono di Gesualdo, 1609.

Ángeles músicos, de Gaudenzio Ferrari, ca. 1530-1540.

Asunción y ángeles músicos, de Gregório Lopes o su taller, antes de 1550.

Retrato de dama con un libro de música, de Bacchiacca, ca. 1540-1545

En Italia, esta nueva música comenzó con Willaert y sus alumnos, quienes crearon piezas con armonías propias y dramatizaron el texto cantado. Fue en la música de la corte donde el Manierismo tuvo mayor impacto. Los teóricos de la época sabían que entender los estilos más complejos era para unos pocos.

Estas características se encuentran especialmente en los compositores de madrigales, un tipo de música polifónico (con varias voces) que se volvió muy popular. Los madrigales eran muy expresivos y complejos, uniendo íntimamente la poesía y la música. Compositores como Luca Marenzio y Carlo Gesualdo (cuyos cromatismos eran muy avanzados) experimentaron mucho con la armonía en los madrigales.

A pesar de estas innovaciones, la música manierista más importante fue la religiosa, con compositores como Giovanni da Palestrina y Orlando di Lasso. Su música se convirtió en un modelo para toda Europa, mostrando armonía y dignidad. Al final del siglo, el estilo descriptivo de los madrigales dio paso al desarrollo de la ópera.

Escuelas nacionales y centros artísticos

Europa hacia 1560.

Las "escuelas artísticas" eran grupos de artistas con características propias de una región. En el siglo XVI, el estilo "italiano" (Renacimiento o Manierismo) se distinguía de las tradiciones locales de otros países. Por ejemplo, en España, el Plateresco era un estilo local.

La primera mitad del siglo XVI estuvo marcada por la rivalidad entre Carlos V y Francisco I. En la segunda mitad, el imperio español de Felipe II se volvió muy poderoso. Flandes, parte de este imperio, era un centro artístico muy importante.

Italia

La escuela florentino-romana del Alto Renacimiento sufrió un cambio con el saco de Roma de 1527. Pero Roma volvió a ser un centro artístico con el papa Paulo III, y la corte de los Médici en Florencia también floreció.

Otros centros artísticos importantes en Italia fueron Mantua, Génova, Parma y Bolonia. La escuela veneciana, con artistas como Tiziano, Tintoretto y Veronés, también fue muy destacada.

Retrato del papa Paulo III con sus nipoti ("sobrinos") Alessandro y Ottavio Farnese, de Tiziano, 1546.

Teatro Olímpico de Vicenza, de Andrea Palladio, 1580-1585.

La ciudad de Parma abraza a Alessandro Farnese, de Girolamo Bedoli-Mazzola, 1555.

Fresco de Antonio Campi en la iglesia de San Segismundo de Cremona.

Biblioteca Marciana de Venecia, de Jacopo Sansovino y Vincenzo Scamozzi.

Península ibérica

El Renacimiento español y el Manierismo español se desarrollaron con figuras como Pedro Machuca y El Greco.

Retrato de Felipe II, de Sofonisba Anguissola, 1565.

Palacio de Carlos V en la Alhambra, Granada, de Pedro Machuca (1533-1550).

Sacristía de la catedral de Jaén, de Andrés de Vandelvira (1579)

Sacra Capilla del Salvador de Úbeda.

Fuente de Santa María, frente a la catedral de Baeza.

Detalle de la fachada de la Casa del Pópulo de Baeza.

El Renacimiento portugués y el Manierismo portugués también tuvieron su desarrollo.

Iglesia de San Roque (Lisboa), de Afonso Álvares y Filipe Terzi, 1555.

Claustro del convento de Cristo de Tomar, de Diogo de Torralva y Filippo Terzi.

Pórtico de la iglesia de Gracia de Évora, de Miguel de Arruda.

Casamiento de Manuel I como San Alejo, de Garcia Fernandes, 1541.

El Manierismo en la América española o Manierismo colonial también dejó su huella.

Murales del convento de San Nicolás Tolentino en Actopan (México).

Fachada de la Catedral de Tunja (Colombia), de Bartolomé Carrión, 1598.

Norte de los Alpes

El Renacimiento nórdico y el Manierismo nórdico se manifestaron en varios países.

