Teoría musical para niños
La teoría musical es un campo de estudio que se dedica a investigar los diferentes elementos de la música. Ayuda a entender cómo se crea, se escucha, se analiza y se compone la música.
Según el diccionario The Oxford Dictionary of Music, la teoría musical tiene tres partes principales:
- La primera parte se refiere a los conceptos básicos de la música, como las armaduras (que indican la tonalidad), los compases (que organizan el ritmo) y los valores de las notas (que indican su duración). Esta parte es esencial para estudiar la armonía (cómo suenan las notas juntas), el contrapunto (cómo se combinan varias melodías) y la forma musical (la estructura de una pieza).
- La segunda parte estudia los escritos sobre música desde la antigüedad hasta hoy. Esto incluye la estética (la belleza en la música), la notación (cómo se escribe la música), la acústica (el sonido), el diseño de instrumentos musicales y cómo se interpretaba la música en el pasado.
- La tercera parte es un área de investigación dentro de la Musicología. Busca definir los principios generales de la música. No se enfoca en una obra o interpretación específica, sino en los elementos fundamentales que forman la música.
La teoría musical describe cómo los músicos y compositores crean música. Esto incluye los sistemas para afinar los instrumentos y los métodos de composición. Aunque la música se entiende de muchas maneras, la teoría musical puede considerar cualquier sonido, incluso el silencio.
Por ejemplo, en la Edad Media en Europa, estudiar música en la universidad (parte del Quadrivium) significaba aprender un sistema abstracto de proporciones. Esto estaba lejos de la práctica musical real, pero sentó las bases para los sistemas de afinación que se usarían siglos después.
La teoría musical, como disciplina práctica, abarca los métodos y conceptos que los compositores y músicos usan para crear música. Su desarrollo se puede ver en las tradiciones musicales orales y escritas, en los instrumentos y en otros objetos antiguos. Por ejemplo, instrumentos encontrados en sitios prehistóricos nos dan pistas sobre la música que se hacía y la teoría que usaban sus creadores.
En muchas culturas, la teoría musical tiene raíces profundas que se ven en los instrumentos, las tradiciones orales y la música actual. Algunas culturas también han estudiado la teoría musical de forma más formal, escribiendo tratados y usando notación.
En el mundo académico moderno, la teoría musical es parte de la musicología, que es el estudio más amplio de las culturas y la historia de la música. La palabra "teoría" viene del griego theoria, que significa "contemplación" o "ver". Por eso, la teoría musical a menudo se ocupa de aspectos abstractos como la afinación, los sistemas de tonos, las escalas, la consonancia (sonidos agradables) y la disonancia (sonidos que chocan), y las relaciones rítmicas. También hay una parte práctica que trata sobre cómo crear o interpretar música, la orquestación (cómo combinar instrumentos), la ornamentación (adornos musicales) y la improvisación.
Una persona que investiga o enseña teoría musical se llama teórico musical. Para enseñar en una universidad, generalmente se necesita un título universitario avanzado. Los métodos de análisis incluyen las matemáticas, gráficos y, sobre todo, el análisis usando la notación musical occidental. También se usan métodos comparativos, descriptivos y estadísticos. Los libros de texto de teoría musical suelen incluir temas como la acústica musical, la notación y las técnicas de composición (como la armonía y el contrapunto).
Contenido
Historia de la teoría musical
Es posible encontrar ideas sobre la teoría musical desde la antigüedad. En las civilizaciones antiguas, la teoría ayudó a que la música pasara de ser una tradición a un arte con una estructura consciente. Por eso, la teoría es muy importante en la música, especialmente en la occidental.
Con el tiempo, y sobre todo en el siglo XIX, el concepto de teoría musical cambió. Originalmente, los griegos la veían como "contemplación" o "examen". Hoy en occidente, la teoría musical forma parte de la musicología, que es el estudio completo de la música. Mientras que la musicología puede incluir cualquier idea sobre la música, la teoría musical se enfoca en cómo los elementos musicales se relacionan en una o varias composiciones.
¿Qué estudia la teoría musical?
La teoría musical estudia muchos elementos, como la afinación, los intervalos (distancia entre notas), las escalas y acordes, el timbre (el "color" del sonido), la textura (cómo se combinan las voces), la articulación (cómo se tocan las notas), la dinámica (el volumen) y la forma (la estructura).
También explica, a través del análisis, las técnicas que se usan para componer. Mediante asignaturas como armonía y contrapunto, el estudio de la música abarca todos los conceptos para entender este arte, usando reglas y patrones desarrollados por los teóricos.
