Bodegón para niños
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Un bodegón, también llamado naturaleza muerta, es un tipo de obra de arte que muestra objetos inanimados. Estos objetos pueden ser naturales, como frutas, flores, comida, rocas o conchas. También pueden ser cosas hechas por personas, como utensilios de cocina, libros, joyas o instrumentos musicales. Los artistas usan el diseño, los colores y la luz para crear una sensación de calma y armonía en estas pinturas.
El bodegón tiene sus raíces en la antigüedad y se hizo muy popular en el arte occidental a partir del siglo XVII. Este tipo de pintura le da al artista más libertad para organizar los elementos que otros géneros, como los paisajes o los retratos. Antes del año 1700, los bodegones a menudo tenían un significado religioso o simbólico escondido en los objetos que mostraban. Algunos bodegones modernos van más allá de la pintura tradicional, usando objetos reales, fotografía, imágenes generadas por computadora o incluso sonido y vídeo.
Contenido
Historia del Bodegón
Orígenes Antiguos
Los bodegones ya existían en el antiguo Egipto, decorando las tumbas. Se creía que los objetos pintados, especialmente la comida, se harían reales en el más allá para que los difuntos los usaran. En la Antigua Grecia, las pinturas en jarrones también mostraban objetos cotidianos y animales con gran habilidad.
En la Antigua Roma, se encontraron bodegones similares en pinturas murales y mosaicos en lugares como Pompeya. Estos mosaicos, llamados emblema, mostraban la variedad de alimentos que disfrutaban las clases altas. También eran una señal de hospitalidad y celebraban las estaciones del año.
Desde la época romana, se usaban cráneos en las pinturas para recordar que la vida es corta y que la muerte nos iguala a todos. Este tema, llamado vanitas, se hizo muy importante en la pintura barroca, sobre todo con los pintores holandeses alrededor del año 1600.
Los artistas griegos antiguos eran muy buenos pintando retratos y bodegones. Se cuenta la leyenda de Zeuxis y Parrasio, dos pintores que competían por crear las imágenes más realistas. Esto muestra lo mucho que se valoraba el realismo en el bodegón desde hace mucho tiempo.
El Bodegón en la Edad Media
A partir del año 1300, con artistas como Giotto, el bodegón reapareció en pinturas religiosas. Los objetos de la vida diaria se incluían junto a las figuras principales. Durante mucho tiempo, este tipo de pintura se consideró menos importante, ya que solía ser parte de obras religiosas o retratos, y a menudo tenía un significado oculto.
Esto era muy claro en las obras de artistas del norte de Europa, como Jan van Eyck. Ellos estaban fascinados con el simbolismo y el realismo detallado, y ponían mucha atención en el mensaje de sus pinturas. El desarrollo de la pintura al óleo por van Eyck y otros artistas del norte de Europa permitió pintar objetos cotidianos con gran realismo.
Un ejemplo de esta transición es el retrato de Petrus Christus de un orfebre. Aunque el orfebre es un retrato real y los objetos son de su oficio, el espejo en el que se refleja una pareja parece tener un mensaje moral. En esta época, los bodegones sencillos sin figuras empezaron a pintarse en la parte exterior de las puertas de pinturas religiosas, como decoración.
Del Medievo al siglo XVI
Algunos de los primeros en pintar bodegones sin un significado religioso fuerte fueron Leonardo da Vinci y Alberto Durero. Leonardo hizo estudios de frutas en acuarela como parte de su investigación sobre la naturaleza, y Durero también dibujó plantas y animales con mucho detalle.
Jacopo de’ Barbari dio un paso más con su Bodegón con perdiz, guanteletes y flechas de ballesta (1504). Esta fue una de las primeras pinturas de trampantojo (que engaña al ojo) firmadas y fechadas, con muy poco contenido religioso.
El siglo XVI vio un gran interés por el mundo natural. Se crearon enciclopedias botánicas que documentaban los descubrimientos del Nuevo Mundo. Los objetos naturales empezaron a valorarse por sí mismos, sin necesidad de asociarlos a mitos o religiones.
La gente rica empezó a coleccionar animales y minerales exóticos, creando "gabinetes de curiosidades". Estos objetos sirvieron de modelo para los pintores que buscaban realismo. Conchas, insectos, frutas exóticas y flores, como el tulipán de Turquía, se pintaban con gran fidelidad. Este interés por la horticultura llevó a los artistas a crear miles de bodegones.