Francia

El Renacimiento francés y la escuela de Fontainebleau impulsaron el "gusto italiano" en Francia.

Eva, como primera Pandora, de Jean Cousin el Viejo, ca. 1550.

Lamentación sobre Cristo muerto, de Ligier Richier.

Dama en su baño, por François Clouet, ca. 1570.

Monumento para el corazón de Enrique II, de Germain Pilon.

Alegoría de la pintura y la escultura, de Ambroise Dubois.

Inglaterra

El Renacimiento inglés recibió influencias italianas a través de artistas continentales. El palacio de Nonsuch fue un gran proyecto que mostró este gusto.

Caballero con gorro negro, de John Bettes el Viejo,1545.

Joven entre rosas, miniatura de Nicholas Hilliard, 1588.

El llamado Ditchley Portrait de Isabel I de Inglaterra, de Marcus Gheeraerts el Joven, ca. 1592.

El llamado Chandos portrait de William Shakespeare, atribuido a John Taylor, ca. 1600.

Palacio de Nonsuch, anónimo flamenco.

Flandes

El Renacimiento flamenco y el Manierismo de Amberes fueron muy importantes. Ciudades como Amberes y luego Ámsterdam fueron grandes centros artísticos.

Retablo de Baume-les-Messieurs, donado por la ciudad de Gante al abad Guillaume de Poupet en 1525.

Stadhuis, Amberes, de Cornelis Floris de Vriendt (1561-1565).

Palais Curtius en Lieja, mandado construir por Jean Curtius entre 1597 y 1605.

Architectura, de Wendel Dietterlin, 1598.

Fachada sin puerta del Vergulde Druif, Haarlem, de Lieven de Key (que también construyó el Stadhuis de Leiden).

La guerra de los Ochenta Años afectó la prosperidad de Amberes, y muchos artistas emigraron a Ámsterdam o a otras regiones.

Job y los músicos, del llamado Maestro de 1518, ca. 1520.

Amnon atacando a Tamar, de Jan van Dornicke, ca. 1515-1525

Martirio de San Juan Evangelista, anónimo flamenco, ca. 1525.

Adán y Eva, de Mabuse, ca. 1525-1530.

Betsabé en el baño, del círculo de Jan van Scorel, ca. 1540-1545.

Centroeuropa, Escandinavia y el Báltico

Tres vistas de Mercurio y Psique, de Jan Harmensz Muller, ca. 1594-1595. La estatua copiada es un bronce de Adriaen de Vries, realizado en 1593 para el emperador Rodolfo II.

La corte de Rodolfo II en Praga se convirtió en un centro artístico importante, con artistas como Giuseppe Arcimboldo y Bartholomäus Spranger. El emperador coleccionaba objetos de arte y curiosidades en su Wunderkammer.

Rodolfo II como Vertumno, de Arcimboldo, ca. 1590.

Frescos del castillo de Praga (Hermes y Atenea, de Spranger, ca. 1585).

Puerta del Castillo de Praga.

Retrato de Josef Heintz, de Hans von Aachen, 1585.

Leisthaus de Hamelín, del estilo llamado "Renacimiento del Wesser".

El Renacimiento alemán y el Manierismo alemán también se desarrollaron.

Sepulcro de Edward Blemke en la iglesia de Santa María de Danzig,1591.

En Polonia, el Renacimiento polaco y el Manierismo polaco se vieron en obras como sepulcros y palacios.

Sepulcro de los hermanos Niedrzwicki en la iglesia de San Florián de Koprzywnica,de Santi Gucci, 1581.

Palacio Esken en Torun, Willem van den Blocke, ca. 1590.

Ático del palacio de Mikołaj Przybyła en Kazimierz Dolny, 1615.

El Renacimiento báltico tuvo a Danzig (Gdansk) como un centro artístico importante.

Artushof.

Capilla Boimów.

En Escandinavia, el Renacimiento escandinavo se manifestó en la remodelación de castillos como el de Kronborg en Dinamarca y el de Vadstena en Suecia.

Puerta del Castillo de Vadstena.

Castillo de Kronborg.

Gestos

Resurrección, de El Greco, 1597-1604.

Muerte de Cleopatra, de Rosso Fiorentino, ca. 1525.

Los diezmil mártires, de Pontormo, ca. 1529-1530.

