Edvard Munch para niños

Edvard Munch (se pronuncia Ed-vard Munk; Løten, 12 de diciembre de 1863 - Oslo, 23 de enero de 1944) fue un pintor y grabador de Noruega. Sus obras, que mostraban emociones intensas, tuvieron una gran influencia en el expresionismo alemán a principios del siglo XX.

Munch decía que, así como Leonardo da Vinci estudiaba el cuerpo humano, él intentaba explorar las emociones y el alma de las personas. Por eso, sus pinturas a menudo trataban sobre sentimientos y momentos difíciles de la vida, como la soledad (en su obra Melancolía), la angustia (en El grito) y la muerte (en Muerte de un bohemio). Se le considera un pionero del expresionismo, un estilo artístico que busca expresar sentimientos fuertes a través de la pintura. Es reconocido como el pintor noruego más importante de todos los tiempos.

Desde joven, en la década de 1880, Munch buscó expresar sus sentimientos en su arte. Esto fue diferente al estilo naturalista de la época, que se enfocaba en lo que se veía por fuera. Munch se adelantó a un cambio en el arte hacia temas más personales y psicológicos. La angustia, la muerte, el amor, los celos y la tristeza se volvieron muy importantes en sus obras.

Para mostrar los "estados más profundos del alma", Munch desarrolló su propio estilo. Necesitaba una forma de expresión diferente al naturalismo para pintar sentimientos fuertes y delicados. En sus obras, la realidad interior y exterior se mezclan en grandes áreas de color con contornos claros.

El grito, pintado en 1893, es una de sus obras más famosas. La idea para esta pintura surgió poco a poco. En 1892, Munch escribió:

Iba por la calle con dos amigos cuando el sol se puso. De repente, el cielo se tornó rojo sangre y percibí un estremecimiento de tristeza. Un dolor desgarrador en el pecho. Me detuve; me apoyé en la barandilla, preso de una fatiga mortal. Lenguas de fuego como sangre cubrían el fiordo negro y azulado y la ciudad. Mis amigos siguieron andando y yo me quedé allí, temblando de miedo. Y oí que un grito interminable atravesaba la naturaleza.

Infancia y primeros años

Edvard Munch nació el 12 de diciembre de 1863 en Løten, Noruega. Su padre era Christian Munch, un médico militar, y su madre era Laura Cathrine. Tuvo una infancia difícil: su madre y su hermana mayor fallecieron de tuberculosis cuando él era muy joven. Su padre, que tenía pocos recursos económicos y creencias religiosas muy estrictas, también falleció en 1889. Estas experiencias difíciles moldearon su personalidad y, según él, fueron la base de su talento.

Su padre, Christian, se casó con Laura en 1861. Edvard tenía una hermana mayor, Johanne Sophie, y tres hermanos menores: Peter Andreas, Laura Catherine e Inger Marie. Laura, su madre, tenía talento artístico y pudo haber animado a Edvard y Sophie. Edvard estaba relacionado con el pintor Jacob Munch y el historiador Peter Andreas Munch.

La familia se mudó a Christiania (hoy Oslo) en 1864. La madre de Edvard falleció de tuberculosis en 1868, y su hermana favorita, Johanne Sophie, en 1877. Después de la muerte de su madre, los hermanos Munch fueron criados por su padre y su tía Karen. Edvard a menudo estaba enfermo durante los inviernos y no podía ir a la escuela, así que dibujaba para entretenerse. Sus compañeros de escuela y su tía le enseñaron. Christian Munch también le enseñó historia y literatura, y les contaba a los niños historias de fantasmas y cuentos de Edgar Allan Poe.

Edvard recordaba que el cariño de su padre hacia sus hijos estaba mezclado con sus creencias religiosas muy estrictas y a veces tristes. Munch escribió: "Mi padre era nervioso y obsesivamente religioso, hasta el punto de tener problemas de salud mental. De él heredé las semillas de la angustia. Los ángeles del miedo, el dolor y la muerte estuvieron a mi lado desde el día en que nací". Christian regañaba a sus hijos diciéndoles que su madre los observaba desde el Cielo y se entristecía por su mal comportamiento. Este ambiente religioso, la mala salud de Edvard y las vívidas historias de fantasmas inspiraron sus visiones y pesadillas; el niño sentía que la muerte se acercaba constantemente. A una de las hermanas menores de Munch, Laura, le diagnosticaron problemas de salud mental a una edad temprana. De los cinco hermanos, solo Andreas se casó, pero falleció unos meses después de la boda. Munch escribiría más tarde: "Heredé dos de los enemigos más temibles de la humanidad: la herencia de la tuberculosis y los problemas de salud mental".

El sueldo militar de Christian Munch era muy bajo, y sus intentos de tener una consulta privada no tuvieron éxito, lo que mantuvo a su familia en la pobreza. Se mudaban a menudo de un piso barato a otro. Los primeros dibujos y acuarelas de Munch mostraban estos interiores y objetos cotidianos, como frascos de medicinas e instrumentos de dibujo, además de algunos paisajes. En su adolescencia, el arte ya era el principal interés de Munch. A los 13 años, Munch fue a su primera exposición de arte, donde admiró el trabajo de la escuela de paisaje noruega. Volvió para copiar las pinturas y pronto comenzó a pintar al óleo.

Estudios e influencias artísticas

En 1879, Munch se inscribió en una escuela técnica para estudiar ingeniería, donde destacó en física, química y matemáticas. Aprendió a dibujar a escala y en perspectiva, pero sus frecuentes enfermedades interrumpieron sus estudios. Al año siguiente, para gran decepción de su padre, Munch dejó la universidad decidido a convertirse en pintor. Su padre veía el arte como un "oficio sin futuro", y sus vecinos reaccionaron con cartas anónimas. A diferencia de las estrictas creencias de su padre, Munch adoptó una visión más libre del arte. Escribió en su diario: "En mi arte intento explicarme la vida y su significado".

En 1881, Munch se matriculó en la Real Escuela de Arte y Diseño de Kristiania. Sus maestros fueron el escultor Julius Middelthun y el pintor naturalista Christian Krohg. Ese año, Munch demostró su rápido aprendizaje en la academia con sus primeros retratos, incluyendo uno de su padre y su primer autorretrato. En 1883, Munch participó en su primera exposición pública y compartió un estudio con otros estudiantes. Su retrato de cuerpo entero de Karl Jensen-Hjell, un bohemio conocido de la ciudad, recibió una crítica negativa: "Es impresionismo llevado al extremo. Es una parodia del arte". Las pinturas de figuras humanas de Munch de este período solo se conservan en bocetos, excepto Figura de pie (1887). Es posible que su padre las haya confiscado.

Autorretrato con brazo esquelético, 1895, Museo Munch, Oslo.

