Edvard Munch para niños

Datos para niños Edvard Munch
Edvard Munch en 1921 Museo de Orsay, París
Información personal
Nacimiento	12 de diciembre de 1863 Løten, Noruega
Fallecimiento	23 de enero de 1944 Oslo, Noruega
Causa de muerte	Cáncer de estómago
Sepultura	Cementerio de Nuestro Salvador de Oslo
Residencia	Oslo
Nacionalidad	Noruega
Lengua materna	Noruego
Familia
Padres	Christian Munch Laura Cathrine Munch
Educación
Educado en	Escuela de la Catedral de Oslo Norwegian National Academy of Craft and Art Industry Academia de Bellas Artes de Múnich
Información profesional
Área	Pintor expresionista
Movimiento	Simbolismo y expresionismo
Géneros	Retrato, expresionismo, escena de género, pintura del paisaje y autorretrato
Obras notables	El grito El niño y la muerte Vampiro
Miembro de	Secesión de Berlín
Distinciones	Gran Cruz de la Orden de San Olaf Medalla Goethe de Arte y Ciencia (1932)
Firma

Edvard Munch (nacido el 12 de diciembre de 1863 en Løten, Noruega, y fallecido el 23 de enero de 1944 en Oslo) fue un famoso pintor y grabador noruego. Sus obras, llenas de emoción, tuvieron una gran influencia en el expresionismo alemán a principios del siglo XX.

Munch decía que, así como Leonardo da Vinci estudió el cuerpo humano, él intentaba explorar los sentimientos de las personas. Por eso, sus pinturas a menudo trataban sobre la soledad (como en Melancolía), la angustia (en El grito) y la muerte (en Muerte de un bohemio). Se le considera un pionero del expresionismo por la fuerza con la que representaba los rostros y las actitudes de sus personajes. Es uno de los pintores noruegos más importantes de la historia.

Edvard Munch es conocido como un artista simbolista y uno de los primeros representantes del expresionismo. Desde joven, en la década de 1880, Munch buscaba expresar sus emociones en su arte. Esto fue diferente al estilo de la época, que se enfocaba en lo que se veía por fuera. Él se adelantó a una nueva forma de pintar que exploraba los sentimientos y la mente. Temas como la angustia, la muerte, el amor y la melancolía se volvieron muy importantes en su trabajo.

Para mostrar los "estados más profundos del alma", Munch desarrolló su estilo único. Necesitaba una forma de expresión diferente al naturalismo para pintar sentimientos fuertes. En sus obras, la realidad interior y exterior se mezclan en grandes áreas de color con contornos claros.

El grito, pintado en 1893, es una de sus obras más famosas. La idea de esta pintura surgió poco a poco. En 1892, Munch escribió:

Iba por la calle con dos amigos cuando el sol se puso. De repente, el cielo se tornó rojo sangre y percibí un estremecimiento de tristeza. Un dolor desgarrador en el pecho. Me detuve; me apoyé en la barandilla, preso de una fatiga mortal. Lenguas de fuego como sangre cubrían el fiordo negro y azulado y la ciudad. Mis amigos siguieron andando y yo me quedé allí, temblando de miedo. Y oí que un grito interminable atravesaba la naturaleza.

Infancia y primeros años

Edvard Munch nació el 12 de diciembre de 1863 en Løten, Noruega. Su padre era Christian Munch, un médico militar, y su madre Laura Cathrine. Tuvo una infancia difícil: su madre y su hermana mayor fallecieron de tuberculosis cuando él era muy joven. Su padre, que tenía pocos recursos y era muy religioso, murió en 1889. Estas experiencias moldearon su personalidad y, según él, fueron la base de su talento.

Christian Munch se casó con Laura, que era mucho más joven que él, en 1861. Edvard tuvo una hermana mayor, Johanne Sophie, y tres hermanos menores: Peter Andreas, Laura Catherine e Inger Marie. Laura, su madre, tenía talento para el arte y pudo haber animado a Edvard y Sophie. Edvard estaba relacionado con el pintor Jacob Munch y el historiador Peter Andreas Munch.

Autorretrato con brazo esquelético, 1895, Museo Munch, Oslo.

La familia se mudó a Christiania (hoy Oslo) en 1864. La madre de Edvard murió de tuberculosis en 1868, y su hermana favorita, Johanne Sophie, en 1877. Después de la muerte de su madre, los hermanos Munch fueron criados por su padre y su tía Karen. Edvard a menudo estaba enfermo en invierno y no podía ir a la escuela, así que dibujaba para entretenerse. Su tía y sus compañeros de escuela le enseñaron. Su padre también le enseñaba historia y literatura, y les contaba historias de fantasmas y cuentos de Edgar Allan Poe.

Edvard recordaba que el cariño de su padre hacia sus hijos estaba mezclado con una religiosidad muy intensa. Munch escribió: "Mi padre era nervioso y muy religioso, hasta el punto de tener problemas de salud mental. De él heredé las semillas de la locura. Los ángeles del miedo, el dolor y la muerte estuvieron a mi lado desde que nací". Su padre les decía a sus hijos que su madre los observaba desde el Cielo y se entristecía por su mal comportamiento. Este ambiente religioso, la mala salud de Edvard y las historias de fantasmas inspiraron sus visiones y pesadillas; el niño sentía que la muerte siempre estaba cerca. Una de las hermanas menores de Munch, Laura, fue diagnosticada con una enfermedad mental a una edad temprana. De los cinco hermanos, solo Andreas se casó, pero falleció pocos meses después de su boda. Munch escribiría más tarde: "Heredé dos de los enemigos más temibles de la humanidad: la herencia de la tuberculosis y la locura".

El sueldo militar de su padre era muy bajo, y sus intentos de tener una consulta privada no tuvieron éxito, lo que mantuvo a la familia en la pobreza. Se mudaban a menudo de un piso barato a otro. Los primeros dibujos y acuarelas de Munch mostraban estos interiores y objetos cotidianos, además de algunos paisajes. En su adolescencia, el arte ya era lo más importante para Munch. A los 13 años, fue a su primera exposición de arte y admiró las obras de la escuela de paisaje noruega. Volvió para copiar las pinturas y pronto empezó a pintar al óleo.

Estudios y primeras influencias

En 1879, Munch se inscribió en una escuela técnica para estudiar ingeniería, donde destacó en física, química y matemáticas. Aprendió a dibujar a escala y en perspectiva, pero sus frecuentes enfermedades interrumpieron sus estudios. Al año siguiente, para decepción de su padre, Munch dejó la universidad para ser pintor. Su padre veía el arte como algo "sin valor", y sus vecinos le enviaron cartas anónimas criticándolo. A diferencia de la religiosidad de su padre, Munch tenía una visión más abierta del arte. Escribió en su diario: "En mi arte intento explicarme la vida y su significado".

