Pintura del Siglo de oro neerlandés para niños
La pintura del Siglo de Oro neerlandés se desarrolló en los Países Bajos durante el siglo XVII. Fue un tiempo muy importante en la historia de esta nación, que abarcó el periodo durante y después de un largo conflicto por su independencia. En ese entonces, las Provincias Unidas de los Países Bajos eran una de las naciones más ricas y avanzadas de Europa, destacando en el comercio, la ciencia y el arte. El arte neerlandés tuvo que adaptarse y encontrar nuevas formas de expresión, ya que se separó de las antiguas tradiciones religiosas y de la monarquía.
La pintura neerlandesa de este periodo comparte algunas características con el estilo Barroco de otras partes de Europa. Sin embargo, se diferencia porque no busca tanto la idealización o el gran lujo que se ve en otras obras barrocas, como las de la vecina Flandes. En cambio, la mayoría de las pinturas neerlandesas de esta época muestran un gran realismo y atención al detalle, una tradición que venía de la pintura flamenca antigua.
Una característica especial de este periodo es que los artistas se especializaron mucho en diferentes tipos de pintura. Muchos pintores se dedicaban a un solo género. Esta especialización se hizo muy evidente a partir de finales de la década de 1620, y el periodo desde entonces hasta la invasión francesa de 1672 es considerado el corazón de la pintura del Siglo de Oro.
Contenido
- Tipos de Pintura en el Siglo de Oro Neerlandés
- El Mundo del Arte Neerlandés
- Pintura de Historia: Contando Relatos
- Retratos: Capturando Rostros y Personalidades
- Escenas de la Vida Cotidiana: Un Vistazo al Día a Día
- Paisajes: La Naturaleza y el Mar Neerlandés
- Bodegones: La Belleza de los Objetos Inanimados
- La Fama de la Pintura Neerlandesa a Través del Tiempo
- Galería de imágenes
- Véase también
Tipos de Pintura en el Siglo de Oro Neerlandés
En comparación con la pintura europea de antes, una característica notable de esta época fue que había muy pocas pinturas religiosas. La religión principal en los Países Bajos, el calvinismo, no permitía imágenes religiosas en las iglesias. Aunque los temas de la Biblia sí se aceptaban en las casas particulares, se hicieron relativamente pocas obras de este tipo.
Hubo pinturas de historia (que contaban relatos importantes) y retratos, pero este periodo es más conocido por la gran variedad de otros géneros. Estos géneros se dividían en muchas categorías especializadas, como escenas de la vida en el campo, paisajes, vistas de ciudades, pinturas con animales, marinas (escenas del mar), flores y bodegones (objetos inanimados) de diferentes tipos. Los artistas neerlandeses del siglo XVII tuvieron una gran influencia en cómo se desarrollaron estos géneros.
Existía una idea llamada la «jerarquía de los géneros» en la pintura, que decía que la pintura de historia era la más importante. Por eso, muchos pintores intentaban hacerla, aunque era la más difícil de vender, como le pasó al propio Rembrandt. Muchos artistas tuvieron que pintar retratos o escenas de la vida diaria, que se vendían más fácilmente, pero aun así respetaban la idea de que la pintura de historia era la más elevada.
La mayoría de los cuadros eran pequeños, excepto los retratos de grupo. Casi no se hacían pinturas murales (en paredes), porque se prefería colgar lienzos enmarcados cuando se quería decorar un edificio público.
El Mundo del Arte Neerlandés
Los visitantes extranjeros se sorprendían de la enorme cantidad de arte que se producía en los Países Bajos y de las grandes ferias donde se vendían muchos cuadros. Debido a esta gran producción, los precios eran bastante bajos, excepto para las obras de los artistas más famosos. Aquellos que no tenían mucha reputación o que pasaban de moda, incluyendo a algunos que hoy consideramos muy importantes como Vermeer, Frans Hals y Rembrandt en sus últimos años, tuvieron problemas para ganarse la vida y murieron sin mucho dinero. Muchos artistas tenían otros trabajos o dejaron de pintar por completo.