A lo largo de la segunda mitad del siglo XVI, el bodegón se hizo un género independiente. Poco a poco, el contenido religioso disminuyó, aunque las lecciones morales seguían presentes. Un ejemplo es La carnicería de Joachim Beuckelaer (1568).
El Bodegón en el Siglo XVII
Aunque el bodegón italiano ganó popularidad, no era tan respetado como la pintura de temas históricos o religiosos. Sin embargo, los artistas de bodegones exitosos encontraron muchos clientes. Además, las pocas pintoras de la época a menudo elegían o se veían limitadas a pintar bodegones, como Giovanna Garzoni o Fede Galizia.
Muchos artistas importantes de otros géneros también hicieron bodegones. Caravaggio (1573-1610) fue uno de los primeros en pintar naturalezas muertas con un estilo muy naturalista. Su Cesto con frutas (h. 1595-1600) es un ejemplo temprano de bodegón puro, pintado con gran precisión.
Este género fue muy cultivado en la pintura del norte de Europa en el siglo XVII, tanto en los Países Bajos como en Flandes. Allí surgieron muchas variedades, como el bodegón de cocina (con objetos de caza, como los de Frans Snyders), el bodegón de desayuno (ejemplos: Osias Beert, Clara Peeters) y el bodegón monocromo (con Willem Heda y Pieter Claesz.).
El bodegón se hizo independiente en los Países Bajos, llamándose stilleven ("naturaleza tranquila"). En otros idiomas, como el español, se prefieren términos como "naturaleza muerta". Como las imágenes religiosas estaban prohibidas en la Iglesia Reformada Holandesa, los artistas encontraron una nueva oportunidad en los bodegones. La tradición del realismo detallado y los símbolos ocultos atrajo a la creciente clase media holandesa, que se convirtió en la principal clientela de arte.
Un tipo especial de bodegón es el bodegón floral, que representa floreros y guirnaldas. Hubo muchos especialistas en este género, como Jan Brueghel el Viejo en Flandes y Juan de Arellano en España. En Holanda, hubo una gran pasión por las flores, especialmente el tulipán. Las flores se veían como objetos bellos y símbolos religiosos, lo que creó un gran mercado para este tipo de bodegón.
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El significado de las flores había evolucionado desde el inicio del cristianismo. Por ejemplo, la rosa podía representar a la Virgen María o la fugacidad de la vida. El lirio simbolizaba la pureza, y el tulipán, la presunción. Los insectos también tenían significados: la mariposa representaba la transformación, y las hormigas, el trabajo duro.
Los artistas holandeses también revivieron el trampantojo, al que llamaron bedriegertje ("pequeño engaño"). Además, desarrollaron las pinturas de "cocina y mercado", de "desayuno" y las vanitas.
Las pinturas de vanitas eran muy populares. Mostraban arreglos lujosos de frutas, flores, libros, joyas e instrumentos musicales, junto con objetos que recordaban lo breve de la vida, como un cráneo, un reloj de arena o una vela consumiéndose. A menudo, las frutas y flores se mostraban empezando a pudrirse para enfatizar este mensaje.
Otro tipo de bodegón eran las "pinturas de desayuno", que mostraban comidas deliciosas. También podían ser un recordatorio religioso para evitar la glotonería. Alrededor de 1650, Samuel van Hoogstraten pintó cuadros con estanterías, un tipo de trampantojo que mostraba objetos atados o clavados a una tabla.
El bodegón alemán siguió los modelos holandeses. El pintor alemán Georg Flegel fue pionero en el bodegón puro, sin figuras, y creó la novedad de colocar objetos detallados en gabinetes y cajas, mostrando múltiples puntos de vista a la vez.
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La importancia del bodegón en España en el siglo XVII ha sido reconocida hace poco. Pintores como Juan Sánchez Cotán y Zurbarán crearon bodegones muy importantes. El Bodegón de caza, hortalizas y frutas de Sánchez Cotán y el Bodegón de cacharros de Zurbarán son ejemplos famosos.
En España, los teóricos del arte, como Francisco Pacheco, consideraban el bodegón un género secundario, poniendo la figura humana en la cima del arte. Sin embargo, los inventarios de la época muestran que los bodegones eran muy comunes en las colecciones de arte de todas las clases sociales. En Toledo, por ejemplo, el 7.58% de las pinturas eran bodegones, siendo muy populares entre el clero.