En 1881, Munch se matriculó en la Real Escuela de Arte y Diseño de Kristiania. Sus maestros fueron el escultor Julius Middelthun y el pintor Christian Krohg. Ese año, Munch demostró su rápido aprendizaje en sus primeros retratos, incluyendo uno de su padre y su primer autorretrato. En 1883, Munch participó en su primera exposición pública. Su retrato de Karl Jensen-Hjell, un bohemio conocido, fue criticado como una "parodia del arte". Las pinturas de figuras humanas sin ropa de este período solo se conservan en bocetos, excepto por Figura de pie (1887). Es posible que su padre las haya confiscado.

Edvard Munch, Hans Jæger; 1889.

Edvard Munch, Inger en la playa (1889).

Desde joven, Munch fue influenciado por artistas como Édouard Manet y más tarde por Vincent van Gogh y Paul Gauguin. Durante estos años, experimentó con muchos estilos, como el naturalismo y el impresionismo. Algunas de sus primeras obras recuerdan a Manet. Muchos de estos intentos recibieron críticas negativas de la prensa y reproches constantes de su padre, quien, sin embargo, le daba pequeñas sumas para sus gastos. En una ocasión, el padre de Munch, influenciado por la opinión negativa de un primo, destruyó al menos una pintura (probablemente una figura humana sin ropa) y se negó a darle más dinero para materiales de arte.

Munch también sufrió la ira de su padre por su amistad con Hans Jæger, un pensador que creía en la libertad personal. Munch escribió: "Mis ideas se desarrollaron bajo la influencia de los bohemios, o más bien bajo la influencia de Hans Jæger". En ese momento, Munch era respetuoso con las mujeres y reservado, pero empezó a ceder a las reuniones sociales de su grupo. Le preocupaban los cambios en las relaciones sociales de la época y las mujeres independientes que lo rodeaban. Más tarde, se volvió más escéptico sobre las relaciones, expresándolo en su arte y sus escritos. Aunque dependía de su familia para muchas de sus comidas, la relación de Munch con su padre se mantuvo tensa por las preocupaciones sobre su estilo de vida.

Después de muchos experimentos, Munch concluyó que el estilo impresionista no le permitía expresarse lo suficiente. Lo encontraba superficial. Sintió la necesidad de explorar situaciones llenas de emoción. Siguiendo el consejo de Jæger de que Munch debía "escribir su vida", el joven artista comenzó a reflexionar sobre sus propios sentimientos, registrándolos en su "diario del alma". Esta nueva perspectiva lo ayudó a ver su arte de otra manera. Escribió que su pintura La niña enferma (1886), basada en la muerte de su hermana, fue su primera "pintura del alma", su primera ruptura con el impresionismo. La pintura recibió una respuesta negativa de los críticos y de su familia, y causó un "estallido de indignación" en la comunidad.

Solo su amigo Christian Krohg lo defendió:

Edvard Munch, Melancolía, 1891, Museo Munch, Oslo.

"Pinta, o más bien mira, las cosas de una manera diferente a la de otros artistas. Ve solo lo esencial, y eso, naturalmente, es todo lo que pinta. Por esta razón, las imágenes de Munch son, por regla general, 'incompletas', como la gente está encantada de descubrir por sí misma. Ah, sí, están completos. Su obra completa. El arte está completo una vez que el artista realmente ha dicho todo lo que tenía en mente, y esta es precisamente la ventaja que tiene Munch sobre los pintores de la otra generación, que realmente sabe cómo mostrarnos lo que ha sentido y lo que lo ha cautivado y a esto subordina todo lo demás."

Munch siguió usando diferentes técnicas de pinceladas y colores durante las décadas de 1880 y principios de 1890, mientras buscaba definir su estilo. Su forma de pintar cambiaba entre el posimpresionismo, como en Retrato de Hans Jæger, y el impresionismo, como en la Rue Lafayette. Su obra Inger en la playa (1889) causó confusión, pero ya mostraba las formas simples, los contornos marcados y los colores fuertes de su estilo maduro. Empezó a planear sus composiciones para crear tensión y emoción. Aunque influenciado por los postimpresionistas, su arte evolucionó hacia un contenido simbolista, que representaba un estado mental en lugar de la realidad exterior. En 1889, Munch hizo su primera exposición individual. El reconocimiento que recibió le valió una beca estatal de dos años para estudiar en París con el pintor francés Léon Bonnat.

Munch fue uno de los primeros en criticar la fotografía como forma de arte, diciendo que "nunca competirá con el pincel y la paleta, ¡hasta el momento en que se puedan tomar fotografías en el cielo o en el infierno!"

La hermana menor de Munch, Laura, fue el tema de su Melancolía interior de 1899. Amanda O'Neill dice sobre la obra: "En esta escena intensa y cerrada, Munch no solo retrata la tristeza de Laura, sino también su propio temor a los problemas de salud mental que podría haber heredado".

Edvard Munch, Rue Lafayette (1891).

En 1885, hizo el primero de sus muchos viajes a París, donde conoció los movimientos artísticos más modernos y se sintió atraído por el arte de Gauguin. Visitó el Salón y el Louvre, que le impresionaron mucho. Ese mismo año participó en la Feria Mundial de Amberes. Después de una primera influencia del impresionismo y posimpresionismo, comenzó a pintar tres de sus obras más importantes: El día siguiente, Pubertad y La niña enferma, que causó un escándalo en la Exposición de Otoño de Oslo en 1886.

Pronto creó un estilo muy personal, que destacaba la fuerza de la línea, simplificaba las formas y usaba el color de manera simbólica, no realista. Por eso se le clasifica como pintor simbolista. En su primera exposición individual con 110 cuadros en Oslo, una parte del público lo aplaudió con entusiasmo.

Estancia en París

Munch llegó a París durante las celebraciones de la Exposición Universal (1889) y se quedó con dos artistas noruegos. Su cuadro Mañana (1884) se exhibió en el pabellón noruego. Pasaba las mañanas en el estudio de Bonnat y las tardes en la exposición, las galerías y los museos. Munch no mostró mucho entusiasmo por las lecciones de dibujo de Bonnat, pero disfrutó de los comentarios del maestro durante las visitas al museo.