La invasión francesa de 1672, conocida como el Rampjaar o «año del desastre», provocó una fuerte crisis en el mercado del arte, que nunca se recuperó del todo. La distribución de los cuadros era muy amplia; incluso personas con oficios sencillos, como zapateros o herreros, tenían alguna pintura en su casa o taller. Un viajero inglés dijo en 1640: «Tal es la inclinación y el placer que estos nativos del país tienen por la pintura». Por primera vez, surgieron marchantes de arte profesionales, algunos de ellos también artistas importantes, como Vermeer y su padre, Jan van Goyen y Willem Kalf. Los marchantes de Rembrandt, Hendrick van Uylenburgh y su hijo Gerrit, fueron de los más destacados.
La calidad técnica de los artistas neerlandeses era generalmente muy alta. La mayoría seguía el antiguo sistema medieval de formación, donde los aprendices trabajaban con un maestro. Los talleres solían ser más pequeños que en Flandes o Italia, con solo uno o dos aprendices a la vez, un número limitado por las reglas de los gremios. Aunque el poder de la Guilda de San Lucas (el gremio de pintores) estaba disminuyendo, seguía siendo importante en muchos lugares, y se crearon nuevos gremios en esta época. El de Ámsterdam se fundó en 1579, y entre 1609 y 1611 se establecieron los de Gouda, Róterdam, Utrecht y Delft, y en 1648 el de Leiden. A excepción de los retratos, la mayoría de los cuadros se hacían para venderlos sin un encargo específico, algo diferente a lo que ocurría en otros países. En esto, el mercado del arte neerlandés se adelantó al futuro.
Los artistas neerlandeses se preocupaban menos por la teoría del arte que sus colegas de otros países y no solían discutir mucho sobre su arte. El interés general en la teoría del arte era mucho menor en los círculos intelectuales o en el público en general, a diferencia de lo que pasaba en Italia. El arte neerlandés era motivo de orgullo nacional, y los principales biógrafos de la época son fuentes clave de información. Entre ellos están Karel van Mander (con su obra Het Schilderboeck, de 1604, que cubre principalmente el siglo anterior) y Arnold Houbraken (con De groote schouburgh der Nederlantsche konstschilders en schilderessen – «El gran teatro de los pintores holandeses», de 1718–21). El artista alemán Joachim von Sandrart (1606-1688) trabajó ocasionalmente en los Países Bajos, y su Deutsche Akademie habla de muchos artistas neerlandeses que conoció. Samuel van Hoogstraten (1627–1678), maestro de Houbraken y alumno de Rembrandt, escribió Zichtbare wereld e Inleyding tot de Hooge Schoole der Schilderkonst (1678), que contienen más información crítica que biográfica y son importantes tratados sobre pintura de la época.
Pintura de Historia: Contando Relatos
Esta categoría incluye todas las pinturas que narran acontecimientos, ya sean eventos históricos del pasado, o escenas de la Biblia, la mitología, la literatura o alegorías. Fue un tema menos común en los Países Bajos que en otros países, porque no había un mercado eclesiástico local (la iglesia no encargaba muchas obras) y pocos grandes palacios aristocráticos de estilo barroco que decorar.
En este género, más que en otros, los neerlandeses recibieron más influencia de la pintura italiana. Conocían las obras italianas a través de copias y grabados, ya que pocos pintores neerlandeses viajaron a Italia. Los artistas neerlandeses más importantes de la época, como Rembrandt, Vermeer, Hals, Steen o Jacob van Ruisdael, no hicieron ese viaje.
En la primera parte del siglo, muchos artistas que seguían el estilo manierista nórdico continuaron trabajando, como Abraham Bloemaert y Joachim Wtewael hasta la década de 1630. Muchas pinturas de historia eran de tamaño pequeño, y recibieron tanta influencia del pintor alemán Adam Elsheimer, que vivía en Roma, como de Caravaggio (ambos murieron en 1610). En comparación con el resto de la pintura de historia barroca, la neerlandesa era más realista y contaba las cosas de manera más directa. A veces se les llama «pre-rembrandtistas», porque las primeras obras de Rembrandt eran de este estilo.
Los caravaggistas de Utrecht crearon pinturas de historia y grandes escenas de la vida diaria con un estilo influenciado por los italianos, usando a menudo un fuerte contraste de luces y sombras (claroscuro). Utrecht era una ciudad especial, ya que a mediados de siglo, un 40% de sus habitantes eran católicos, e incluso más entre las clases altas. Los artistas más destacados fueron Hendrick ter Brugghen, Gerard van Honthorst y Dirck van Baburen. Esta escuela estuvo activa alrededor de 1630, aunque van Honthorst siguió trabajando con éxito hasta la década de 1650 como pintor de la corte inglesa, neerlandesa y danesa, con un estilo más clásico.