Además de ser pintado por artistas destacados en otros géneros, como Blas de Prado y Juan Sánchez Cotán, el bodegón tuvo especialistas en España. Entre ellos, Juan van der Hamen en Madrid, Pedro de Camprobín en Sevilla y Tomás Yepes en Valencia. Un caso notable es Juan Fernández el Labrador, un pintor de aldea cuya fama llegó hasta la corte inglesa.
En general, en el sur de Europa se prefería el naturalismo de Caravaggio, con menos énfasis en el detalle minucioso del norte. En Francia, los pintores de bodegones recibieron influencia de ambas escuelas, tomando ideas de las vanitas holandesas y de los arreglos libres de España.
El Bodegón en el Siglo XVIII
En el siglo XVIII, los bodegones dejaron de lado sus significados religiosos y simbólicos. Las pinturas de mesas de cocina se convirtieron en representaciones cuidadosas de colores y formas, mostrando comidas cotidianas. La nobleza francesa encargaba pinturas de bodegones lujosos para honrar sus mesas, sin el mensaje moralista de las vanitas holandesas.
El estilo rococó, con su amor por lo artificial, impulsó el trampantojo en Francia, llamado trompe l'oeil ("engañar el ojo"). Los bodegones de Chardin usaban diversas técnicas, desde el realismo holandés hasta armonías más suaves.
En Estados Unidos, durante la época de la revolución, los artistas que se formaron en Europa aplicaron estilos europeos a retratos y bodegones. Charles Willson Peale fundó una familia de pintores y un museo de curiosidades naturales. Su hijo Raphaelle Peale fue parte de un grupo de bodegonistas. Los trampantojos también fueron populares, con artistas como William Michael Harnett que lograba un gran hiperrealismo en sus pinturas de objetos cotidianos.
El Bodegón en el Siglo XIX
Con el surgimiento de las academias europeas, especialmente la Academia francesa, el bodegón empezó a perder importancia. Las academias establecieron una jerarquía de los géneros, donde la Pintura de historia (temas históricos, religiosos) era la más valorada, y el bodegón estaba en el nivel más bajo. En lugar de bodegones, algunos artistas como John Constable y Camille Corot eligieron los paisajes, anticipando movimientos como el impresionismo.
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Cuando el neoclasicismo decayó en los años 1830, la escena de género y el retrato pictórico se hicieron más populares. Muchos grandes artistas de la época incluyeron el bodegón en sus obras. Los bodegones de Francisco Goya, Gustave Courbet y Eugène Delacroix tienen una fuerte emoción y se preocupan menos por la exactitud. Los bodegones de Édouard Manet son muy tonales, apuntando al impresionismo. Henri Fantin-Latour fue famoso por sus pinturas de flores, viviendo casi solo de encargos de este tipo.
Con el fin de la jerarquía académica y el auge de los pintores impresionistas y posimpresionistas, la técnica y la armonía del color se volvieron más importantes que el tema. El bodegón volvió a ser tratado con las nuevas ideas. En sus primeros bodegones, Claude Monet muestra la influencia de Fantin-Latour. Fue uno de los primeros en romper con la tradición del fondo oscuro. En el bodegón impresionista, el contenido simbólico desaparece por completo, importando más la armonía de colores y la luz.
Los impresionistas y posimpresionistas, aunque se inspiraban en la naturaleza, a veces reinterpretaban su visión de forma antinatural. Como dijo Gauguin, "Los colores tienen sus propios significados". También experimentaron con la perspectiva, como en Fruta mostrada en un perchero de Gustave Caillebotte.
Las pinturas de Los girasoles de Vincent van Gogh son algunos de los bodegones más famosos del siglo XIX. Van Gogh usó tonos amarillos y ocres para crear una contribución memorable al género. Su Bodegón con tabla de dibujo (1889) es un retrato de su vida diaria, mostrando objetos personales como su pipa, cebollas, un libro y una carta de su hermano. También pintó su propia versión de la vanitas: Bodegón con Biblia abierta, vela y libro (1885).
El Bodegón en los Siglos XX y XXI
Las primeras cuatro décadas del siglo XX fueron un período de gran cambio artístico. Los movimientos de vanguardia evolucionaron rápidamente hacia la abstracción total. El bodegón, como otros géneros, siguió evolucionando hasta mediados de siglo, cuando la abstracción total, como la pintura de Jackson Pollock, eliminó todo elemento reconocible.