Desde muy joven, Munch fue influenciado por artistas impresionistas como Édouard Manet y más tarde por artistas postimpresionistas como Vincent van Gogh y Paul Gauguin. Durante estos primeros años, experimentó con muchos estilos, incluyendo el naturalismo y el impresionismo. Algunas de sus primeras obras recuerdan a Manet. Muchos de estos intentos le valieron críticas desfavorables de la prensa y constantes reproches de su padre, quien, sin embargo, le daba pequeñas sumas para sus gastos. En una ocasión, el padre de Munch, quizás influenciado por la opinión negativa de su primo Edvard Diriks (un pintor tradicional), destruyó al menos una pintura (probablemente una figura humana) y se negó a darle más dinero para materiales de arte.

Munch también sufrió la desaprobación de su padre por su amistad con Hans Jæger, un escritor que tenía ideas muy particulares sobre la libertad. Munch escribió: "Mis ideas se desarrollaron bajo la influencia de los bohemios o más bien bajo la influencia de Hans Jæger. Mucha gente ha afirmado erróneamente que mis ideas se formaron bajo la influencia de Strindberg y los alemanes... pero eso es incorrecto. Ya se habían formado para entonces". En ese momento, a diferencia de muchos de los otros bohemios, Munch todavía era respetuoso con las mujeres, además de reservado y de buenos modales, pero comenzó a ceder ante el consumo excesivo de bebidas alcohólicas y las discusiones de su círculo. Se sentía inquieto por los cambios sociales de la época y por las mujeres independientes que lo rodeaban. Más tarde, se volvió más escéptico en temas de relaciones, expresándolo no solo en su comportamiento y su arte, sino también en sus escritos, como un largo poema llamado La ciudad del ... libre. Aún dependiendo de su familia para muchas de sus comidas, la relación de Munch con su padre se mantuvo tensa por las preocupaciones sobre su estilo de vida.

Después de muchos experimentos, Munch llegó a la conclusión de que el estilo impresionista no le permitía expresarse lo suficiente. Lo encontraba superficial y demasiado parecido a la experimentación científica. Sintió la necesidad de profundizar y explorar situaciones llenas de emoción y energía. Siguiendo el consejo de Jæger de que Munch debería "escribir su vida", lo que significaba que Munch debía explorar su propio estado emocional y psicológico, el joven artista comenzó un período de reflexión y autoexamen, registrando sus pensamientos en su "diario del alma". Esta perspectiva más profunda lo ayudó a tener una nueva visión de su arte. Escribió que su pintura La niña enferma (1886), basada en la muerte de su hermana, fue su primera "pintura del alma", su primera ruptura con el impresionismo. La pintura recibió una respuesta negativa de los críticos y de su familia, y provocó otra "explosión de indignación moral" en la comunidad.

Solo su amigo Christian Krohg lo defendió:

Pinta, o más bien mira, las cosas de una manera diferente a la de otros artistas. Ve sólo lo esencial, y eso, naturalmente, es todo lo que pinta. Por esta razón, las imágenes de Munch son, por regla general, "incompletas", como la gente está encantada de descubrir por sí misma. Ah, sí, están completos. Su obra completa. El arte está completo una vez que el artista realmente ha dicho todo lo que tenía en mente, y esta es precisamente la ventaja que tiene Munch sobre los pintores de la otra generación, que realmente sabe cómo mostrarnos lo que ha sentido y lo que lo ha cautivado. y a esto subordina todo lo demás.

Munch continuó usando una variedad de técnicas de pinceladas y colores durante la década de 1880 y principios de la de 1890, mientras luchaba por definir su estilo. Su forma de pintar seguía cambiando entre el posimpresionista, como se ve en Retrato de Hans Jæger, y el impresionista, como en la Rue Lafayette. Su Inger en la playa (1889), que causó otra ola de confusión y controversia, muestra las formas simplificadas, los contornos marcados, los contrastes fuertes y el contenido emocional de su estilo maduro que estaba por venir. Comenzó a planificar cuidadosamente sus composiciones para crear tensión y emoción. Aunque influenciado por los postimpresionistas en el estilo, lo que desarrolló fue un tema con contenido simbolista, que representaba un estado mental en lugar de una realidad externa. En 1889, Munch presentó su primera exposición individual con casi todas sus obras hasta la fecha. El reconocimiento que recibió le valió una beca estatal de dos años para estudiar en París con el pintor francés Léon Bonnat.

Munch parece haber sido uno de los primeros en criticar la fotografía como forma de arte, y comentó que "nunca competirá con el pincel y la paleta, ¡hasta el momento en que se puedan tomar fotografías en el cielo o en el infierno!"

La hermana menor de Munch, Laura, fue el tema de su Melancolía interior de 1899. Amanda O'Neill dice sobre la obra: "En esta escena intensa y claustrofóbica, Munch no solo retrata la tristeza de Laura, sino también su propio temor a los problemas de salud mental que podría haber heredado".

Edvard Munch, Rue Lafayette (1891).

En 1885 hizo el primero de sus muchos viajes a París, donde conoció los movimientos pictóricos más avanzados y se sintió especialmente atraído por el arte de Gauguin. Allí visitó el Salón y el Louvre, que le impresionaron mucho. Ese mismo año participó en la Feria Mundial de Amberes. Después de una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista, comenzó a pintar tres de sus obras más importantes: El día siguiente, Pubertad y La niña enferma, la cual causó un escándalo en la Exposición de Otoño de Oslo en 1886.

Pronto creó un estilo muy personal, que se basaba en resaltar la fuerza expresiva de la línea, simplificar las formas y usar el color de manera simbólica, no realista. Por eso se le clasifica como pintor simbolista. En su primera exposición individual con 110 cuadros en Oslo, una parte del público lo aplaudió con entusiasmo.

Estancia en París

Munch llegó a París durante las celebraciones de la Exposición Universal (1889) y se alojó con dos compañeros artistas noruegos. Su cuadro Mañana (1884) se exhibió en el pabellón noruego. Pasaba las mañanas en el concurrido estudio de Bonnat (que incluía modelos femeninas) y las tardes en la exposición, las galerías y los museos (donde se esperaba que los estudiantes hicieran copias para aprender técnicas y observar). Munch no mostró mucho entusiasmo por las lecciones de dibujo de Bonnat: "Me cansa y me aburre, me adormece", pero disfrutó de los comentarios del maestro durante las visitas al museo.