Rembrandt empezó como pintor de historia antes de tener éxito económico como retratista, y nunca abandonó sus ambiciones en este campo. Un gran número de sus grabados son escenas religiosas narrativas. La historia de su último encargo histórico, La conspiración de Claudio Civil (1661), muestra tanto su dedicación a este tipo de arte como las dificultades que tenía para encontrar un público.
Retratos: Capturando Rostros y Personalidades
El retrato fue muy popular en los Países Bajos en el siglo XVII, ya que había una gran clase de comerciantes y burgueses dispuestos a encargar sus retratos. Se calcula que se hicieron entre 750.000 y 1.100.000 retratos en total. Rembrandt tuvo su mejor periodo de éxito económico como joven retratista en Ámsterdam. Sin embargo, como otros artistas, llegó a aburrirse bastante de este tipo de encargos de la gente común: «los artistas recorrían este camino sin placer», según van Mander.
El otro gran retratista de la época es Frans Hals, cuya famosa pincelada ágil y su habilidad para mostrar a las personas relajadas y alegres añaden interés incluso a los temas menos prometedores. Aunque la pose extremadamente despreocupada del ejemplo de la izquierda es excepcional: «ningún otro retrato de este período es tan informal». Thomas de Keyser, Bartholomeus van der Helst, Ferdinand Bol y otros, incluyendo muchos mencionados más abajo como pintores de historia o de género, hicieron todo lo posible para hacer más interesantes las obras más tradicionales.
A finales de siglo, se puso de moda mostrar a las personas con un traje que era una especie de disfraz, una tendencia que comenzó en Inglaterra con van Dyck en la década de 1630, conocido como traje «pintoresco» o «romano». Las personas de la nobleza o de las milicias civiles se permitían más libertad con ropas brillantes y ambientes lujosos que los burgueses.
Un tipo de cuadro muy particular era el tronie, que mezclaba elementos del retrato, la historia y la escena de la vida diaria. Generalmente, era la representación de medio cuerpo de una sola figura que mostraba una expresión o estado de ánimo inusual. No importaba la identidad real de la persona, pero podían representar una figura histórica o un traje histórico o exótico. Entre los que desarrollaron este género estaban Jan Lievens y Rembrandt, muchos de cuyos autorretratos eran también tronies (especialmente en los grabados).
El retrato de grupo, en gran parte una invención neerlandesa, era muy popular entre las numerosas asociaciones civiles, que eran una parte importante de la vida neerlandesa. Estas incluían las milicias civiles urbanas, los consejeros y directores de gremios y fundaciones de caridad, entre otros. Especialmente en la primera mitad del siglo, los retratos eran muy formales y rígidos en su composición. Los grupos a menudo se sentaban alrededor de una mesa, con cada persona mirando al espectador. Se prestaba mucha atención a los detalles de la ropa y, si era posible, a los muebles y otros símbolos de la posición social de la persona. Más tarde, los grupos se hicieron más animados y los colores más claros.
Los científicos a menudo posaban con instrumentos y objetos de su estudio a su alrededor. Los médicos a veces posaban juntos alrededor de un cuerpo, en lo que se llamaba «Lección de anatomía». La más famosa es la de Rembrandt: Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (1632). Los consejos de administración preferían una imagen de seriedad y humildad, posando con ropa oscura, a menudo sentados alrededor de una mesa y con expresiones solemnes en sus caras. Las familias a menudo se hacían retratar dentro de sus lujosas casas. La mayoría de los retratos de grupo de milicias civiles (en neerlandés: schutterstuk) fueron encargos de Haarlem y Ámsterdam. Aquí, los retratados buscaban mostrar una imagen de poder, estatus o incluso un espíritu festivo. La disposición alrededor de una mesa daría lugar en años posteriores a una composición más dinámica, siendo el ejemplo más destacado la famosa obra de Rembrandt La compañía de milicia del capitán Frans Banning Cocq, más conocida como La ronda de noche (1642).