El siglo comenzó con varias tendencias. En 1901, Paul Gauguin pintó Bodegón con girasoles, un homenaje a van Gogh. El grupo de los Nabis, incluyendo a Pierre Bonnard y Édouard Vuillard, adoptó las ideas de Gauguin y añadieron elementos japoneses a sus bodegones. El artista francés Odilon Redon también pintó bodegones destacados, especialmente de flores.
Henri Matisse simplificó los objetos del bodegón a perfiles planos con colores brillantes. También simplificó la perspectiva y usó fondos multicolores. En algunos de sus bodegones, como Bodegón con berenjenas, los objetos apenas se distinguen del fondo. Otros artistas del fauvismo, como Maurice de Vlaminck y André Derain, exploraron el color puro y la abstracción en sus bodegones.
Paul Cézanne encontró en el bodegón el medio perfecto para su búsqueda de la organización espacial geométrica. Para Cézanne, el bodegón fue una forma de alejar la pintura de su función de imitar la realidad, mostrando los elementos de color, forma y línea de forma independiente. Esto fue un gran paso hacia el arte abstracto. Los experimentos de Cézanne influyeron mucho en el desarrollo del bodegón cubista a principios del siglo XX.
Los cubistas, como Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris, tomaron las ideas de Cézanne. Entre 1910 y 1920, pintaron muchas composiciones de bodegones, a menudo incluyendo instrumentos musicales. También crearon los primeros collages cubistas, como la obra oval de Picasso Bodegón con silla de mimbre (1912). En estas obras, los objetos del bodegón se superponen y mezclan, perdiendo su forma y textura individuales. Fernand Léger introdujo en el bodegón el uso de mucho espacio en blanco y formas geométricas claras y coloreadas, para un efecto más mecánico.
Rechazando la simplificación del espacio de los cubistas, Marcel Duchamp y otros miembros del movimiento Dada crearon esculturas de bodegón "de confección" en tres dimensiones. Para devolverle un significado simbólico al bodegón, los futuristas y los surrealistas colocaron objetos reconocibles en sus paisajes de ensueño. En las naturalezas muertas de Joan Miró, los objetos parecen ligeros y flotando en un espacio bidimensional. En Italia, Giorgio Morandi fue el pintor de bodegones más destacado, mostrando la realidad cotidiana al representar botellas y utensilios de cocina.
Cuando los artistas estadounidenses del siglo XX conocieron el modernismo europeo, empezaron a interpretar los temas de bodegón con una mezcla de realismo americano y abstracción cubista. Ejemplos típicos son las pinturas de Georgia O'Keeffe, Stuart Davis y Marsden Hartley, y las fotografías de Edward Weston. Las pinturas de flores en primer plano de O’Keeffe revelan la estructura física y la emoción de los pétalos de una manera nueva.
En México, a partir de los años 1930, Frida Kahlo y otros artistas crearon su propio surrealismo, representando comidas y motivos de la cultura local en sus bodegones. También desde esa década, el expresionismo abstracto redujo el bodegón a representaciones crudas de forma y color, hasta que en los años cincuenta, la abstracción total dominó el mundo del arte.
Sin embargo, el Pop Art de los sesenta y setenta revirtió esta tendencia y creó una nueva forma de bodegón. Gran parte del arte pop (como las latas de sopa Campbell de Andy Warhol) se basa en el bodegón, pero su verdadero tema es la imagen modificada del producto comercial, más que el objeto físico.
La obra de Roy Lichtenstein Bodegón con una pecera de peces de colores (1972) combina los colores puros de Matisse con la iconografía pop de Warhol. La mesa de comida de Wayne Thiebaud (1964) no representa una comida familiar sencilla, sino una línea de alimentos estadounidenses estándar. El movimiento neodadaísta, incluyendo a Jasper Johns, volvió a la representación tridimensional de objetos cotidianos de Duchamp para crear sus propios bodegones.
El auge del fotorrealismo en los años setenta reafirmó la representación ilusionista, manteniendo algo del mensaje pop de la mezcla de objeto, imagen y producto comercial. Ejemplos típicos son las pinturas de Don Eddy y Ralph Goings.
En las últimas tres décadas, el bodegón se ha expandido más allá de los límites de un cuadro. Ahora se usan técnicas mixtas que incluyen objetos reales, fotografía, vídeo y sonido. Las obras generadas por ordenador han ampliado las posibilidades para los artistas de bodegones. Con el uso de videocámaras, los creadores pueden incluso incluir al espectador en su obra.
Véase también
En inglés: Still life Facts for Kids
- Fotografía de bodegón
- Género pictórico