Munch quedó fascinado por la gran muestra de arte europeo moderno, incluyendo obras de tres artistas que serían influyentes para él: Paul Gauguin, Vincent van Gogh y Henri de Toulouse-Lautrec, todos conocidos por cómo usaban el color para transmitir emociones. Munch se inspiró especialmente en la "reacción contra el realismo" de Gauguin y su creencia de que "el arte era obra humana y no una imitación de la naturaleza", una idea que ya había expresado Whistler. Como dijo más tarde uno de sus amigos de Berlín sobre Munch, "él no necesita ir a Tahití para ver y experimentar lo primitivo de la naturaleza humana. Lleva su propio Tahití dentro de él". Influenciado por Gauguin, así como por los grabados del artista alemán Max Klinger, Munch experimentó con grabados como una forma de crear versiones gráficas de sus obras. En 1896 creó sus primeros grabados en madera, una técnica que resultó ideal para las imágenes simbólicas de Munch. Junto con su contemporáneo Nikolai Astrup, Munch es considerado un innovador en el grabado en madera en Noruega.

En diciembre de 1889, su padre falleció, dejando a la familia de Munch en una situación económica difícil. Regresó a casa y consiguió un gran préstamo de un rico coleccionista noruego, ya que sus parientes adinerados no lo ayudaron, y asumió la responsabilidad económica de su familia desde ese momento. La muerte de Christian lo deprimió y tuvo momentos de gran tristeza: "Vivo con los muertos: mi madre, mi hermana, mi abuelo, mi padre... ¿Por qué vivir?" Las pinturas de Munch del año siguiente incluyeron escenas de tabernas sin terminar y una serie de paisajes urbanos brillantes en los que experimentó con el estilo puntillista de Georges Seurat.

En 1890, la influencia del postimpresionismo en sus obras fue muy notable. Ese mismo año recibió su segunda beca estatal. Un año más tarde, comenzó a desarrollar los temas del Friso de la vida, un ciclo de pinturas que incluye muchas de sus obras más conocidas y que, en conjunto, buscan dar una visión unificada de la vida. En este ciclo, Munch plasmó ampliamente sus recuerdos personales, incluyendo la dolorosa pérdida de su madre, Laura Munch, y de su hermana favorita, Sophie.

En 1892, Munch desarrolló su estilo característico y original, como se ve en Melancolía (1891), donde el color está lleno de símbolos. Considerada por el artista y periodista Christian Krohg como la primera pintura simbolista de un artista noruego, Melancolía se expuso en 1891 en la Exposición de Otoño de Oslo.

El "Caso Munch"

En 1892, Adelsteen Normann, en nombre de la Unión de Artistas de Berlín, invitó a Munch a exponer en su muestra de noviembre, la primera exposición individual de la sociedad. Sin embargo, sus pinturas causaron una fuerte controversia (conocida como "El caso Munch") y, después de una semana, la exposición cerró. Munch estaba contento con la "gran conmoción" y escribió en una carta: "Nunca había pasado un momento tan divertido; es increíble que algo tan inocente como la pintura haya creado tal revuelo".

"Para el joven Munch, que no era muy bien recibido en casa, esta invitación de Berlín fue un honor y un estímulo", escribió Jens Thiis, quien más tarde se convirtió en director de la Galería Nacional de Noruega en Oslo. La exposición se anunció como "Cuadros en la línea de Ibsen", y debía durar 14 días, del 5 al 19 de noviembre. El espacio de exhibición era el recién renovado Salón de Honor en la rotonda de la planta baja del “Architektenhaus” en la Wilhelmstraße. La Asociación de Arquitectos de Berlín organizaba regularmente exposiciones especiales allí. El edificio de la asociación de arquitectos, construido por Wilhelm Böckmann en 1876-77, fue demolido en 1934.

Munch llevó un total de 55 pinturas a Berlín, "que mostraban su desarrollo artístico desde la década de 1880, un desarrollo que comenzaba con el realismo radical y presentaba después la influencia del impresionismo francés y el posimpresionismo en las pinturas más recientes". Reinhold Heller escribió al respecto: “Las características de los últimos movimientos artísticos parisinos de vanguardia se pueden ver en estas obras, que en su radicalismo superan fácilmente todo lo producido por los artistas berlineses más progresistas, como Max Liebermann y los otros miembros del recién fundado Grupo de los XI. Obras que la crítica también consideró "tan inusual a nuestros ojos que a primera vista uno difícilmente puede orientarse en este colorido juego de manchas de color violeta y verde."

August Strindberg por Edvard Munch

Junto a las pinturas de Munch de su fase impresionista, como la Rue Lafayette, estaban otras como El día después (1895), la vista de una mujer joven después de una noche de copas. Estas obras no causaron indignación por sus temas, sino por su estilo de pintura. Al aplicar y raspar repetidamente la pintura, Munch trató de hacer visible el malestar físico y el agotamiento de una persona.

El título "Cuadros en la línea de Ibsen" sugería nuevas representaciones de paisajes noruegos como montañas y fiordos, con los que pintores como Hans Dahl y Adelsteen Normann tenían éxito comercial en ese momento; Pero pronto quedó claro para todos los artistas de Berlín y los visitantes de la exposición que “Munch no era un pintor dócil de estados de ánimo, sino, como lo expresó el Illustrirte Zeitung,"uno de los impresionistas modernos más atrevidos, cuyo arte se burla de todas las tradiciones de los movimientos más antiguos.“ En el Kunstchronik, el suplemento de la Revista de bellas artes, el historiador del arte y publicista Adolf Rosenberg explicó:

“Lo que el noruego había logrado en términos de informe, de brutalidad de la pintura, crudeza y mezquindad de sentimiento eclipsa todos los pecados de los impresionistas franceses y escoceses."

Poco después de su inauguración, Munch escribió a su familia: "Sí, la exposición ya está abierta, y es un escándalo colosal, porque aquí hay una masa de miserables pintores ancianos que están furiosos por la nueva dirección del arte. - Los periódicos se quejan terriblemente - pero en algunos me han elogiado. – Pero a todos los jóvenes les gustan mucho mis pinturas. Resulta curioso el rechazo provocado por las obras de Munch, que anticipaban el expresionismo, en la ciudad que pocos años después acogería a los mayores representantes de ese estilo.

Las obras de Munch sorprendieron a la parte más tradicional de la asociación. El escultor Max Kruse escribió sobre los hechos del 5 de noviembre de 1892: "Habíamos invitado a Edvard Munch a una exposición. Pero no teníamos idea de la explosión de indignación, sí de ira, entre los viejos caballeros.” En el “Freien Bühne”, Walter Selber escribió con intención irónica: “¡Eso debería ser arte! ¡Oh miseria, miseria! ¡Era diferente de cómo lo pintamos, era nuevo, extraño, repulsivo, feo, malvado! ¡Fuera las pinturas, fuera, fuera! El pintor impresionista Walter Leistikow se escondió detrás del seudónimo.

Surgió una animada discusión tanto en la prensa alemana como en la Asociación de Artistas de Berlín sobre "si un 'impresionista' que niega la tradición tiene derecho a exponer en el club, o si su obra es un 'insulto a todos esos artistas honestamente esforzados a los que [. . . ] se roba la luz y el espacio, por lo «que uno tendría derecho a cerrar la exposición para no insultar más al público.