Los trabajos de teoría musical suelen describir cómo se hace la música y también influir en cómo se hará en el futuro. Así, la teoría musical se basa en la práctica pasada, pero también guía la exploración y ejecución futuras.
Fundamentos de la música
La música está hecha de sonidos. La teoría musical analiza cómo se usan esos sonidos en la música. Considera la melodía, el ritmo, el contrapunto, la armonía, la forma, los sistemas de tonos, las escalas, la afinación, los intervalos, la consonancia, la disonancia, la duración de las notas, la acústica, la composición, la interpretación, la orquestación, la ornamentación, la improvisación y la producción de sonido electrónico.
Tono
El tono es la altura de un sonido musical. Por ejemplo, la diferencia entre un Do bajo y un Do alto. La frecuencia de las ondas sonoras se puede medir con precisión, pero cómo percibimos el tono es más complejo. Esto se debe a que las notas naturales suelen ser una mezcla de muchas frecuencias. Por eso, los teóricos a menudo describen el tono como una sensación subjetiva.
A las frecuencias específicas se les dan nombres de letras (como Do, Re, Mi). Hoy en día, la mayoría de las orquestas afinan el La de concierto (el La que está encima del Do central en el piano) a 440 Hz. Esta afinación es un acuerdo; por ejemplo, en Francia en 1859, el mismo La se afinaba a 435 Hz. Estas diferencias pueden cambiar el sonido de los instrumentos. Por eso, al tocar música antigua, a menudo se usa la afinación de la época en que fue escrita. Además, muchas culturas no estandarizan la afinación, permitiendo que varíe según el estilo o el estado de ánimo.
La diferencia de afinación entre dos notas se llama intervalo. El intervalo más básico es el unísono, que son dos notas del mismo tono. El intervalo de octava son dos tonos donde uno tiene el doble o la mitad de la frecuencia del otro. Las octavas son especiales porque los tonos con el mismo nombre de letra en diferentes octavas se pueden agrupar en una sola "clase". Por ejemplo, un Do alto y un Do bajo pertenecen a la misma clase de tono.
Los sistemas de afinación musical (o temperamentos) determinan el tamaño exacto de los intervalos. Estos sistemas varían mucho entre culturas. En la cultura occidental, el sistema más usado hoy es el temperamento igual. Se considera el mejor equilibrio para que los instrumentos de afinación fija (como el piano) suenen bien en todas las tonalidades.
Escalas y modos
Las notas se pueden organizar en escalas y modos. La teoría musical occidental divide la octava en doce tonos, formando la escala cromática. El espacio entre dos tonos seguidos se llama medio paso o semitono. Al elegir tonos de estos doce y organizarlos en patrones de semitonos y tonos enteros, se crean otras escalas.
Las escalas más comunes son la mayor de siete tonos y las menores (armónica, melódica y natural). Otros ejemplos son la escala octatónica y la pentatónica (de cinco tonos), común en la música folclórica y el blues. Las culturas no occidentales a menudo usan escalas que no dividen la octava en doce tonos. Por ejemplo, la música clásica otomana, persa, india y árabe usan a menudo cuartos de tono (la mitad de un semitono).
En la notación occidental, la escala de una pieza se indica con una armadura de clave al principio. A medida que la música avanza, los tonos pueden cambiar, introduciendo una escala diferente. La música se puede transportar de una escala a otra, por ejemplo, para ajustarse al rango de un cantante. Esto cambia la altura general, pero mantiene las relaciones entre los intervalos de la escala original. Por ejemplo, transportar de Do mayor a Re mayor sube todos los tonos de la escala de Do mayor un tono entero.
La relación entre las tonalidades más usadas en la música tonal occidental se muestra en el círculo de quintas. En el período barroco, las tonalidades se asociaban con emociones (la doctrina de los afectos). Aunque el temperamento igual eliminó gran parte de estas "coloraciones" únicas, muchos músicos aún sienten que ciertas tonalidades son más adecuadas para ciertas emociones. La teoría de la música clásica india sigue asociando fuertemente las tonalidades con estados emocionales, horas del día y otros conceptos.
Consonancia y disonancia
La consonancia y disonancia son cualidades subjetivas de cómo suenan los intervalos. Varían mucho entre culturas y a lo largo del tiempo. La consonancia es cuando un intervalo o acorde suena estable y completo. La disonancia es lo contrario; suena incompleta y "quiere" resolverse en un intervalo consonante. Los intervalos disonantes parecen chocar, mientras que los consonantes suenan bien juntos. Generalmente, las cuartas, quintas y octavas perfectas, y todas las terceras y sextas mayores y menores se consideran consonantes. Los demás son disonantes en mayor o menor grado.