Munch quedó fascinado por la gran muestra de arte europeo moderno, incluyendo obras de tres artistas que lo influenciarían: Paul Gauguin, Vincent van Gogh y Henri de Toulouse-Lautrec. Todos ellos eran notables por cómo usaban el color para transmitir emociones. Munch se inspiró especialmente en la "reacción contra el realismo" de Gauguin y su idea de que "el arte era obra humana y no una imitación de la naturaleza". Como dijo más tarde uno de sus amigos de Berlín sobre Munch, "él no necesita ir a Tahití para ver y experimentar lo primitivo de la naturaleza humana. Lleva su propio Tahití dentro de él". Influenciado por Gauguin y por los grabados del artista alemán Max Klinger, Munch experimentó con grabados para crear versiones de sus obras. En 1896, creó sus primeros grabados en madera, una técnica ideal para sus imágenes simbólicas. Junto con su contemporáneo Nikolai Astrup, Munch es considerado un innovador del grabado en madera en Noruega.

En diciembre de 1889, su padre falleció, dejando a la familia de Munch en una situación económica difícil. Regresó a casa y consiguió un gran préstamo de un coleccionista noruego, ya que sus parientes adinerados no lo ayudaron. Desde entonces, asumió la responsabilidad económica de su familia. La muerte de su padre lo deprimió y tuvo pensamientos difíciles: "Vivo con los muertos: mi madre, mi hermana, mi abuelo, mi padre... ¿Por qué vivir?" Las pinturas de Munch del año siguiente incluyeron escenas de tabernas y una serie de paisajes urbanos luminosos, donde experimentó con el estilo puntillista de Georges Seurat.

En 1890, la influencia del postimpresionismo en sus obras fue muy notable. Ese mismo año recibió su segunda beca estatal. Un año más tarde, comenzó a desarrollar los temas del Friso de la vida, un ciclo de pinturas que incluye muchas de sus obras más conocidas. Este ciclo busca dar una visión completa de la vida, plasmando las experiencias personales de Munch, como la dolorosa pérdida de su madre y de su hermana Sophie.

En 1892, Munch desarrolló su estilo sintetista, como se ve en Melancolía (1891), donde el color está lleno de símbolos. Considerada por el artista y periodista Christian Krohg como la primera pintura simbolista de un artista noruego, Melancolía fue expuesta en 1891 en la Exposición de Otoño de Oslo.

El "Caso Munch"

En 1892, Adelsteen Normann, en nombre de la Unión de Artistas de Berlín, invitó a Munch a exponer en su muestra de noviembre, la primera exposición individual de la sociedad. Sin embargo, sus pinturas causaron una gran controversia (conocida como "El caso Munch") y, después de una semana, la exposición cerró. Munch estaba contento con la "gran conmoción" y escribió en una carta: "Nunca había pasado un momento tan divertido; es increíble que algo tan inocente como la pintura haya creado tal revuelo".

"Para el joven Munch, que no era muy bien recibido en casa, esta invitación de Berlín fue un honor y un estímulo", escribió Jens Thiis, quien luego fue director de la Galería Nacional de Noruega en Oslo. La exposición se anunció como "Cuadros en la línea de Ibsen" y debía durar 14 días, del 5 al 19 de noviembre. El espacio de exhibición era el Salón de Honor en la rotonda de la planta baja del “Architektenhaus” en la Wilhelmstraße.

Munch llevó un total de 55 pinturas a Berlín, "que mostraban su desarrollo artístico desde la década de 1880, un desarrollo que comenzaba con el realismo y presentaba después la influencia del impresionismo francés y el posimpresionismo en las pinturas más recientes". Reinhold Heller escribió: “Las características de los últimos movimientos artísticos de vanguardia parisinos se pueden ver en estas obras, que en su radicalismo superan fácilmente todo lo producido por los artistas berlineses más progresistas. Obras que la crítica también consideró "tan inusual a nuestros ojos que a primera vista uno difícilmente puede orientarse en este colorido juego de manchas de color violeta y verde."

August Strindberg por Edvard Munch

Junto a las pinturas de Munch de su fase impresionista, como la Rue Lafayette, estaban otras como El día después (1895), que mostraba a una mujer joven después de una noche de fiesta. Estas obras no causaron indignación por sus temas, sino por su estilo de pintura. Al aplicar y raspar repetidamente la pintura, Munch intentaba hacer visible el malestar físico y el agotamiento de una persona.

El título "Cuadros en la línea de Ibsen" sugería nuevas representaciones de paisajes noruegos, con los que pintores como Hans Dahl y Adelsteen Normann tenían éxito comercial. Pero pronto quedó claro para todos los artistas de Berlín y los visitantes de la exposición que “Munch no era un pintor de paisajes tranquilos, sino, como lo expresó el Illustrirte Zeitung,"uno de los impresionistas modernos más atrevidos, cuyo arte se burla de todas las tradiciones de los movimientos más antiguos.“ En el Kunstchronik, el historiador del arte Adolf Rosenberg explicó:

“Lo que el noruego había logrado en términos de informe, de brutalidad de la pintura, crudeza y mezquindad de sentimiento eclipsa todos los pecados de los impresionistas franceses y escoceses."

Poco después de su inauguración, Munch escribió a su familia: "Sí, la exposición ya está abierta, y es un escándalo enorme, porque aquí hay muchos pintores mayores que están furiosos por la nueva dirección del arte. - Los periódicos se quejan terriblemente - pero en algunos me han elogiado. – Pero a todos los jóvenes les gustan mucho mis pinturas. Es curioso el rechazo que provocaron las obras de Munch, que anticipaban el expresionismo, en la ciudad que pocos años después acogería a los mayores representantes de ese estilo.

Las obras de Munch sorprendieron a la parte más tradicional de la asociación. El escultor Max Kruse escribió sobre los hechos del 5 de noviembre de 1892: "Habíamos invitado a Edvard Munch a una exposición. Pero no teníamos idea del estallido de indignación, sí de ira, entre los viejos caballeros.” En el “Freien Bühne”, Walter Selber escribió con ironía: “¡Eso debería ser arte! ¡Oh miseria, miseria! ¡Era diferente de cómo lo pintamos, era nuevo, extraño, repulsivo, feo, malvado! ¡Fuera las pinturas, fuera, fuera! El pintor impresionista Walter Leistikow se escondió detrás de un seudónimo.

Surgió una discusión animada tanto en la prensa alemana como en la Asociación de Artistas de Berlín sobre "si un 'impresionista' que niega la tradición tiene derecho a exponer en el club, o si su obra es un 'insulto a todos esos artistas honestamente esforzados a los que [. . . ] se roba la luz y el espacio, por lo «que uno tendría derecho a cerrar la exposición para no insultar más al público.