Poco después de ver la exposición, los directivos de la asociación regresaron corriendo a la sala de reuniones y "Anton von Werner declaró que la exposición era una burla al arte, llena de falta de respeto y mezquindad, y la cerró". Pero Werner no tenía el poder de cerrar la exposición de Munch inmediatamente después de su inauguración. Hubo resistencia a esto dentro de la asociación, especialmente entre los miembros más jóvenes. “Sin embargo, no tanto, porque la gente estuviera entusiasmada con Munch. Se trataba de la libertad de cada artista para seguir sus propios caminos, incluso los no convencionales. Los estatutos se oponían a la clausura inmediata por lo que se convocó a asamblea general extraordinaria.

En esa asamblea general “tumultuosa”, 23 artistas, entre ellos Hermann Eschke, Wilhelm Streckfuss, Emil Hundrieser y Louis Douzette, exigieron que la rotonda se cerrara de inmediato y “por respeto a los esfuerzos artísticos honestos en el deseo ciertamente justificado de Asociación de Artes de Berlín y de la sospecha de que era indigna"

Una moción contraria presentada por 30 artistas, liderados por Karl Breitbach, Karl Köpping, Otto Brausewetter y August von Heyden, exigía que la exposición fuera reemplazada por otra. Werner, que no había votado como presidente de la reunión, logró imponerse en la votación. Con 120 votos contra 105, se aceptó la moción del grupo de Hermann Eschke y se decidió cerrar la exposición. Así, las obras de Munch fueron retiradas a los pocos días.

Época de Berlín

Aunque vivió en Alemania varios años desde 1892, sobre todo en Berlín, hizo frecuentes viajes a Noruega y París, donde realizó numerosas exposiciones como la de Berlín. En 1893, se relacionó con el grupo de artistas del «Cochinillo negro»(Zum schwarzen Ferkel), un lugar frecuentado por los artistas de la época. Ese mismo año pintó El grito, una de sus obras más importantes. En Berlín, Munch se unió a un círculo internacional de escritores, artistas y críticos, incluido el dramaturgo sueco y destacado intelectual August Strindberg, a quien pintó en 1892. También conoció al escritor y pintor danés Holger Drachmann, a quien pintó en 1898. Drachmann era 17 años mayor que Munch y uno de sus compañeros en la taberna del Cochinillo Negro (Zum schwarzen Ferkel) entre 1893 y 1894. En 1894, Drachmann escribió sobre Munch: "Lucha mucho. Buena suerte con tus luchas, noruego solitario".

Durante sus cuatro años en Berlín, Munch esbozó la mayoría de las ideas que formarían su obra principal, El friso de la vida, diseñada inicialmente para ilustraciones de libros pero luego expresada en pinturas. Vendió poco, pero obtuvo algunos ingresos cobrando entradas para ver sus controvertidas pinturas. Munch ya mostraba renuencia a desprenderse de sus pinturas, a las que llamaba sus "hijos".

Sus otras pinturas, incluidas las escenas de casino, muestran una simplificación de formas y detalles que marcaron su estilo maduro temprano. Munch también comenzó a preferir un espacio pictórico poco profundo y un fondo mínimo para sus figuras frontales. Dado que las poses se elegían para producir las imágenes más convincentes de estados mentales y condiciones psicológicas, como en Cenizas, las figuras tienen una calidad monumental y estática. Las figuras de Munch parecen representar papeles en el escenario de un teatro (Muerte en la habitación del enfermo), cuya pantomima de posturas fijas significa diversas emociones; dado que cada personaje encarna una sola dimensión psicológica, como en El Grito, los hombres y mujeres de Munch comenzaron a parecer más simbólicos que realistas. Escribió: "Ya no deberían pintarse los interiores, la gente leyendo y las mujeres tejiendo: habría que pintar gente viva, respirando y sintiendo, sufriendo y amando".

Entre 1894 y 1897, creó sus primeros grabados mientras continuaba realizando exposiciones en Estocolmo, Berlín y Oslo, una de sus exposiciones más exitosas. Con el estudio de Toulouse-Lautrec, Bonnard y Vuillard, creó una serie de bocetos utilizando una técnica que puede considerarse un invento común de ambos, como eran los bocetos de óleo sobre papel o sobre tableros unidos con cola en los que no se trabajaba el fondo.

El grito

Artículo principal: El grito

El grito (1893), óleo, temple y pastel sobre cartón, 91 x 74 cm, Galería Nacional de Oslo.

El grito existe en cuatro versiones: dos pasteles (1893 y 1895) y dos pinturas (1893 y 1910). También hay varias litografías de El grito (1895 y posteriores).

El pastel de 1895 se vendió en una subasta el 2 de mayo de 2012 por 119.922.500 USD, incluyendo la comisión de venta. Es la versión más colorida y se distingue por la postura de una de sus figuras de fondo, que mira hacia abajo. También es la única versión que no está en un museo noruego.

La versión de 1893 fue robada de la Galería Nacional de Oslo en 1994 y luego recuperada. La pintura de 1910 fue robada en 2004 del Museo Munch de Oslo, pero se recuperó en 2006 con daños limitados.

El grito es la obra más famosa de Munch y una de las pinturas más reconocibles de toda la historia del arte. Se ha interpretado ampliamente que representa la ansiedad universal del ser humano moderno. Pintada con amplias franjas de color intenso y formas muy simplificadas, y usando un punto de vista alto, reduce la figura angustiada a un cráneo vestido en medio de una crisis emocional.

Con esta pintura, Munch cumplió su objetivo declarado "del estudio del alma, es decir, el estudio de mí mismo". Más tarde describió la angustia personal detrás de la pintura: "durante varios años estuve casi con problemas de salud mental… ¿Conoces mi cuadro, 'El Grito?' Estaba tensionado al límite: la naturaleza gritaba en mi sangre... Después de eso, perdí la esperanza de poder volver a amar".

En 2003, al comparar la pintura con otras grandes obras, la historiadora del arte Martha Tedeschi escribió:

"La madre de Whistler, el Gótico americano de Wood, la Mona Lisa de Leonardo da Vinci y El grito de Edvard Munch han logrado algo que la mayoría de las pinturas, sin importar su importancia histórica, belleza o valor, no han logrado: comunican un significado específico casi de inmediato a cada espectador. Estas pocas obras han pasado con éxito del ámbito de los visitantes de museos a la cultura popular."