El contexto puede afectar la disonancia y consonancia. Por ejemplo, una segunda mayor puede sonar estable en una pieza de Debussy, pero disonante en una fuga de Bach. Desde principios del siglo XX, la idea de Arnold Schoenberg de la disonancia "emancipada" (donde los intervalos tradicionalmente disonantes pueden tratarse como consonancias "superiores") ha sido más aceptada.
Ritmo
El ritmo se crea al organizar sonidos y silencios en el tiempo. El metro organiza la música en grupos regulares de pulsos, llamados compases. La signatura de tiempo indica cuántos pulsos hay en un compás y qué tipo de nota representa un pulso.
Al acentuar ciertas notas o variar su duración, se pueden resaltar. En la mayoría de las tradiciones musicales, hay formas de acentuar los pulsos para reforzar un compás. Los ritmos de síncopa van en contra de estas reglas, acentuando partes inesperadas del compás. Cuando se tocan ritmos de varios compases a la vez, se llama polirritmia.
En los últimos años, el ritmo y el metro se han vuelto un área importante de investigación para los estudiosos de la música.
Melodía
Una melodía es una serie de tonos que se perciben como una unidad. Suenan uno tras otro y suelen ir hacia un punto de tensión para luego relajarse. Como la melodía es tan importante en la música, su construcción es un interés principal de la teoría musical.
Los elementos básicos de la melodía son el tono, la duración, el ritmo y el tempo. Los tonos de una melodía suelen venir de sistemas de afinación como las escalas o los modos. Una melodía puede estar formada por figuras, motivos, semifrases, frases y períodos. Un período puede considerarse una melodía completa, aunque a veces se combinan varios para crear melodías más largas.
Acorde
En música, un acorde es un grupo de tres o más notas musicales que suenan al mismo tiempo. No siempre tienen que tocarse juntas; los arpeggios (notas de un acorde tocadas una después de otra) también pueden formar acordes. Los acordes son muy comunes en la música occidental moderna, de África occidental y Oceanía, pero no tanto en otras partes del mundo.
Los acordes más comunes son las tríadas, que tienen tres notas diferentes. Se pueden añadir más notas para crear acordes de séptima o acordes extendidos. Los acordes más frecuentes son el acorde mayor y el acorde menor. También existen los acordes aumentados y disminuidos. Estas descripciones se refieren a la calidad del acorde. Los acordes también se clasifican por su nota raíz; por ejemplo, el acorde Do mayor es una tríada mayor construida sobre la nota Do. También se clasifican por su inversión, que es el orden en que se apilan las notas.
Una serie de acordes se llama progresión armónica. Aunque cualquier acorde puede seguir a otro, ciertos patrones de acordes son comunes para establecer la tonalidad. Para describir esto, los acordes se numeran con números romanos (desde la nota clave) según su función. Otras formas de escribir acordes en la música occidental, además de la notación de pentagrama, incluyen los números romanos, el bajo cifrado (usado en la época barroca) y los sistemas de tabla de acordes que se ven en la música popular para indicar la secuencia de acordes.
Armonía
En música, la armonía es el uso de alturas o acordes que suenan al mismo tiempo. El estudio de la armonía incluye los acordes, cómo se construyen y cómo se conectan en progresiones. A menudo se dice que la armonía se refiere al aspecto "vertical" de la música, a diferencia de la melodía, que es el aspecto "horizontal". El contrapunto (cómo se entrelazan las líneas melódicas) y la polifonía (la relación de voces independientes) a veces se distinguen de la armonía.
En la música popular y el jazz, los acordes se nombran por su raíz y otros términos que indican sus cualidades. Por ejemplo, se pueden indicar acordes como Do mayor, Re menor y Sol de séptima dominante. En muchos tipos de música, especialmente en el barroco, romántico, moderno y jazz, los acordes a menudo se enriquecen con "tensiones". Una tensión es una nota adicional en el acorde que crea un intervalo relativamente disonante con el bajo. En el período clásico, un acorde disonante (con tensión) suele "resolverse" en un acorde consonante. La armonización suena agradable cuando hay un equilibrio entre sonidos consonantes y disonantes, es decir, entre momentos "tensos" y "relajados".