Poco después de ver la exposición, los directivos de la asociación regresaron corriendo a la sala de reuniones y "Anton von Werner declaró que la exposición era una burla al arte, llena de obscenidad y mezquindad, y la cerró". Pero Werner no tenía el poder de cerrar la exposición de Munch inmediatamente. Hubo resistencia a esto dentro de la asociación, especialmente entre los miembros más jóvenes. “Sin embargo, no tanto porque la gente estuviera entusiasmada con Munch. Se trataba de la libertad de cada artista para seguir sus propios caminos, incluso los no convencionales. Los estatutos se oponían a la clausura inmediata, por lo que se convocó a una asamblea general extraordinaria.

En esa asamblea general “tumultuosa”, 23 artistas exigieron que la rotonda se cerrara de inmediato. Una moción contraria presentada por 30 artistas exigía que la exposición fuera reemplazada por otra. Werner, que no había votado como presidente de la reunión, logró imponerse en la votación. Con 120 votos contra 105, se aceptó la moción de cerrar la exposición. Así, las obras de Munch fueron retiradas a los pocos días.

Época de Berlín

Aunque vivió en Alemania varios años desde 1892, sobre todo en Berlín, hizo frecuentes viajes a Noruega y París, donde realizó numerosas exposiciones. En 1893, se unió a la tertulia del «Cochinillo negro» (Zum schwarzen Ferkel), un lugar frecuentado por artistas de la época. Ese mismo año pintó El grito, una de sus obras más importantes. En Berlín, Munch se relacionó con un grupo internacional de escritores, artistas y críticos, incluyendo al dramaturgo sueco August Strindberg, a quien retrató en 1892. También conoció al escritor y pintor danés Holger Drachmann, a quien pintó en 1898. Drachmann era 17 años mayor que Munch y uno de sus compañeros en la taberna del Cochinillo Negro (Zum schwarzen Ferkel) entre 1893 y 1894. En 1894, Drachmann escribió sobre Munch: "Lucha mucho. Buena suerte con tus luchas, noruego solitario".

Durante sus cuatro años en Berlín, Munch desarrolló la mayoría de las ideas que formarían su obra principal, El friso de la vida, pensada inicialmente para ilustraciones de libros, pero luego expresada en pinturas. Vendió pocas obras, pero obtuvo algunos ingresos cobrando entradas para ver sus controvertidas pinturas. Munch ya mostraba resistencia a desprenderse de sus pinturas, a las que llamaba sus "hijos".

Sus otras pinturas, incluyendo escenas de casino, muestran una simplificación de formas y detalles que marcaron su estilo maduro temprano. Munch también empezó a preferir un espacio poco profundo y un fondo mínimo para sus figuras frontales. Como las poses se elegían para mostrar los estados mentales y psicológicos más convincentes, como en Cenizas, las figuras tienen una cualidad monumental y estática. Las figuras de Munch parecen representar papeles en el escenario de un teatro (Muerte en la habitación del enfermo), donde sus posturas fijas significan diversas emociones. Como cada personaje encarna una sola dimensión psicológica, como en El Grito, los hombres y mujeres de Munch empezaron a parecer más simbólicos que realistas. Escribió: "Ya no deberían pintarse los interiores, la gente leyendo y las mujeres tejiendo: habría que pintar gente viva, respirando y sintiendo, sufriendo y amando".

Entre 1894 y 1897, creó sus primeros grabados mientras seguía haciendo exposiciones en Estocolmo, Berlín y Oslo, una de sus exposiciones más exitosas. Estudiando a Toulouse-Lautrec, Bonnard y Vuillard, creó una serie de bocetos con una técnica que puede considerarse un invento común de ambos: bocetos al óleo sobre papel o sobre tablas unidas con cola, en los que no se trabajaba el fondo.

El grito

Artículo principal: El grito

El grito (1893), óleo, temple y pastel sobre cartón, 91 x 74 cm, Galería Nacional de Oslo.

El grito existe en cuatro versiones: dos hechas con pastel (1893 y 1895) y dos pinturas (1893 y 1910). También hay varias litografías de El grito (1895 y posteriores).

La versión de pastel de 1895 se vendió en una subasta el 2 de mayo de 2012 por 119.922.500 USD. Es la versión con más colores y se distingue por la postura de una de las figuras del fondo, que mira hacia abajo. También es la única versión que no está en un museo noruego.

La versión de 1893 fue robada de la Galería Nacional de Oslo en 1994 y luego recuperada. La pintura de 1910 fue robada en 2004 del Museo Munch de Oslo, pero se recuperó en 2006 con daños menores.

El grito es la obra más famosa de Munch y una de las pinturas más reconocibles de la historia del arte. Se ha interpretado que representa la angustia general de las personas en la época moderna. Pintada con grandes franjas de color intenso y formas muy simples, y usando un punto de vista elevado, reduce la figura que sufre a una especie de calavera en medio de una crisis emocional.

Con esta pintura, Munch logró su objetivo de "estudiar el alma, es decir, estudiarme a mí mismo". Más tarde describió la angustia personal detrás de la pintura: "durante varios años estuve casi loco… ¿Conoces mi cuadro, 'El Grito?' Estaba al límite: la naturaleza gritaba en mi sangre... Después de eso, perdí la esperanza de poder volver a amar".

En 2003, al comparar la pintura con otras grandes obras, la historiadora del arte Martha Tedeschi escribió:

"La madre de Whistler, el Gótico americano de Wood, la Mona Lisa de Leonardo da Vinci y El grito de Edvard Munch han logrado algo que la mayoría de las pinturas, sin importar su importancia histórica, belleza o valor, no han logrado: comunican un significado específico casi de inmediato a cada espectador. Estas pocas obras han pasado con éxito del ámbito de los visitantes de museos a la cultura popular."

El Friso de la vida: un poema sobre la vida, el amor y la muerte

De aquí surge el estilo completamente nuevo que Munch desarrollaría en el Friso de la vida, donde destacan cuadros como Pubertad, que muestra por primera vez una conexión entre el miedo y el desarrollo; Melancolía, una serie sobre el amor y su final, al igual que Celos. Munch terminó estos ciclos del Friso de la vida en 1900 y comenzó a exponerlos en 1902 y en 1905 en Praga, buscando un estilo más tradicional. Los retratos, paisajes y pinturas de estudio le interesaban cada vez más. El Friso de la vida es una colección de obras clave del pintor noruego Edvard Munch, la mayoría pintadas en la década de 1890. Munch describió el friso como una "poesía sobre la vida, el amor y la muerte", nombrando así los temas principales de su trabajo. El friso de la vida no tiene un número fijo de obras. Munch pintó muchos temas varias veces, y las imágenes resultantes no se pueden combinar en un ciclo uniforme en tamaño, forma o tema. Más bien, el término, que no se usó hasta 1918, es un título para varias combinaciones de imágenes que Munch hizo a partir de 1893. Con el tiempo, los temas se expandieron desde el amor a todos los aspectos de la vida humana.