El Friso de la vida: un poema sobre la vida, el amor y la muerte

De aquí hay un paso hacia el estilo completamente nuevo que Munch desarrollaría en el Friso de la vida, donde destacarían cuadros como Pubertad, que refleja por primera vez una conexión entre el miedo y el desarrollo; Melancolía, una serie sobre la plenitud y el final del amor, al igual que Celos. Munch terminó estos ciclos del Friso de la vida en el año 1900 y comenzó a exponerlos en 1902 y en 1905 en Praga, intentando plasmar un terreno más tradicional. Los retratos, paisajes y pinturas de estudio le preocupaban cada vez más. El Friso de la vida es una colección de obras clave del pintor noruego Edvard Munch, la mayoría pintadas en la década de 1890. Munch describió el friso como una "poesía sobre la vida, el amor y la muerte", con lo que también nombró los temas centrales de su obra. El friso de la vida no incluye un número de obras claramente definido. Munch pintó muchos motivos varias veces y las imágenes resultantes no se pueden combinar en un ciclo uniforme en términos de tamaño, forma y motivo. Más bien, el término, que no se estableció hasta 1918, es un título para varias combinaciones de imágenes que hizo Munch a partir de 1893. Con el tiempo, los motivos se expandieron desde el tema original del amor a todos los aspectos de la vida humana.

Estudio para una serie "Amor"

En un texto de 1918, en el que acuñó por primera vez el término Lebensfrieze para la compilación de sus obras centrales, Munch afirmó que las primeras notas sobre la idea de tal ciclo pictórico se remontan a la década de 1880. Primero expuso su friso en 1892 en Kristiania, ahora Oslo. Sin embargo, estas declaraciones no pueden probarse. La primera compilación comprobada de seis pinturas bajo el título de Estudio para una serie "Amor" tuvo lugar en diciembre de 1893 en Berlín en un espacio de exposición alquilado en Unter den Linden. Eran La Voz, El Beso, Vampiro, Madonna, Melancolía y El Grito. Según Hans Dieter Huber, el orden de las imágenes cuenta una historia de amor, desde la atracción de las personas en una noche de verano, un beso y el robo de las energías del hombre, hasta el resplandor de la mujer en plena floración y el hundimiento del hombre en la melancolía hasta el miedo final de la vida.

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  La voz (1893), Museo de Bellas Artes de Boston.

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  El beso (1892), Galería Nacional de Noruega, Oslo.

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  Vampiro (1893), Kunstmuseum, Gotemburgo.

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  Melancolía (1892), Norwegische Nationalgalerie, Oslo.

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  El grito (1893), temple y pastel sobre cartulina, Norwegische Nationalgalerie, Oslo.

Estudios sobre un estado de ánimo "Amor"

En octubre de 1894, la exposición individual más grande de Edvard Munch hasta la fecha tuvo lugar en la Sociedad de Arte de Estocolmo. Presentó sus obras en un total de cinco secciones, la última de las cuales se tituló Estudios sobre un estado de ánimo Serie "Amor" . En ella exhibió 14 pinturas y una viñeta basada en el motivo de la melancolía, que Munch había diseñado para la colección de poemas Alruner de su amigo Emanuel Goldstein. Deja que la historia de amor comience en la naturaleza y todavía termina con el Grito. Algunos motivos se duplican y, por lo tanto, varían para el espectador, lo que rompe con la linealidad de la narrativa pictórica. Las novedades de la serie son La mujer en tres etapas, Cenizas, Metabolismo, Manos, Noche estrellada, La niña y la muerte, Ojo a ojo y Ansiedad.

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  Cenizas (1895), Galería Nacional de Noruega, Oslo.

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  Noche estrellada (1893), Museo J. Paul Getty, Los Ángeles.

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  Ansiedad (1894), Museo Munch de Oslo.

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  Desapego (1896), Museo Munch de Oslo.

En marzo de 1895, en otra exposición en Berlín, el ciclo existe bajo el título Serie: Amor (1-14) hay 14 pinturas. El orden ahora es: Misticismo de playa, Voz, Beso, Vampiro, dos versiones de Madonna, La mujer en tres etapas, Desprendimiento, Manos, dos versiones de Melancolía seguidas de Desesperación y Llorar.

Representación de una serie de imágenes de la vida

La palabra "friso" en lugar de "serie" fue utilizada por Munch por primera vez en 1902 en la quinta exposición de la Secesión de Berlín, donde se tituló Friso (en la sala de esculturas). representación de una serie de cuadros de la vida, toda una sala se puso a disposición de sus cuadros. En correspondencia con las cuatro paredes de la sala, Munch dividió un total de 22 obras en cuatro secciones:

1. El comienzo del amor: Noche estrellada, Rojo y blanco, Ojo a ojo, Baile en la playa, El beso, Madonna.
2. El amor en su esplendor y su fin: Cenizas, Vampiro, La danza de la vida, Celos, La mujer en tres etapas, Melancolía.
3. Miedo a la vida: Miedo, Tarde en la puerta de Karl Johan, Vino tinto salvaje, Gólgota, El grito
4. La muerte: En el lecho de muerte, Muerte en la habitación del enfermo, Olor a cadáver, Metabolismo, El niño y la muerte.

Según Hans Dieter Huber, la secuencia aún sugiere una narrativa lineal que va desde el primer encuentro del hombre y la mujer, el florecimiento y desvanecimiento de su amor hasta el miedo, la desesperación, la enfermedad y la muerte. Solo con el motivo bíblico hombre y mujer/metabolismo Munch comenzó a describir la vida como un ciclo. La exposición de 1902 fue la última presentación conjunta importante del friso durante la vida de Munch antes de que la colección se dispersara y vendiera.

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  Rojo y blanco (1899–1900), Munch-Museum Oslo.

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  Baile en la playa (1899–1900), Nationalgalerie Prag.

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  La danza de la vida (1899–1900), Norwegische Nationalgalerie, Oslo.

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  Celos (1895), Kunstmuseum Bergen.

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  Tarde en Karl Johan (1892), Kunstmuseum Bergen

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  Vino tinto salvaje (1898–1900), Munch-Museum Oslo.

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  Gólgota (1900), Munch-Museum Oslo

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  En el lecho de muerte (1895), Kunstmuseum Bergen.

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  Muerte en la habitación de la enferma (1893), Norwegische Nationalgalerie, Oslo.

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  El olor del cadáver (1895), Munch-Museum Oslo.

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  El niño y la muerte (1899), Kunsthalle Bremen.

Munch a menudo usa sombras y anillos de color alrededor de sus figuras para enfatizar una sensación de miedo, amenaza, ansiedad o intensidad. Estas pinturas han sido interpretadas como reflejos de las inquietudes del artista, aunque también se podría decir que representan su relación complicada con el amor y su visión general de la vida. Muchos de estos bocetos y pinturas se hicieron en varias versiones, como Madonna, Manos y Pubertad, y también se transformaron en grabados en madera y litografías. A Munch no le gustaba separarse de sus pinturas porque consideraba su obra como un todo. Así que, para aprovechar su producción y obtener ingresos, recurrió a las artes gráficas para reproducir muchas de sus pinturas, incluidas las de esta serie. Munch reconoció los objetivos personales de su obra, pero también ofreció su arte con un propósito más amplio: "Mi arte es realmente una confesión voluntaria y un intento de explicarme a mí mismo mi relación con la vida; por lo tanto, es en realidad una especie de egoísmo, pero tengo la esperanza constante de que a través de esto pueda ayudar a otros a lograr más claridad".