Dos figuras masculinas en un paisaje, grabado de Domenico Beccafumi, ca. 1537.

La pesca milagrosa, de Bassano, 1545.

Deposizione, de Guglielmo della Porta, antes de 1577.

La gestualidad es muy importante en el Manierismo. Las poses son complicadas y artificiales, y la expresión del rostro y las manos se estudian a fondo. Todo esto se relaciona con la complejidad de la composición, la luz y los colores.

Detalle de Il Trasporto, de Pontormo, ca. 1525-1528.

Detalle de Dama de rojo, de Pontormo, ca. 1532-1533.

Detalle de Venus y Amor, de Pontormo, sobre un dibujo de Miguel Ángel, ca. 1533.

Detalle de Alegoría del triunfo de Venus, de Bronzino, ca. 1540-1545.

Ídem.

Géneros

Huida a Egipto de Pieter Aertsen, ca. 1551.

Detalle del retablo mayor de la iglesia de San Eutropio (El Espinar). Tallas de Francisco Giralte y pintura de Alonso Sánchez Coello, desde 1565.

Arte religioso

Gloria d'angeli de la Capilla Foppa en San Marcos de Milán, de Giovanni Paolo Lomazzo (1573).

Ídem, interior.

El arte religioso siguió siendo muy solicitado. A menudo, los temas religiosos servían de excusa para representar otras escenas, como paisajes. En los países católicos, la Contrarreforma prestó mucha atención al arte, estableciendo guías para los artistas. En los países protestantes, aunque se prefería la austeridad, también hubo pintura religiosa.

Retablo de Hans Oberreid, de Hans Holbein el Joven (1522).

Circuncisión de Cristo, de Parmigianino (1523).

Lamentación sobre Cristo muerto, de Bronzino (ca. 1528-1530).

Desmayo de la Virgen, de Ligier Richier (1531).

Cristo y la mujer acusada, de Lucas Cranach el Joven (ca. 1530-1550).

Paisaje

Concierto campestre, ca. 1509.

El paso de la laguna Estigia, de Joaquín Patinir, ca. 1520-1524.

Adoración de los Magos, de Dosso Dossi, ca. 1530-1542.

Secuestro de Helena y las maravillas del mundo antiguo, de Martin van Heemskerck, 1535.

Latona convirtiendo en ranas a los campesinos de Licia, de Tintoretto, 1545-1548.

Aunque el paisaje no era un género principal por sí mismo, sino el fondo de otras composiciones, en algunos casos (especialmente en la pintura flamenca) cobró gran importancia. Se encuentra mucho en la pintura mitológica y religiosa, y evolucionó hacia el paisaje barroco.

La Virgen de las rocas, de Leonardo (dos versiones, de 1483 a 1508).

La tempestad, de Giorgione, 1507-1508.

Madonna di Brera, de Giovanni Bellini, 1510.

San Jorge derrotando al dragón, de Altdorfer, 1510.

San Jorge y el dragón, de Andrea Briosco.

Los pintores flamencos, al viajar a Italia, incorporaron a sus paisajes elementos como rocas escarpadas. Sin embargo, el paisaje flamenco era muy original, con un gran gusto por el detalle. Joaquín Patinir es considerado el primer paisajista, creando paisajes panorámicos con tres zonas de color: pardo, verde y azul.

Artistas como Pieter Bruegel el Viejo se destacaron por sus paisajes, que mostraban la vida cotidiana y la naturaleza. A finales del siglo XVI, el paisaje se volvió más realista.

La caída de Ícaro, de Pieter Bruegel el Viejo, datación debatida.

Paisaje con patinadores y trampa para pájaros, de Pieter Brueghel el Viejo.

Cazadores en la nieve, de Pieter Brueghel el Viejo, 1565.

La urraca sobre el cadalso, de Pieter Brueghel el Viejo, 1568.

El paisaje italiano, que ya era importante en el Renacimiento, fue tratado de forma espectacular por Leonardo da Vinci y la escuela veneciana. Niccolò dell'Abbate introdujo el "paisaje manierista italiano" en Francia.

Paisaje, de Jacob Grimmer.

El arca de Noé, de Jacopo Bassano, 1570.

El rapto de Proserpina, de Niccolò dell'Abbate, ca. 1570.