Escenas de la Vida Cotidiana: Un Vistazo al Día a Día
Junto con la pintura de paisajes, el desarrollo y la enorme popularidad de la pintura de género (escenas de la vida diaria) es la característica más distintiva de la pintura neerlandesa de la época. En muchos casos, se trata de una figura sola, como en La lechera de Vermeer; en otros, se muestran grandes grupos en un evento social. Se distinguían categorías dentro de este género: figuras solas, familias campesinas, escenas de taberna, la «alegre compañía» con personas disfrutando de música y bebida, mujeres trabajando en sus hogares, fiestas en la ciudad o en el pueblo, mercados, establos con caballos o animales de granja, escenas en la nieve, a la luz de la luna, etc. Cada clase tenía un término específico en neerlandés, y no existía un término general para todas estas «escenas de género». Especialmente a partir de 1625, los artistas solían especializarse en uno de estos subgéneros.
Los pintores de Haarlem Willem Pieterszoon Buytewech, Frans Hals y Esaias van de Velde fueron importantes en la primera parte de este periodo. Buytewech pintó «alegres compañías» de jóvenes elegantemente vestidos, cuyo significado moral se insinuaba en los detalles. Van de Velde pintaba fiestas en jardines de casas de campo. Hals fue principalmente retratista, pero al principio de su carrera, también pintó figuras de género. Una estancia en Haarlem del maestro flamenco de escenas campesinas de taberna, Adriaen Brouwer, a partir de 1625 o 1626, le dio a Adriaen van Ostade el tema de su vida, aunque a menudo le daba un enfoque más sentimental. Antes de Brouwer, los campesinos solían representarse al aire libre; él los mostraba normalmente en interiores sencillos y oscuros, aunque los de van Ostade a veces ocupan granjas viejas de gran tamaño. Jan Steen se especializó en escenas animadas que terminaban reflejando una diversión caótica, aunque sus pinturas a menudo parecían ocultar un mensaje moral, haciendo referencia a viejos proverbios y relatos neerlandeses.
Van Ostade pintaba tanto una figura aislada como un grupo, al igual que los caravaggistas de Utrecht en sus obras de género. La figura aislada, o pequeños grupos de dos o tres, se hicieron cada vez más comunes, especialmente aquellos que incluían mujeres y niños. En ellos se especializó la artista más destacada del periodo, Judith Leyster (1609–1660), antes de que su esposo, Jan Miense Molenaer, la llevara a dejar la pintura. La escuela de Leiden de fijnschilder («pintores finos») destacó por sus pinturas con un acabado muy detallado, muchas de esta clase. Destacaron en esta línea Gerard Dou, Gabriël Metsu y Frans van Mieris el Viejo.
Las escenas de género reflejaron la creciente prosperidad de la sociedad neerlandesa. Los ambientes se volvieron progresivamente más cómodos, lujosos y cuidadosamente representados a medida que avanzaba el siglo. Entre los pintores de género que no formaban parte del grupo de Leiden están Nicolaes Maes, Gerard ter Borch y Pieter de Hooch, quien compartía con Jan Vermeer su interés en la luz en escenas de interior. Vermeer, durante mucho tiempo una figura poco conocida, es actualmente el pintor de género más valorado.
Paisajes: La Naturaleza y el Mar Neerlandés
El paisaje fue un género muy importante en el siglo XVII. Se desarrolló un paisaje neerlandés más realista, visto desde el nivel del suelo, y a menudo los cuadros se basaban en dibujos hechos al aire libre. Los horizontes muy bajos permitían destacar las formaciones de nubes, a menudo impresionantes, que son tan típicas del clima de la región y que proyectan una luz muy especial.
El mar era un tema favorito, ya que los Países Bajos dependían de él para el comercio, luchaban contra él para ganar más tierra y también libraban batallas navales contra otras naciones. Además, el interior del país estaba cruzado por ríos y y canales. Por ello, no es de extrañar que el subgénero de la marina fuera enormemente popular, y los artistas neerlandeses lo llevaron a un nuevo nivel.
Los artistas más destacados fueron Jan van Goyen (1596–1656), Salomon van Ruysdael (1602–1670), Pieter de Molyn (1595–1661) y el pintor de marinas Simon de Vlieger (1601–1653). Salomon van Ruysdael se especializó en pequeños cuadros con escenas fluviales. Cuyp realizó escenas del sol poniéndose sobre anchos ríos. Entre los artistas que pintaron escenas marítimas o fluviales en la primera parte del siglo estuvieron Jan Porcellis, Simon de Vlieger y Abraham Storck. Willem van de Velde el viejo y su hijo son los maestros más destacados de décadas posteriores, tendiendo, como ocurría a principios de siglo, a hacer que el barco fuera el centro de interés, mientras que en las décadas anteriores el énfasis se había puesto en el mar y en el clima, en una «fase tonal». Jan van de Cappelle pintó marinas «tranquilas», con el mar en calma. Sus cuadros se caracterizan por la luz del sol que brillaba sobre las aguas, reflejando el amanecer o el atardecer.