Aunque al principio recibió reacciones muy negativas, en la década de 1890, Munch comenzó a ser comprendido en sus objetivos artísticos, como escribió un crítico: "Con un desprecio despiadado por la forma, la claridad, la elegancia, la totalidad y el realismo, pinta con la fuerza intuitiva del talento visiones sutiles del alma.” Uno de sus grandes partidarios en Berlín fue Walther Rathenau, más tarde ministro alemán de Relaciones Exteriores, quien contribuyó fuertemente a su éxito.

París, Berlín y Kristiania

Edvard Munch - La niña enferma (1907) - Tate Modern

En 1896, Munch se mudó a París, donde se centró en las representaciones gráficas de sus temas del Friso de la vida. Desarrolló aún más su técnica de la xilografía y la litografía. El Autorretrato con brazo esquelético de Munch (1895) está hecho con un método de grabado con aguja y tinta que también usó Paul Klee. Munch también produjo versiones multicolores de La niña enferma, sobre la tuberculosis, que se vendieron bien, así como varias figuras humanas y múltiples versiones de El beso (1892). En mayo de 1896, Siegfried Bing realizó una exposición de la obra de Munch dentro de la Maison de l'Art Nouveau de Bing. La exposición mostró 60 obras, incluyendo El beso, El grito, Madonna, La niña enferma, La cámara de la muerte y El día después. La exposición de Bing ayudó a presentar a Munch al público francés. Aun así, muchos de los críticos parisinos todavía consideraban el trabajo de Munch como "fuerte y directo", aunque sus exposiciones recibieron mucha atención y buena asistencia. Su situación económica mejoró considerablemente y, en 1897, Munch se compró una casa de verano frente a los fiordos de Kristiania, una pequeña cabaña de pescadores construida a finales del siglo XVIII, en el pequeño pueblo de Åsgårdstrand en Noruega. Llamó a esta casa la "Casa Feliz" y regresó allí casi todos los veranos durante los siguientes 20 años. Era este lugar que extrañaba cuando estaba en el extranjero y cuando se sentía deprimido y agotado. Decía al respecto: "Pasear por Åsgårdstrand es como caminar entre mis cuadros: me inspiro mucho para pintar cuando estoy aquí".

Aase y Harald Nørregaard (pintado por Munch en 1899, National Gallery) fue uno de los amigos más cercanos de Munch desde la adolescencia, asesor y abogado

En 1897, Munch regresó a Kristiania, donde también fue aceptado a regañadientes; un crítico escribió: "Una buena cantidad de estas imágenes se han exhibido antes. En mi opinión, mejoran con el conocimiento". En 1899, Munch comenzó una relación cercana con Tulla Larsen, una mujer de clase alta "independiente". Viajaron juntos a Italia y al regresar, Munch comenzó otro período productivo en su arte, que incluyó paisajes y su pintura final de la serie "El friso de la vida", La danza de la vida (1899). Larsen quería casarse, pero Munch mucho menos. Su consumo de bebidas alcohólicas y su mala salud reforzaron sus temores, como escribió en tercera persona: "Desde que era niño había odiado el matrimonio. En su hogar, enfermo y nervioso, le había dado la sensación de que no tenía derecho a casarse". Munch estuvo a punto de ceder ante Tulla, pero se alejó de ella en 1900, dejando también su considerable fortuna, y se trasladó a Berlín. Su obra Chicas en el embarcadero, creada en 18 versiones diferentes, mostró el tema de la juventud femenina sin connotaciones negativas.

En 1902, exhibió sus obras temáticamente en el salón de la Secesión de Berlín, produciendo "un efecto sinfónico, que causó un gran revuelo, mucha oposición y mucha aprobación". Los críticos de Berlín comenzaban a apreciar la obra de Munch a pesar de que el público todavía encontraba su trabajo extraño.

La buena cobertura de prensa le valió a Munch la atención de patrocinadores influyentes como Albert Kollman y Max Linde. Describió el giro de los acontecimientos en su diario: "Después de 20 años de lucha y miseria, las fuerzas del bien finalmente vienen en mi ayuda en Alemania, y se abre una puerta brillante para mí". Sin embargo, a pesar de este cambio positivo, su comportamiento autodestructivo y errático lo llevó primero a una fuerte discusión con otro artista, luego a un incidente con un arma de fuego que le hirió en dos dedos en presencia de Tulla Larsen, quien había regresado para una breve reconciliación. Más tarde, Munch cortó por la mitad un autorretrato que lo representaba a él y a Larsen como consecuencia del incidente y los eventos posteriores. Ella finalmente lo dejó y se casó con un colega más joven. Munch tomó esto como una traición, y se detuvo en la humillación durante algún tiempo, canalizando parte de la amargura en nuevas pinturas. Sus pinturas Naturaleza muerta (La asesina) y La muerte de Marat I, realizadas entre 1906 y 1907, hacen referencia clara al incidente del disparo y las secuelas emocionales.

En la temporada 1903-04, Munch expuso en París, donde los próximos fauvistas, famosos por sus audaces colores, probablemente vieron sus obras y podrían haber encontrado inspiración en ellas. Cuando los Fauves realizaron su propia exposición en 1906, Munch fue invitado y exhibió sus obras con las de ellos. Después de estudiar la escultura de Rodin, Munch pudo haber experimentado con arcilla como ayuda para el diseño, pero produjo pocas esculturas. Durante este tiempo, Munch recibió muchos encargos de retratos y grabados que mejoraron su situación económica, que solía ser inestable.

En 1903 realizó su primera exposición en la Galería Cassirer en Berlín. Un año más tarde, cedió los derechos de venta de grabados en Alemania a Cassirer y a la Galería Cometer de Hamburgo para óleos con varias exposiciones, y participó en el Salon des Indépendants. Este período fue cuando Munch comenzó a alcanzar el éxito como artista. Realizó numerosas exposiciones tanto en Copenhague como en la Galería Cassirer, y también la Academia de Bellas Artes de Weimar puso un estudio a su disposición. El año 1905 fue difícil para Munch, ya que pasó el invierno recuperándose de su neurastenia y problemas de salud relacionados con el consumo de alcohol.

Autorretrato con una botella de vino, 1906, óleo sobre lienzo, 110 x 120 cm, Oslo, Museo Munch.

En 1906, Max Reinhardt le encargó el diseño de los decorados para Los fantasmas y Hedda Gabler de Ibsen, así como un friso para un salón de su teatro en Berlín. Max Reinhardt lo vendió más tarde; ahora está en la Nationalgalerie de Berlín. Después de un período anterior de paisajes, en 1907 volvió a centrar su atención en las figuras y situaciones humanas.