Primeras series: "Amor"

En un texto de 1918, donde usó por primera vez el término Lebensfrieze (Friso de la vida) para su colección de obras principales, Munch afirmó que las primeras ideas para este ciclo de pinturas se remontan a la década de 1880. Primero expuso su friso en 1892 en Kristiania, ahora Oslo. Sin embargo, estas afirmaciones no se pueden probar. La primera colección confirmada de seis pinturas bajo el título de Estudio para una serie "Amor" tuvo lugar en diciembre de 1893 en Berlín en un espacio de exposición alquilado. Eran La Voz, El Beso, Vampiro, Madonna, Melancolía y El Grito. Según Hans Dieter Huber, el orden de las imágenes cuenta una historia de amor, desde la atracción, un beso y la pérdida de energía, hasta el brillo de la mujer y la tristeza del hombre, llegando al miedo final de la vida.

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  La voz (1893), Museo de Bellas Artes de Boston.

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  El beso (1892), Galería Nacional de Noruega, Oslo.

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  Vampiro (1893), Kunstmuseum, Gotemburgo.

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  Melancolía (1892), Norwegische Nationalgalerie, Oslo.

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  El grito (1893), temple y pastel sobre cartulina, Norwegische Nationalgalerie, Oslo.

Estudios sobre un estado de ánimo "Amor"

En octubre de 1894, la exposición individual más grande de Edvard Munch hasta la fecha tuvo lugar en la Sociedad de Arte de Estocolmo. Presentó sus obras en cinco secciones, la última de las cuales se tituló Estudios sobre un estado de ánimo Serie "Amor". En ella exhibió 14 pinturas y una viñeta basada en el tema de la melancolía, que Munch había diseñado para la colección de poemas Alruner de su amigo Emanuel Goldstein. La historia de amor comienza en la naturaleza y termina con el Grito. Algunos temas se repiten, lo que rompe con la forma lineal de contar la historia. Las novedades de la serie son La mujer en tres etapas, Cenizas, Metabolismo, Manos, Noche estrellada, La niña y la muerte, Ojo a ojo y Ansiedad.

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  Cenizas (1895), Galería Nacional de Noruega, Oslo.

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  Noche estrellada (1893), Museo J. Paul Getty, Los Ángeles.

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  Ansiedad (1894), Museo Munch de Oslo.

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  Desapego (1896), Museo Munch de Oslo.

En marzo de 1895, en otra exposición en Berlín, el ciclo se presentó bajo el título Serie: Amor (1-14) con 14 pinturas. El orden ahora es: Misticismo de playa, Voz, Beso, Vampiro, dos versiones de Madonna, La mujer en tres etapas, Desprendimiento, Manos, dos versiones de Melancolía seguidas de Desesperación y Llorar.

Representación de una serie de imágenes de la vida

La palabra "friso" en lugar de "serie" fue utilizada por Munch por primera vez en 1902 en la quinta exposición de la Secesión de Berlín, donde se tituló Friso (en la sala de esculturas). representación de una serie de cuadros de la vida. Se le dedicó una sala entera a sus cuadros. De acuerdo con las cuatro paredes de la sala, Munch dividió un total de 22 obras en cuatro secciones:

1. El comienzo del amor: Noche estrellada, Rojo y blanco, Ojo a ojo, Baile en la playa, El beso, Madonna.
2. El amor en su plenitud y su final: Cenizas, Vampiro, La danza de la vida, Celos, La mujer en tres etapas, Melancolía.
3. Miedo a la vida: Miedo, Tarde en la puerta de Karl Johan, Vino tinto salvaje, Gólgota, El grito
4. Muerte: En el lecho de muerte, Muerte en la habitación del enfermo, Olor a cadáver, Metabolismo, El niño y la muerte.

Según Hans Dieter Huber, la secuencia aún sugiere una historia lineal que va desde el primer encuentro entre un hombre y una mujer, el florecimiento y el final de su amor, hasta el miedo, la desesperación, la enfermedad y la muerte. Solo con el tema bíblico hombre y mujer/metabolismo Munch comenzó a describir la vida como un ciclo. La exposición de 1902 fue la última presentación importante del friso durante la vida de Munch antes de que la colección se dispersara y vendiera.

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  Rojo y blanco (1899–1900), Munch-Museum Oslo.

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  Baile en la playa (1899–1900), Nationalgalerie Prag.

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  La danza de la vida (1899–1900), Norwegische Nationalgalerie, Oslo.

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  Celos (1895), Kunstmuseum Bergen.

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  Tarde en Karl Johan (1892), Kunstmuseum Bergen

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  Vino tinto salvaje (1898–1900), Munch-Museum Oslo.

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  Gólgota (1900), Munch-Museum Oslo

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  En el lecho de muerte (1895), Kunstmuseum Bergen.

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  Muerte en la habitación de la enferma (1893), Norwegische Nationalgalerie, Oslo.

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  El olor del cadáver (1895), Munch-Museum Oslo.

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  El niño y la muerte (1899), Kunsthalle Bremen.

Munch a menudo usa sombras y anillos de color alrededor de sus figuras para resaltar sentimientos de miedo, amenaza, angustia o intensidad. Estas pinturas se han interpretado como un reflejo de las preocupaciones del artista sobre las relaciones y su visión general de la vida. Muchos de estos bocetos y pinturas se hicieron en varias versiones, como Madonna, Manos y Pubertad, y también se transformaron en grabados en madera y litografías. A Munch no le gustaba separarse de sus pinturas porque consideraba su obra como un todo. Para aprovechar su producción y obtener ingresos, recurrió a las artes gráficas para reproducir muchas de sus pinturas, incluidas las de esta serie. Munch admitió los objetivos personales de su obra, pero también ofreció su arte con un propósito más amplio: "Mi arte es realmente una confesión voluntaria y un intento de explicarme a mí mismo mi relación con la vida; por lo tanto, es en realidad una especie de egoísmo, pero tengo la esperanza constante de que a través de esto pueda ayudar a otros a lograr más claridad".