A partir de la década de 1650, comenzó la «fase clásica» de los paisajes neerlandeses, que mantenía la cualidad atmosférica, pero con composiciones más expresivas y contrastes más marcados de luz y color. Suelen tener como centro de interés un único «árbol heroico», o un molino o torre, o un barco en las marinas. El artista más destacado fue Jacob Ruysdael (1628–1682), quien produjo una gran cantidad y variedad de obras, usando todos los temas neerlandeses típicos, excepto el paisaje italianizado; en su lugar, creó paisajes «nórdicos» de bosques de pinos oscuros y dramáticos con torrentes y cascadas. Fue alumno suyo Meindert Hobbema (1638–1709), más conocido por su atípica Avenida de Middelharnis (1689), que se aparta de sus usuales escenas de molinos y caminos que cruzan bosques. Otros dos artistas con estilos más personales y con cuadros de mayor tamaño fueron Aelbert Cuyp (1620–1691) y Philips Koninck (1619–1688). Cuyp tomó la luz dorada italiana y la usó en escenas de atardecer con un grupo de figuras en primer plano y detrás de ellas un río y un paisaje amplio. Las mejores obras de Koninck eran vistas panorámicas, desde una colina, sobre amplias granjas llanas, con un cielo enorme.
Hubo un tipo diferente de paisaje producido en esta época, que era el paisaje italianizante romántico, con montañas escarpadas, luz dorada y a veces detalles pintorescos. Destacó en este subgénero Jan Both (fallecido en 1652), que estuvo en Roma y trabajó con Claudio Lorena. De Horatius de Hooch (1652-1686) solo se conocen paisajes italianizantes.
Otro subtipo eran los paisajes con animales en primer plano. Los pintó Cuyp, Paulus Potter (especializado en vacas, 1625–1654), Adriaen van de Velde (1636–1672) y Karel Du Jardin (1626–1678, animales de granja), con Philips Wouwerman que pintaba caballos y jinetes en diversos ambientes. Los animales más representados eran el caballo y la vaca, esta última un símbolo de prosperidad para los neerlandeses.
La arquitectura también fascinó a los neerlandeses, las iglesias en particular. Al principio se siguió la moda del manierismo nórdico de palacios elegantes y vistas urbanas imaginadas. Pero luego fueron más realistas y pintaron el interior y el exterior de edificios reales, aunque no siempre de forma totalmente precisa. Varios artistas se especializaron en interiores de iglesias. Pieter Jansz Saenredam, cuyo padre Jan Saenredam grabó diosas manieristas, pintó iglesias góticas, que para entonces estaban blanqueadas y sin gente. Su énfasis en la luz y la geometría, con poca representación de la textura de las superficies, destaca cuando se le compara con Emanuel de Witte, quien representaba a las personas, los suelos irregulares, los contrastes de luz y el desorden de los muebles que quedaban en las iglesias calvinistas. Gerrit Berckheyde se especializó en vistas poco concurridas de las principales calles y plazas de las ciudades, con los edificios más importantes. Jan van der Heyden prefería escenas más íntimas de las tranquilas calles de Ámsterdam, a menudo con árboles y canales. Eran vistas auténticas, pero no dudaba en ajustarlas para lograr mejores composiciones.
Bodegones: La Belleza de los Objetos Inanimados
El bodegón es un tipo de pintura que ofrece una gran oportunidad para que el pintor muestre su habilidad para reflejar texturas y superficies con gran detalle y efectos de luz realistas. Era un desafío para los pintores representar todo tipo de comida expuesta en una mesa, la plata, los estampados intrincados y los sutiles pliegues de los manteles y las flores.