Ya en 1908 expuso en el Brücke de Dresde. En otoño del mismo año viajó a Copenhague, sufriendo allí un colapso nervioso. La mitad del año siguiente la pasó en un sanatorio.

Edvard Munch 1933

En 1909 regresó a Noruega y Rasmus Meyer le compró un gran número de cuadros de su colección. Realizó una gran exposición en Oslo. Durante estos años hizo numerosos viajes debido a sus continuas crisis nerviosas a pesar de su éxito. Visitó Berlín, Fráncfort, Colonia, París, Londres, Estocolmo, Hamburgo, Lübeck y Copenhague. Recibió muchos honores con motivo de su quincuagésimo aniversario ya en 1913.

Crisis y recuperación

En el otoño de 1908, la ansiedad de Munch, agravada por el consumo excesivo de bebidas alcohólicas y las discusiones, se intensificó. Como escribió más tarde, "Mi condición estaba al borde de tener problemas de salud mental". Sufriendo alucinaciones y sentimientos de persecución, ingresó a la clínica de Daniel Jacobson. La terapia que Munch recibió durante los siguientes ocho meses incluyó dieta y "electrificación" (un tratamiento de moda en ese momento para las afecciones nerviosas). La estancia de Munch en el hospital estabilizó su personalidad y, tras regresar a Noruega en 1909, su obra se volvió más colorida y menos pesimista. Para mejorar aún más su estado de ánimo, el público en general de Kristiania finalmente se entusiasmó con su obra y los museos comenzaron a comprar sus pinturas. Todo esto coincidía con el surgimiento del expresionismo en Alemania, del que Munch era un precursor, y dentro de la crisis general que llevó a la Primera Guerra Mundial.

Fue nombrado Caballero de la Real Orden de San Olav "por sus servicios en el arte". Su primera exposición estadounidense fue en 1912 en Nueva York.

Como parte de su recuperación, el Dr. Jacobson aconsejó a Munch que solo socializara con buenos amigos y que evitara beber en público. Munch siguió este consejo y, en el proceso, produjo varios retratos de cuerpo entero de alta calidad de amigos y mecenas, retratos honestos sin adulación. También creó paisajes y escenas de personas trabajando y jugando, utilizando un nuevo estilo optimista: pinceladas amplias y sueltas de colores vibrantes con uso frecuente de espacios en blanco y un uso poco frecuente del negro, con referencias ocasionales a sus temas más serios. Con más ingresos, Munch pudo comprar varias propiedades que le dieron nuevas perspectivas para su arte y finalmente pudo mantener a su familia.

Tumba de Munch en el Cementerio de Nuestro Salvador, Oslo

El estallido de la Primera Guerra Mundial encontró a Munch con lealtades divididas, como dijo: "Todos mis amigos son alemanes, pero amo a Francia". En la década de 1930, sus patrocinadores alemanes, muchos de ellos judíos, perdieron sus fortunas y algunos la vida durante el ascenso del movimiento nazi. Munch encontró impresores noruegos para reemplazar a los alemanes que habían estado imprimiendo su trabajo gráfico. Dado su historial de mala salud, durante 1918 Munch se sintió afortunado de haber sobrevivido a un brote de gripe de 1918, la pandemia mundial de ese año. También en 1918, publicó un folleto del Friso de la vida en el que incluyó sus obras maestras.

Años finales

En los años siguientes, Munch decidió retirarse un poco, ya que una afección ocular en 1930 le dificultaba mucho trabajar, y recibió numerosos honores con motivo de su septuagésimo aniversario. Munch pasó la mayor parte de sus últimas dos décadas en soledad en su finca casi autosuficiente en Ekely, en Skøyen, Oslo. Muchas de sus últimas pinturas celebran la vida en la granja, incluyendo varias en las que usó su caballo de trabajo "Rousseau" como modelo. Sin mucho esfuerzo, Munch atrajo un flujo constante de modelos femeninas, a quienes pintó en numerosas obras de figuras humanas. Munch salía ocasionalmente de su casa para pintar murales por encargo, incluidos los realizados para la fábrica de chocolate Freia.

Hasta el final de su vida, Munch continuó pintando autorretratos muy sinceros, lo que se sumó a su ciclo de autoexploración de su vida y su serie constante de representaciones de sus estados emocionales y físicos. En las décadas de 1930 y 1940, los nazis etiquetaron la obra de Munch como "arte degenerado" (junto con la de Picasso, Klee, Matisse, Gauguin y muchos otros artistas modernos) y retiraron sus 82 obras de los museos alemanes. Adolf Hitler anunció en 1937: "Por lo que nos importa, esos bárbaros de la cultura prehistórica de la Edad de Piedra y los artistas que no saben pintar pueden regresar a las cuevas de sus antepasados y allí pueden aplicar su primitivo rascado internacional".

En 1940, los alemanes invadieron Noruega y el partido nazi tomó el control del gobierno. Munch tenía 76 años. Con casi una colección completa de su arte en el segundo piso de su casa, Munch vivía con el temor de una confiscación nazi. Setenta y una de las pinturas que los nazis habían tomado anteriormente habían sido devueltas a Noruega a través de la compra por parte de coleccionistas (las otras 11 nunca se recuperaron), incluyendo El grito y La niña enferma, y también se las ocultaron a los nazis.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Munch se hizo mundialmente conocido y expuso por primera vez sus cuadros en los Estados Unidos en 1942 en Nueva York. Con motivo de su 80 cumpleaños, fue objeto de grandes homenajes. A pesar de su mal estado de salud, sufría continuamente resfriados, acudía a todos ellos con gran honor.

Munch falleció en su casa de Ekely, cerca de Oslo, el 23 de enero de 1944, aproximadamente un mes después de cumplir los 80 años. Su funeral, organizado por los nazis, sugirió a los noruegos que era un simpatizante de los nazis, una especie de apropiación del artista independiente. La ciudad de Oslo compró la finca Ekely a los herederos de Munch en 1946; pero su casa fue demolida de forma incomprensible en mayo de 1960.

Tras su muerte, Ekely donó a la ciudad de Oslo el conjunto de cuadros, grabados y dibujos propios que tenía en su poder. Para celebrar el centenario de su nacimiento, se inauguró en 1960 el Museo Munch de Oslo.

Obras principales

• Por la mañana. 1884. Óleo sobre lienzo. 96,5 x 103,5 cm. Colección Rasmus Meyer, Bergen.
• La niña enferma. 1885-86. Óleo sobre lienzo. 119,4 x 118,7 cm. Galería Nacional de Oslo. Esta obra, que muestra experiencias de la infancia del pintor, dio origen a otras tres telas fechadas en 1906, 1907 y 1926, y a numerosos grabados y litografías. El pintor declara sobre esta obra:

Con La niña enferma se abrieron caminos nuevos para mí, fue una ruptura en mi obra. La mayor parte de mis trabajos posteriores deben su existencia a este cuadro.