Antonio y Cleopatra, de Giovanni Maria Mosca

Venus y Adonis, de Veronés, 1580.

Retrato

La Gioconda, de Leonardo da Vinci, 1503-1519.

La Fornarina, de Rafael Sanzio, 1519.

Retrato de Isabel de Portugal, de Tiziano, 1548.

El retrato manierista buscaba mostrar no solo la apariencia de la persona, sino también su personalidad. Los retratos de Rafael Sanzio y Tiziano fueron muy influyentes.

En la corte española, en la segunda mitad del siglo XVI, se impuso un modelo de retrato más sobrio. Artistas como Alonso Sánchez Coello y Juan Pantoja de la Cruz combinaron la minuciosidad flamenca con la riqueza de color veneciana, destacando las figuras sobre fondos oscuros.

Autorretrato en un espejo convexo, de Parmigianino, ca. 1523.

Retrato de un coleccionista, de Parmigianino, ca. 1524.

Retrato de dama con gato, de Bacchiacca, 1525.

Autorretrato de Hans Baldung, 1526.

Lutero y su esposa, de Lucas Cranach el Viejo, 1529.

Alegoría

Las alegorías eran muy comunes en todas las artes. Eran símbolos complejos con significados filosóficos, morales, políticos, religiosos o mitológicos. Ya se usaban en el Renacimiento y fueron retomadas por los artistas manieristas.

Los artistas eran conscientes del significado de sus obras. A veces, su interés estético era más importante que el mensaje simbólico, como en el caso de Veronés, quien prefirió cambiar la interpretación de una obra antes que retocarla.

Alegoría de las virtudes, de Correggio, ca. 1525.

Alegoría de los vicios, de Correggio, ca. 1532.

Los embajadores, de Hans Holbein el Joven, 1533.

Nascendo morimur, de Martin van Heemskerck, 1540.

Alegoría del triunfo de Venus (1540-1550), de Bronzino.

Alegoría del amor - Infidelidad, Veronés, ca. 1570.

Ídem, Desdén.

Ídem, Respeto

Galería de imágenes

Giorgione - Sleeping Venus - Google Art Project 2.jpg

Venus dormida, de Giorgione.
Bacanal de los andrios.jpg

Bacanal de los andrios, de Tiziano.
Life of Michael Angelo, 1912 - Tomb of Giulino de Medici.jpg

Tumba de Juliano de Médici.
Uno de los grupos de El Juicio Final que necesitaron ser cubiertos.
Agnolo bronzino, ritratto di cosimo I de' medici come orfeo, 1537-39 (citaz. del torso belvedere).JPG

Cosme I de Médicis como Orfeo, de Bronzino, ca. 1537-1539.
Andrea Doria as Neptun by Angelo Bronzino.jpg

Andrea Doria como Neptuno, de Bronzino, ca. 1540.
Emperor Charles Conquers Furor (Leone Leoni).jpg

Carlos V dominando al Furor, de Leone Leoni, ca. 1550.
Diana the Huntress - School of Fontainebleau, attributed to Luca Penni.jpg

Diana de Poitiers como la diosa Diana, de Luca Penni, ca. 1550.
Tiziano - Venere di Urbino - Google Art Project.jpg

La Venus de Urbino (no pertenece al grupo de las "poesías").
Tizian - Danae receiving the Golden Rain - Prado.jpg

Danae recibiendo la lluvia de oro
Venus and Adonis by Titian.jpg

Venus y Adonis (Tiziano)
TitianDianaCallistoEdinburgh.jpg

Diana y Calisto
Titian - Diana and Actaeon - 1556-1559.jpg

Diana y Acteón
Pierino da vinci, leda e il cigno 02.JPG

Leda y el cisne, de Pierino da Vinci, antes de 1553.
Guglielmo della porta, diana e callisto, 1553-55.JPG

Diana y Calisto, de Guglielmo della Porta, ca. 1553-1555.
Actaeon.jpg

Muerte de Acteón, de Tiziano, 1559-1575.
La oración en el huerto, de Luis de Morales, 1560-1570.
Small berger Paris by juan de juanes (09).jpg

El juicio de Paris, de Juan de Juanes.

Véase también

En inglés: Mannerism Facts for Kids

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