Timbre
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El timbre, también llamado "color" o "color del tono", es lo que nos permite distinguir un instrumento de otro cuando ambos tocan la misma nota al mismo volumen. Se describe con palabras como brillante, apagado o estridente. Es muy interesante para la teoría musical porque aún no tiene una forma estandarizada de nombrarse. Se le ha llamado "la categoría multidimensional de los psicoacústicos para todo lo que no puede ser etiquetado como tono o sonoridad". Sin embargo, se puede describir y analizar con precisión mediante el análisis de Fourier porque es el resultado de la combinación de todas las frecuencias, cómo empieza y termina el sonido, y otras cualidades de un tono.
El timbre depende principalmente de dos cosas: (1) el equilibrio de los armónicos que produce un instrumento debido a su construcción (forma, material) y (2) la envolvente del sonido (cómo cambian los armónicos con el tiempo). El timbre varía mucho entre diferentes instrumentos y voces, y también, en menor medida, entre instrumentos del mismo tipo debido a pequeñas diferencias en su construcción y, sobre todo, a la técnica del músico. El timbre de la mayoría de los instrumentos se puede cambiar usando diferentes técnicas al tocar. Por ejemplo, el timbre de una trompeta cambia si se le pone una sordina, si el músico cambia su forma de soplar o si toca más fuerte.
Una voz puede cambiar su timbre según cómo el cantante use su aparato vocal (por ejemplo, la forma de la cavidad vocal o la boca). La notación musical a menudo indica cómo cambiar el timbre mediante instrucciones simbólicas y verbales. Por ejemplo, la palabra dolce (dulcemente) indica un timbre suave y "dulce". Sul tasto le dice a un músico de cuerda que toque cerca del diapasón para un sonido menos brillante. Cuivre le indica a un músico de metal que produzca un sonido forzado y estridente. Símbolos de acento como el marcato (^) y las indicaciones de volumen (pp) también pueden indicar cambios en el timbre.
Dinámica
En música, "dinámica" se refiere a las variaciones de intensidad o volumen, que los físicos pueden medir en decibelios. Sin embargo, en la notación musical, las dinámicas no son valores absolutos, sino relativos. Como se miden de forma subjetiva, hay otros factores además de la amplitud que afectan la percepción de la intensidad, como el timbre, el vibrato y la articulación.
Las indicaciones de dinámica son abreviaturas de palabras italianas como forte (f) para fuerte y piano (p) para suave. Estas se modifican con indicaciones como mezzo piano (mp) para un ataque moderadamente suave y mezzo forte (mf) para un ataque moderadamente fuerte. También están sforzando o sforzato (sfz) para un ataque muy fuerte, o fortepiano (fp) para un ataque fuerte que disminuye de repente. El rango completo de estas marcas va desde un pianississimo casi inaudible (pppp) hasta un fortississimo muy fuerte (ffff).
A veces se encuentran extremos mayores como pppppp y fffff, y matices como p+ o più piano. También se usan otros sistemas para indicar el volumen, como decibelios (dB), escalas numéricas, notas de diferente tamaño, palabras en otros idiomas y símbolos que indican un aumento progresivo del volumen (crescendo) o una disminución (diminuendo o decrescendo), a menudo llamados "horquillas" cuando se indican con líneas que se abren o cierran.
Articulación
La articulación es la forma en que el músico hace sonar las notas. Por ejemplo, el staccato acorta la duración de la nota, mientras que el legato une las notas suavemente sin separación. La articulación se describe más que se cuantifica, por lo que hay espacio para la interpretación.
Por ejemplo, el staccato se describe como "separado" en lugar de tener una duración exacta. Los violinistas usan varias técnicas para diferentes tipos de staccato. La forma en que un músico ejecuta una articulación depende del contexto de la pieza, pero muchos símbolos y palabras de articulación dependen del instrumento y del período musical (por ejemplo, viola, viento; clásico, barroco).
Hay un conjunto de articulaciones comunes a la mayoría de los instrumentos y voces. De largo a corto son: legato (suave, conectado); tenuto (sostenido hasta la duración completa); marcato (acentuado y separado); staccato ("separado"); martelé (muy acentuado o "martillado"). Muchas se pueden combinar para crear articulaciones "intermedias". Por ejemplo, portato es una combinación de tenuto y staccato. Algunos instrumentos tienen métodos únicos, como el spicatto para las cuerdas con arco, donde el arco rebota en la cuerda.