Se diferenciaba entre banketje («piezas de banquete») y los más sencillos ontbijtjes («piezas de desayuno»). Prácticamente todos los bodegones tenían un mensaje moral, generalmente relacionado con lo corta que es la vida – este tema se conoce como vanitas – implícito cuando no hay un símbolo tan obvio como una calavera, u otro menos obvio como un limón a medio pelar (como la vida, dulce en apariencia pero de sabor amargo). Las flores se marchitan y la comida se pudre, y la plata es inútil para el alma. Sin embargo, el mensaje parece debilitarse en las piezas más elaboradas de la segunda mitad del siglo. Entre los pintores de vanitas destacan David Bailly y sus sobrinos Harmen y Pieter Steenwijck.
Al principio se representaban objetos cotidianos, pero desde mediados del siglo fueron más populares los pronkstilleven («bodegones ostentosos»), con objetos caros y exóticos. Willem Claeszoon Heda (1595–c. 1680) y Willem Kalf (1619–1693) marcaron el cambio hacia el pronkstilleven, mientras que Pieter Claesz. (fallecido en 1660) prefirió pintar simples ontbijt («piezas de desayuno»), o explícitas vanitas. Todos estos pintores usan colores muy apagados, con predominio de los marrones, especialmente a mediados del siglo. Esto es menos cierto en las obras de Jan Davidszoon de Heem (1606–1684), una figura importante que trabajó cerca de la frontera en Amberes. Sus obras se extendían por los lados, formando amplias imágenes alargadas, inusuales en el norte, aunque Heda a veces pintó composiciones verticales más altas.
Las pinturas de flores formaron un subgrupo con sus propios especialistas. Entre ellos estuvo Jan van Huysum e incluso ocasionalmente fue una especialidad de las pocas mujeres artistas, como Maria van Oosterwyck y Rachel Ruysch; los neerlandeses también fueron líderes en dibujos, grabados e ilustraciones botánicas y de carácter científico. A pesar del intenso realismo de las flores individuales, las pinturas se componían a partir de estudios individuales o incluso ilustraciones de libros, y rutinariamente se incluían en la misma composición flores de estaciones muy diferentes. También se repiten las mismas flores, al igual que las mismas vajillas, en diferentes obras. Y no eran realistas, en el sentido de que los ramos de flores en jarrones no eran en realidad comunes en las casas de la época.
La Fama de la Pintura Neerlandesa a Través del Tiempo
El enorme éxito de la pintura neerlandesa del siglo XVII hizo que ningún pintor neerlandés de los doscientos años siguientes fuera conocido fuera de los Países Bajos. Incluso en el propio siglo XVII, al final, los artistas vivos se quejaban de que el público estaba más interesado en los maestros ya fallecidos.
Aunque solo sea por las enormes cantidades producidas, la pintura barroca neerlandesa siempre ha sido una parte importante de las colecciones de pintura de los Antiguos Maestros. Sin embargo, su reputación ha cambiado a lo largo del tiempo, excepto por la constante admiración hacia Rembrandt. Otros artistas han sufrido cambios drásticos en el precio y en la valoración de los críticos. Al final del periodo, algunos fijnschilders activos en Leiden gozaron de gran reputación, pero desde mediados del siglo XIX se valoran más las obras realistas. Vermeer fue rescatado de la casi total oscuridad en el siglo XIX, cuando varias de sus obras se atribuían a otros; pero el hecho de que tantas de sus obras ya estuvieran en las grandes colecciones, a menudo atribuidas a otros artistas, demuestra que se reconocía la calidad de las pinturas individualmente consideradas, aunque se ignorara su obra en conjunto.
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En la segunda mitad del siglo XVIII, el realismo de la pintura neerlandesa era un «gusto Whig» en Inglaterra (una facción política) y en Francia se relacionaba con el racionalismo de la Ilustración y las ideas de reforma política. En el siglo XIX, con un respeto casi universal por el realismo y el fin de la jerarquía de los géneros, los pintores de la época comenzaron a tomar prestado de los pintores de género tanto su realismo como su uso de objetos con fines narrativos, y pintaron temas similares ellos mismos, cultivando todos los géneros en los que los neerlandeses habían sido pioneros.
En el género paisajístico, los artistas italianizantes fueron los más influyentes y valorados en el siglo XVIII, pero John Constable estuvo entre aquellos románticos que los criticaban por su artificialidad, y preferían a los artistas tonales y clásicos. De hecho, ambos grupos siguieron siendo influyentes y populares en el siglo XIX.
Galería de imágenes
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Johannes Vermeer, La lechera (1658-1660).
Véase también
En inglés: Dutch Golden Age painting Facts for Kids