Aunque al principio recibió reacciones muy negativas, en la década de 1890, Munch comenzó a ser comprendido en sus objetivos artísticos. Un crítico escribió: "Con un desprecio despiadado por la forma, la claridad, la elegancia, la totalidad y el realismo, pinta con la fuerza intuitiva del talento visiones sutiles del alma". Uno de sus grandes apoyos en Berlín fue Walther Rathenau, quien más tarde fue ministro de Relaciones Exteriores de Alemania y contribuyó mucho a su éxito.

París, Berlín y Kristiania

Edvard Munch - La niña enferma (1907) - Tate Modern

En 1896, Munch se mudó a París, donde se centró en las representaciones gráficas de los temas de su Friso de la vida. Mejoró su técnica de xilografía y litografía. El Autorretrato con brazo esquelético de Munch (1895) está hecho con una técnica de grabado que también usó Paul Klee. Munch también produjo versiones multicolores de La niña enferma, sobre la tuberculosis, que se vendieron bien, así como varias figuras humanas y múltiples versiones de El beso (1892). En mayo de 1896, Siegfried Bing realizó una exposición de la obra de Munch en la Maison de l'Art Nouveau de Bing. La exposición mostró 60 obras, incluyendo El beso, El grito, Madonna, La niña enferma, La cámara de la muerte y El día después. La exposición de Bing ayudó a presentar a Munch al público francés. Aun así, muchos críticos parisinos todavía consideraban el trabajo de Munch como "violento y brutal", aunque sus exposiciones recibieron mucha atención y asistencia. Su situación económica mejoró considerablemente y, en 1897, Munch se compró una casa de verano frente a los fiordos de Kristiania, una pequeña cabaña de pescadores construida a finales del siglo XVIII, en el pueblo de Åsgårdstrand en Noruega. Llamó a esta casa la "Casa Feliz" y regresó allí casi todos los veranos durante los siguientes 20 años. Era este lugar el que extrañaba cuando estaba en el extranjero y cuando se sentía deprimido y agotado. Decía al respecto: "Pasear por Åsgårdstrand es como caminar entre mis cuadros: me inspiro mucho para pintar cuando estoy aquí".

Aase y Harald Nørregaard (pintado por Munch en 1899, National Gallery) fue uno de los amigos más cercanos de Munch desde la adolescencia, asesor y abogado

En 1897, Munch regresó a Kristiania, donde también fue aceptado a regañadientes; un crítico escribió: "Una buena cantidad de estas imágenes se han exhibido antes. En mi opinión, mejoran con el conocimiento". En 1899, Munch comenzó una relación cercana con Tulla Larsen, una mujer de clase alta. Viajaron juntos a Italia y al regresar, Munch comenzó otro período productivo en su arte, que incluyó paisajes y su pintura final de la serie "El friso de la vida", La danza de la vida (1899). Larsen quería casarse, pero Munch no tanto. Sus problemas de salud reforzaron sus temores, como escribió en tercera persona: "Desde que era niño había odiado el matrimonio. En su hogar, enfermo y nervioso, le había dado la sensación de que no tenía derecho a casarse". Munch estuvo a punto de ceder ante Tulla, pero se alejó de ella en 1900, y también de su considerable fortuna, y se mudó a Berlín. Su obra Chicas en el embarcadero, creada en 18 versiones diferentes, mostró el tema de la juventud femenina sin connotaciones negativas.

En 1902, exhibió sus obras por temas en el salón de la Secesión de Berlín, produciendo "un efecto sinfónico, que causó un gran revuelo, mucha oposición y mucha aprobación". Los críticos de Berlín empezaban a apreciar la obra de Munch, aunque el público todavía la encontraba extraña.

La buena cobertura de prensa le valió a Munch la atención de patrocinadores influyentes como Albert Kollman y Max Linde. Describió el cambio en su diario: "Después de 20 años de lucha y miseria, las fuerzas del bien finalmente vienen en mi ayuda en Alemania, y se abre una puerta brillante para mí". Sin embargo, a pesar de este cambio positivo, su comportamiento autodestructivo y errático lo llevó primero a una pelea violenta con otro artista, luego a un disparo accidental en presencia de Tulla Larsen, que había regresado para una breve reconciliación, hiriéndole en dos dedos. Más tarde, Munch cortó un autorretrato que los representaba a él y a Larsen por la mitad como consecuencia del incidente. Ella finalmente lo dejó y se casó con un colega más joven. Munch tomó esto como una traición y se sintió humillado por un tiempo, canalizando parte de la amargura en nuevas pinturas. Sus pinturas Naturaleza muerta (La asesina) y La muerte de Marat I, realizadas entre 1906 y 1907, hacen referencia clara al incidente del disparo y las consecuencias emocionales.

En la temporada 1903-04, Munch expuso en París, donde los próximos fauvistas, famosos por sus colores audaces, probablemente vieron sus obras y pudieron haber encontrado inspiración en ellas. Cuando los Fauves hicieron su propia exposición en 1906, Munch fue invitado y exhibió sus obras junto a las de ellos. Después de estudiar la escultura de Rodin, Munch pudo haber experimentado con arcilla como ayuda para el diseño, pero produjo pocas esculturas. Durante este tiempo, Munch recibió muchos encargos de retratos y grabados que mejoraron su situación económica, que solía ser precaria.

En 1903, realizó su primera exposición en la Galería Cassirer en Berlín. Un año más tarde, cedió los derechos de venta de grabados en Alemania a Cassirer y a la Galería Cometer de Hamburgo para óleos, con varias exposiciones, y participó en el Salon des Indépendants. Este período fue cuando Munch comenzó a alcanzar el éxito como artista. Realizó numerosas exposiciones tanto en Copenhague como en la Galería Cassirer, y la Academia de Bellas Artes de Weimar también le ofreció un estudio. El año 1905 fue difícil para Munch, ya que pasó el invierno recuperándose de su neurastenia y problemas de salud.

Autorretrato con una botella de vino, 1906, Museo Munch, Oslo.

En 1906, Max Reinhardt le encargó el diseño de los decorados para Los fantasmas y Hedda Gabler de Ibsen, así como un friso para un salón de su teatro en Berlín. Max Reinhardt lo vendió más tarde; ahora está en la Nationalgalerie de Berlín. Después de un período anterior de paisajes, en 1907 volvió a centrar su atención en las figuras y situaciones humanas.

Ya en 1908, expuso en el Brücke de Dresde. En otoño del mismo año, viajó a Copenhague, donde sufrió un colapso nervioso. La mitad del año siguiente la pasó en un sanatorio.