• Hans Jaeger. 1889. Óleo sobre lienzo. 109,5 x 84 cm. Galería Nacional, Oslo.
• La rue Lafayette. 1891. Óleo sobre lienzo. 92 x 73 cm. Oslo.
• La voz. 1893. Óleo sobre lienzo.
• El grito. 1893. Témpera. 83,5 x 66 cm. Museo Munch, Oslo. Realizó cuatro versiones en pintura de esta obra entre 1893 y 1910. Simplificó mucho el paisaje, pero se sabe que es la colina y pueblo de Ekeberg, junto al fiordo de Kristiania. El filósofo alemán Arthur Schopenhauer había dicho que el arte tenía como límite expresivo la incapacidad de "hacer oír" el grito, que es precisamente el título que el artista noruego dio a su obra.

Paseaba por una carretera con dos amigos cuando el sol se puso. De repente el cielo se tiñó de rojo sangre y sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza.

• Pubertad. 1894-95. Óleo sobre lienzo. 151,5 x 110 cm. Galería Nacional, Oslo.
• Madonna. 1894-95. Óleo sobre lienzo. 91 x 70,5 cm. Galería Nacional, Oslo.
• Celos. Óleo sobre lienzo. 66,7 x 100,3 cm. Rasmus Meyers Salinger, Bergen. Una litografía con el mismo título, de 1896, se conserva en el Archivo Municipal de Arte de Oslo.
• La mujer en tres etapas. 1895. Óleo sobre lienzo. 164,1 x 250 cm. Rasmus Meyers Salinger, Bergen.

Fue en 1895. Hice una exposición en el otoño en la galería Blomquist (Oslo). Los cuadros provocaron un tremendo rechazo. La gente quería boicotear la galería, llamar a la policía. Un día me encontré allí a Ibsen… mostró un interés especial por “Mujer en tres etapas”. Tuve que explicarle el cuadro. Aquí está la mujer soñadora, allí la mujer con ganas de vivir y finalmente la mujer como monja, pálida y erguida entre los árboles… Unos años después Ibsen escribió “Cuando los muertos despertemos”… Estas tres figuras femeninas aparecen con frecuencia en el drama de Ibsen, igual que en mi cuadro.

• El beso. 1897. Grabado. Archivo Municipal de Arte de Oslo.
• Muchachas en el muelle. 1899. Óleo sobre lienzo. 135,9 x 125,4 cm.

No pinto lo que veo sino lo que vi.

• Amor y Psique. 1907. Óleo sobre lienzo. 119,4 x 99,1 cm. Museo Munch, Oslo.

A principios de siglo tenía la necesidad de romper con áreas y líneas. Sentía que esta forma de pintar se podía convertir en una costumbre… Después pinté una serie de cuadros con líneas anchas, a menudo de un metro de largo, que se extendían vertical, horizontal y diagonalmente.

• Autorretrato. Entre el reloj y la cama, 1940-1943. 1490 cm × 1200 cm. Museo Munch, Oslo.

Munch en los museos

Al morir, legó más de 1000 cuadros, 15 400 grabados, 4500 dibujos y acuarelas y seis esculturas a la ciudad de Oslo, que construyó el Museo Munch en el barrio de Tøyen en su honor. Las obras se costearon con la recaudación de las salas de cine de propiedad municipal, y se inauguró en 1963.

Tras el sonado robo de El grito y Madonna, de gran resonancia internacional, se reforzaron las medidas de seguridad en 2005, de tal modo que las obras más valiosas se exhiben detrás de grandes paneles de vidrio, en expositores que recuerdan a los escaparates comerciales. Los dos cuadros citados se recuperaron con desperfectos menores, y fueron presentados provisionalmente en una vitrina, sin sus marcos, para mostrar el alcance de tales daños.

Munch careció de presencia en museos de España hasta fecha reciente. Ahora se conocen dos obras suyas: un retrato de su hermana en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid y otro retrato (en préstamo) en el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) de Barcelona.

Galería de imágenes

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  En la mesa de la ruleta en Montecarlo, 1892, Munch Museum, Oslo.

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  La voz / Noche de verano, 1896, Munch Museum, Oslo.

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  Beso IV, 1902, xilografía impresa sobre madera, Munch Museum, Oslo.

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  Cuatro niñas en Åsgårdstrand, 1903, Munch Museum, Oslo.

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  El broche, Eva Mudocci, 1903, litografía impresa sobre papel, Munch Museum, Oslo.

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  Retrato de Friedrich Nietzsche, 1906, Thiel Gallery, Estocolmo.

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  Celos, 1907, Munch Museum, Oslo.

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  El sol, 1910–1911, Munch Museum, Oslo.

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  Caballo al galope, 1910–12, Munch Museum, Oslo.

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  El tronco amarillo, 1912, Munch Museum, Oslo.

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  Trabajadores de camino a casa, 1913–14, Munch Museum, Oslo.

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  Autorretrato, 1882, Munch Museum, Oslo

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  Autorretrato en el infierno, 1903, Munch Museum, Oslo

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  Autorretrato con pinceles, 1904, Munch Museum, Oslo

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  Autorretrato con la gripe española, 1919, oil on canvas, 150 x 131 cm, National Gallery (Norway)

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  Autorretrato. Entre el reloj y la cama, c. 1940–1943, Munch Museum, Oslo

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  Pequeño lago con barca, 1880, óleo sobre papel, 12 x 18 cm, Munch Museum, Oslo.

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  En Sandviken, c. 1882, óleo sobre cartulina, 20 x 25 cm, Flaten Art Museum.

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  En Saxegårdsgate, c. 1882, óleo sobre lienzo, Lillehammer Art Museum, Lillehammer.

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  Boceto para 'Cenizas' , 1894, óleo sobre lienzo, Bergen Kunstmuseum.

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  Tren de niebla, 1900, Munch Museum, Oslo.

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  Costa con casa roja, 1904, óleo sobre lienzo, 69 × 109 cm, Munch Museum, Oslo.

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  Paisaje marino, 1918, óleo sobre lienzo, 120.9 x 160, Kunstmuseum Basel.

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  Noche estrellada, 1922-1924, óleo sobre lienzo, 120.5 x 100 cm, Munch Museum, Oslo.

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  Noche de invierno, Ekely, 1930-1931, óleo sobre lienzo.

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  Autorretrato a los 53 en el arroyo en Warnemünde, 1907, Munch Museum, Oslo

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  Autorretrato en algún lugar del continente I, 1906, Munch Museum, Oslo.

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  Autorretrato a los 26 años.

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  Retrato de Edvard Munch en 1902.

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  Retrato de Edvard Munch.

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  Munch en 1912.

Véase también

En inglés: Edvard Munch Facts for Kids