Textura
En música, la textura es cómo se combinan los elementos melódicos, rítmicos y armónicos en una composición. Esto determina la calidad general del sonido de una pieza. La textura a menudo se describe por su densidad (o grosor) y su rango (o anchura) entre los tonos más bajos y los más altos. También se distingue por el número de voces o partes, y la relación entre ellas. Por ejemplo, una textura "gruesa" tiene muchas "capas" de instrumentos, como una sección de cuerdas o de metales.
El grosor también depende del número y la riqueza de los instrumentos que tocan. Una pieza con textura ligera tendrá una partitura sencilla y escasa. Una pieza con textura gruesa o pesada tendrá partituras para muchos instrumentos. La textura de una pieza puede verse afectada por el número y el tipo de partes que suenan a la vez, el timbre de los instrumentos o voces, y la armonía, el tempo y los ritmos usados. Los tipos de textura se analizan y clasifican según sus elementos principales: melodía principal, melodía secundaria, melodía de apoyo paralela, apoyo estático, apoyo armónico, apoyo rítmico, y apoyo armónico y rítmico.
Los tipos más comunes son la textura monofónica (una sola melodía, como una flauta solista), la textura bifónica (dos melodías, como un dúo de fagot y flauta donde el fagot toca una nota sostenida y la flauta la melodía), la textura polifónica (varias melodías independientes) y la textura homofónica (acordes que acompañan a una melodía).
Forma o estructura
El término forma musical (o arquitectura musical) se refiere a la estructura o plan general de una pieza musical. Describe cómo se organizan las secciones de una composición. Según Percy Scholes, la forma musical es "una serie de estrategias para encontrar un equilibrio exitoso entre la repetición sin alivio y la alteración sin alivio". Richard Middleton la describe como "la forma o estructura de la obra", que se entiende por la diferencia: la distancia desde una repetición. La diferencia es tanto cuantitativa como cualitativa: a qué distancia y de qué tipo es diferente. En muchos casos, la forma depende de la afirmación y la repetición, la unidad y la variedad, y el contraste y la conexión.
Expresión
La expresión musical es el arte de tocar o cantar música comunicando emociones. Los elementos que la componen incluyen las indicaciones de volumen (como forte o piano), el fraseo, las diferentes cualidades de timbre y articulación, el color, la intensidad, la energía y la emoción. El músico puede usar todos estos recursos. El objetivo es provocar respuestas en el público, como excitar, calmar o influir en sus emociones. A veces se piensa que la expresión musical es una combinación de otros elementos, y a veces se describe como una cualidad que va más allá de la suma de cosas medibles como el tono o la duración.
La expresión en los instrumentos puede estar relacionada con la respiración en el canto y la capacidad natural de la voz para expresar sentimientos. Los académicos ven la expresión como un elemento de la interpretación musical que transmite una emoción reconocible, buscando una respuesta emocional similar en los oyentes. El contenido emocional de la expresión musical es diferente del contenido emocional de sonidos específicos (como un "bang" fuerte) o de asociaciones aprendidas (como un himno nacional), pero rara vez se puede separar completamente de su contexto.
Los componentes de la expresión musical siguen siendo un tema de debate.
Notación musical
La notación musical es la forma escrita o simbolizada de la música. Se hace usando símbolos gráficos y palabras o abreviaturas. Existen muchos sistemas de notación de diferentes culturas y épocas. La notación occidental tradicional evolucionó durante la Edad Media y sigue innovando. En los años 2000, los formatos de archivo de computadora también se han vuelto importantes. El lenguaje hablado y los signos con las manos también se usan para representar la música, principalmente en la enseñanza.
En la notación musical occidental estándar, los tonos se representan con símbolos (notas) en un pentagrama. El eje vertical indica la altura del tono y el horizontal el tiempo. Las formas de las cabezas de las notas, las plicas, las banderas y los puntos indican la duración. Otros símbolos muestran las tonalidades, las dinámicas, los acentos y los silencios. Las instrucciones verbales del director suelen indicar el tempo, la técnica y otros aspectos.
En la música occidental se usan diferentes sistemas de notación. En la música clásica, los directores usan partituras impresas que muestran todas las partes de los instrumentos, y los músicos leen sus líneas musicales. En los estilos de música popular, la notación es mucho menor. Un grupo de rock puede usar una simple tabla de acordes escrita a mano que indique la progresión de acordes de la canción (por ejemplo, Do mayor, Re menor, Sol7). Todos los acordes, ritmos y acompañamientos son improvisados por los miembros de la banda.
Véase también
En inglés: Music theory Facts for Kids
- Acústica musical
- Armonía
- Funciones tonales
- Música y matemáticas
- Musicología