Edvard Munch 1933

En 1909, regresó a Noruega y Rasmus Meyer le compró una gran cantidad de cuadros de su colección. Realizó una gran exposición en Oslo. Durante estos años, hizo numerosos viajes debido a sus continuas crisis nerviosas, a pesar de su éxito. Visitó Berlín, Fráncfort, Colonia, París, Londres, Estocolmo, Hamburgo, Lübeck y Copenhague. Recibió muchos honores con motivo de su quincuagésimo aniversario en 1913.

Recuperación y últimos años

En el otoño de 1908, la angustia de Munch, empeorada por su vida desordenada y las peleas, se intensificó. Como escribió más tarde, "Mi condición estaba al borde de la locura". Sufriendo alucinaciones y sentimientos de persecución, ingresó a la clínica de Daniel Jacobson. La terapia que Munch recibió durante los siguientes ocho meses incluyó dieta y "electrificación" (un tratamiento de moda en ese momento para problemas nerviosos). La estancia de Munch en el hospital estabilizó su personalidad y, al regresar a Noruega en 1909, su obra se volvió más colorida y menos triste. Para mejorar aún más su estado de ánimo, el público de Kristiania finalmente se entusiasmó con su obra y los museos comenzaron a comprar sus pinturas. Todo esto coincidió con el auge del expresionismo en Alemania, del que Munch era un precursor, y con la crisis general que llevó a la Primera Guerra Mundial.

Fue nombrado Caballero de la Real Orden de San Olav "por sus servicios en el arte". Su primera exposición estadounidense fue en 1912 en Nueva York.

Como parte de su recuperación, el Dr. Jacobson aconsejó a Munch que solo se relacionara con buenos amigos y que evitara beber en público. Munch siguió este consejo y, como resultado, produjo varios retratos de cuerpo entero de alta calidad de amigos y mecenas, retratos honestos sin adulación. También creó paisajes y escenas de personas trabajando y jugando, utilizando un nuevo estilo optimista: pinceladas amplias y sueltas de colores vibrantes con uso frecuente de espacios en blanco y un uso poco frecuente del negro, con referencias ocasionales a sus temas más serios. Con más ingresos, Munch pudo comprar varias propiedades que le dieron nuevas perspectivas para su arte y finalmente pudo mantener a su familia.

Tumba de Munch en el Cementerio de Nuestro Salvador, Oslo

El estallido de la Primera Guerra Mundial encontró a Munch con lealtades divididas, como dijo: "Todos mis amigos son alemanes, pero amo a Francia". En la década de 1930, sus patrocinadores alemanes, muchos de ellos judíos, perdieron sus fortunas y algunos sus vidas durante el ascenso del movimiento nazi. Munch encontró impresores noruegos para reemplazar a los alemanes que habían estado imprimiendo su obra gráfica. Dado su historial de mala salud, durante 1918 Munch se sintió afortunado de haber sobrevivido a un brote de gripe de 1918, la pandemia mundial de ese año. También en 1918, publicó un folleto del Friso de la vida en el que incluyó sus obras maestras.

Años finales

En los años siguientes, Munch decidió retirarse un poco, ya que un problema ocular en 1930 le dificultaba mucho trabajar. Recibió numerosos honores con motivo de su septuagésimo aniversario. Munch pasó la mayor parte de sus últimas dos décadas en soledad en su finca en Ekely, en Skøyen, Oslo. Muchas de sus últimas pinturas celebran la vida en la granja, incluyendo varias en las que usó su caballo de trabajo "Rousseau" como modelo. Sin mucho esfuerzo, Munch atrajo a muchas modelos femeninas, a quienes pintó en numerosas obras. Munch salía ocasionalmente de su casa para pintar murales por encargo, como los realizados para la fábrica de chocolate Freia.

Hasta el final de su vida, Munch continuó pintando autorretratos muy sinceros, que se sumaban a su búsqueda personal y a su serie de representaciones de sus estados emocionales y físicos. En las décadas de 1930 y 1940, los nazis calificaron la obra de Munch como "arte degenerado" (junto con la de Picasso, Klee, Matisse, Gauguin y muchos otros artistas modernos) y retiraron sus 82 obras de los museos alemanes. Adolf Hitler anunció en 1937: "Por lo que nos importa, esos bárbaros de la cultura prehistórica de la Edad de Piedra y los tartamudos artísticos pueden regresar a las cuevas de sus antepasados y allí pueden aplicar su primitivo rascado internacional".

En 1940, los alemanes invadieron Noruega y el partido nazi tomó el control del gobierno. Munch tenía 76 años. Con casi toda su colección de arte en el segundo piso de su casa, Munch vivía con el temor de que los nazis la confiscaran. Setenta y una de las pinturas que los nazis habían tomado anteriormente habían sido devueltas a Noruega a través de la compra por parte de coleccionistas (las otras 11 nunca se recuperaron), incluyendo El grito y La niña enferma, y también las ocultaron a los nazis.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Munch se hizo mundialmente conocido y expuso por primera vez sus cuadros en los Estados Unidos en 1942 en Nueva York. Con motivo de su 80 cumpleaños, fue objeto de grandes homenajes. A pesar de su mala salud, sufría continuamente resfriados, acudió a todos ellos con gran honor.

Munch falleció en su casa de Ekely, cerca de Oslo, el 23 de enero de 1944, aproximadamente un mes después de cumplir 80 años. Su funeral, organizado por los nazis, sugirió a los noruegos que era un simpatizante nazi, una especie de apropiación del artista independiente. La ciudad de Oslo compró la finca Ekely a los herederos de Munch en 1946; pero su casa fue demolida en mayo de 1960.

Tras su muerte, Ekely donó a la ciudad de Oslo el conjunto de cuadros, grabados y dibujos propios que tenía en su poder. Para celebrar el centenario de su nacimiento, se inauguró en 1960 el Museo Munch de Oslo.

Obras principales

• Por la mañana. 1884. Óleo sobre lienzo. 96,5 x 103,5 cm. Colección Rasmus Meyer, Bergen.
• La niña enferma. 1885-86. Óleo sobre lienzo. 119,4 x 118,7 cm. Galería Nacional de Oslo. Esta obra, que muestra experiencias de la infancia del pintor, dio origen a otras tres telas fechadas en 1906, 1907 y 1926, y a numerosos grabados y litografías. El pintor declara sobre esta obra:

Con La niña enferma se abrieron caminos nuevos para mí, fue una ruptura en mi obra. La mayor parte de mis trabajos posteriores deben su existencia a este cuadro.

• Hans Jaeger. 1889. Óleo sobre lienzo. 109,5 x 84 cm. Galería Nacional, Oslo.
• La rue Lafayette. 1891. Óleo sobre lienzo. 92 x 73 cm. Oslo.
• La voz. 1893. Óleo sobre lienzo.
• El grito. 1893. Témpera. 83,5 x 66 cm. Museo Munch, Oslo. Realizó cuatro versiones en pintura de esta obra entre 1893 y 1910. Simplificó mucho el paisaje, pero se sabe que es la colina y pueblo de Ekeberg, junto al fiordo de Kristiania. El filósofo alemán Arthur Schopenhauer había dicho que el arte tenía como límite expresivo la incapacidad de "hacer oír" el grito, que es precisamente el título que el artista noruego dio a su obra.

Paseaba por una carretera con dos amigos cuando el sol se puso. De repente el cielo se tiñó de rojo sangre y sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza.

• Pubertad. 1894-95. Óleo sobre lienzo. 151,5 x 110 cm. Galería Nacional, Oslo.
• Madonna. 1894-95. Óleo sobre lienzo. 91 x 70,5 cm. Galería Nacional, Oslo.
• Celos. Óleo sobre lienzo. 66,7 x 100,3 cm. Rasmus Meyers Salinger, Bergen. Una litografía con el mismo título, de 1896, se conserva en el Archivo Municipal de Arte de Oslo.
• La mujer en tres etapas. 1895. Óleo sobre lienzo. 164,1 x 250 cm. Rasmus Meyers Salinger, Bergen.

Fue en 1895. Hice una exposición en el otoño en la galería Blomquist (Oslo). Los cuadros provocaron un tremendo rechazo. La gente quería boicotear la galería, llamar a la policía. Un día me encontré allí a Ibsen… mostró un interés especial por “Mujer en tres etapas”. Tuve que explicarle el cuadro. Aquí está la mujer soñadora, allí la mujer con ganas de vivir y finalmente la mujer como monja, pálida y erguida entre los árboles… Unos años después Ibsen escribió “Cuando los muertos despertemos”… Estas tres figuras femeninas aparecen con frecuencia en el drama de Ibsen, igual que en mi cuadro.

• El beso. 1897. Grabado. Archivo Municipal de Arte de Oslo.
• Muchachas en el muelle. 1899. Óleo sobre lienzo. 135,9 x 125,4 cm.

No pinto lo que veo sino lo que vi.

• Amor y Psique. 1907. Óleo sobre lienzo. 119,4 x 99,1 cm. Museo Munch, Oslo.

A principios de siglo tenía la necesidad de romper con áreas y líneas. Sentía que esta forma de pintar se podía convertir en una costumbre… Después pinté una serie de cuadros con líneas anchas, a menudo de un metro de largo, que se extendían vertical, horizontal y diagonalmente.

• Autorretrato. Entre el reloj y la cama, 1940-1943. 1490 cm × 1200 cm. Museo Munch, Oslo.

Munch en los museos

Al morir, legó más de 1000 cuadros, 15 400 grabados, 4500 dibujos y acuarelas y seis esculturas a la ciudad de Oslo, que construyó el Museo Munch en el barrio de Tøyen en su honor. Las obras se costearon con la recaudación de las salas de cine de propiedad municipal, y se inauguró en 1963.

Tras el sonado robo de El grito y Madonna, de gran resonancia internacional, se reforzaron las medidas de seguridad en 2005, de tal modo que las obras más valiosas se exhiben detrás de grandes paneles de vidrio, en expositores que recuerdan a los escaparates comerciales. Los dos cuadros citados se recuperaron con desperfectos menores, y fueron presentados provisionalmente en una vitrina, sin sus marcos, para mostrar el alcance de tales daños.

Munch no tuvo presencia en museos de España hasta hace poco. Ahora se conocen dos obras suyas: un retrato de su hermana en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid y otro retrato (en préstamo) en el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) de Barcelona.

Galería de imágenes

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  En la mesa de la ruleta en Montecarlo, 1892, Munch Museum, Oslo.

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  La voz / Noche de verano, 1896, Munch Museum, Oslo.

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  Beso IV, 1902, xilografía impresa sobre madera, Munch Museum, Oslo.

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  Cuatro niñas en Åsgårdstrand, 1903, Munch Museum, Oslo.

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  El broche, Eva Mudocci, 1903, litografía impresa sobre papel, Munch Museum, Oslo.

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  Retrato de Friedrich Nietzsche, 1906, Thiel Gallery, Estocolmo.

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  Celos, 1907, Munch Museum, Oslo.

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  El sol, 1910–1911, Munch Museum, Oslo.

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  Caballo al galope, 1910–12, Munch Museum, Oslo.

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  El tronco amarillo, 1912, Munch Museum, Oslo.

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  Trabajadores de camino a casa, 1913–14, Munch Museum, Oslo.

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  Autorretrato, 1882, Munch Museum, Oslo

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  Autorretrato en el infierno, 1903, Munch Museum, Oslo

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  Autorretrato con pinceles, 1904, Munch Museum, Oslo

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  Autorretrato con la gripe española, 1919, oil on canvas, 150 x 131 cm, National Gallery (Norway)

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  Autorretrato. Entre el reloj y la cama, c. 1940–1943, Munch Museum, Oslo

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  Pequeño lago con barca, 1880, óleo sobre papel, 12 x 18 cm, Munch Museum, Oslo.

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  En Sandviken, c. 1882, óleo sobre cartulina, 20 x 25 cm, Flaten Art Museum.

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  En Saxegårdsgate, c. 1882, óleo sobre lienzo, Lillehammer Art Museum, Lillehammer.

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  Boceto para 'Cenizas' , 1894, óleo sobre lienzo, Bergen Kunstmuseum.

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  Tren de niebla, 1900, Munch Museum, Oslo.

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  Costa con casa roja, 1904, óleo sobre lienzo, 69 × 109 cm, Munch Museum, Oslo.

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  Paisaje marino, 1918, óleo sobre lienzo, 120.9 x 160, Kunstmuseum Basel.

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  Noche estrellada, 1922-1924, óleo sobre lienzo, 120.5 x 100 cm, Munch Museum, Oslo.

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  Noche de invierno, Ekely, 1930-1931, óleo sobre lienzo.

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  Autorretrato a los 53 en el arroyo en Warnemünde, 1907, Munch Museum, Oslo

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  Autorretrato en algún lugar del continente I, 1906, Munch Museum, Oslo.

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  Autorretrato a los 26 años.

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  Retrato de Edvard Munch en 1902.

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  Retrato de Edvard Munch.

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  Munch en 1912.

Véase también

En inglés: Edvard Munch Facts for Kids