Sintetizador para niños
Un sintetizador es un instrumento musical electrónico. Crea sonidos usando señales eléctricas que luego se convierten en sonidos que podemos escuchar. Lo especial de un sintetizador es que puedes crear y cambiar sus sonidos. Puede imitar otros instrumentos o hacer sonidos completamente nuevos.
La mayoría de los sintetizadores tienen un teclado para tocarlos. Los que no tienen teclado se llaman "módulos de sonido". Estos se controlan con sistemas como MIDI o control de voltaje.
Los sintetizadores usan diferentes formas de crear y procesar el sonido, ya sea de forma analógica (con circuitos físicos) o digital (con números y programas). Algunas técnicas populares para crear sonidos son:
- Síntesis aditiva: Suma ondas simples para crear sonidos complejos.
- Síntesis substractiva: Empieza con un sonido rico y le quita partes para moldearlo.
- Modulación de frecuencia (FM): Cambia la frecuencia de una onda con otra para crear sonidos interesantes.
- Modelado físico: Simula cómo suenan los instrumentos reales.
- Modulación de fase: Similar a la FM, pero cambia la fase de la onda.
- Síntesis basada en samples: Usa grabaciones de sonidos reales.
Contenido
- Historia de los sintetizadores
- Primeros instrumentos eléctricos
- Órganos de rueda tonal: Los primeros sonidos complejos
- La era de la electrónica y nuevos instrumentos
- Sonido gráfico
- Síntesis substractiva y sintetizadores polifónicos
- Teclados electrónicos monofónicos
- Otras innovaciones importantes
- Estudios de música electrónica
- Del sintetizador modular a la música popular
- Teclados polifónicos y la revolución digital
- Impacto en la música popular
- Tipos de síntesis
- Componentes de un sintetizador
- Interfaces de control
- Roles típicos de los sintetizadores en la música
- Véase también
Historia de los sintetizadores
Primeros instrumentos eléctricos
Uno de los primeros instrumentos eléctricos fue el "telégrafo musical", inventado por Elisha Gray en 1876. Él descubrió que podía crear sonidos con la vibración de un circuito electromagnético. Este instrumento usaba lengüetas de acero que vibraban y transmitían el sonido por una línea telegráfica. También le añadió una bocina para que el sonido fuera audible. Aunque era un instrumento eléctrico, no podía crear cualquier sonido, por lo que no se considera un sintetizador completo.
Órganos de rueda tonal: Los primeros sonidos complejos
En 1897, Thaddeus Cahill inventó el telearmonio. Este enorme instrumento usaba generadores eléctricos (dinamos) para crear sonidos. Podía hacer lo que se llama síntesis aditiva, similar a los órganos Hammond que aparecieron en 1934. El negocio de Cahill no tuvo éxito, en parte por el gran tamaño del instrumento y la rápida evolución de la tecnología.
La era de la electrónica y nuevos instrumentos
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En 1906, el ingeniero Lee De Forest inventó el primer amplificador de bulbo, llamado Audión. Esto impulsó el desarrollo de nuevas tecnologías como la radio y el cine sonoro. También llevó a la creación de los primeros instrumentos musicales electrónicos que usaban bulbos, como:
- El Audion piano de Lee De Forest (1915).
- El Theremin de Léon Theremin (1920).
- El Ondes Martenot de Maurice Martenot (1928).
- El Trautonium de Friedrich Trautwein (1929).
Muchos de estos instrumentos usaban circuitos especiales para producir sonidos, pero sus capacidades para crear sonidos variados eran limitadas.
Sonido gráfico
En la década de 1920, Arseny Avraamov y otros desarrollaron sistemas de "sonido gráfico". Estos sistemas permitían crear sonidos a partir de dibujos. En 1938, el ingeniero soviético Yevgeny Murzin diseñó el ANS. Fue uno de los primeros sintetizadores que podía crear sonidos aditivos en tiempo real usando luz y electrónica. Aunque la idea era simple, el instrumento no se completó hasta 1958.
Síntesis substractiva y sintetizadores polifónicos
En las décadas de 1930 y 1940, ya existían los elementos básicos para la síntesis sustractiva moderna. Estos incluían osciladores (que generan el sonido), filtros (que moldean el sonido) y controles de envolvente (que cambian el sonido con el tiempo).
Los primeros sintetizadores que podían tocar varias notas a la vez (polifónicos) se desarrollaron en Alemania y Estados Unidos. El órgano Warbo Formant de Harald Bode (1937) fue uno de ellos. El "Novachord" de Hammond, lanzado en 1939, era un teclado electrónico que usaba muchos osciladores para generar sonidos. Estos instrumentos fueron importantes precursores de los órganos electrónicos y los sintetizadores polifónicos.
Teclados electrónicos monofónicos
Entre los años 40 y 50, antes de que los órganos electrónicos fueran muy populares, se crearon varios instrumentos monofónicos (que tocan una sola nota a la vez) y portátiles con pequeños teclados. Estos instrumentos tenían osciladores, vibrato y filtros. Algunos ejemplos son:
- Solovox (1940) de Hammond: Un accesorio para pianos que añadía una voz de órgano.
- Multimonica (1940) de Harald Bode: Un instrumento con dos teclados, uno de armonio y otro de sintetizador.
- Ondioline (1941) de Georges Jenny.
- Clavioline (1947) de Constant Martin: Usado en canciones famosas de los años 60, como "Runaway" de Del Shannon y "Telstar" de The Tornados.
Otras innovaciones importantes
A finales de los años 40, el inventor canadiense Hugh Le Caine creó el Electronic Sackbut. Fue uno de los primeros instrumentos que permitía controlar en tiempo real el volumen, el tono y el timbre del sonido. Esto se lograba con teclados sensibles a la presión y otros controles manuales.
En Japón, Yamaha lanzó el Magna organ en 1935, un teclado que usaba pastillas eléctricas para crear sonidos. En 1949, el compositor japonés Minao Shibata imaginó un instrumento musical que pudiera "sintetizar cualquier tipo de ondas sonoras" y que fuera "fácil de usar", prediciendo que cambiaría la música.
Estudios de música electrónica
Después de la Segunda Guerra Mundial, la música electrónica se hizo popular. Se crearon muchos "estudios de música electrónica" en ciudades como Bonn, Colonia, París y Milán. Estos estudios estaban llenos de equipos como osciladores, filtros y grabadoras. Todo el estudio funcionaba como un gran sintetizador de sonidos.
Entre 1951 y 1952, RCA creó una "máquina de composición" llamada "sintetizador de música electrónica". No producía sonidos en tiempo real. Sin embargo, en 1957, RCA desarrolló el primer "sintetizador de sonidos programable", el RCA Mark II Sound Synthesizer. Este se instaló en el Centro de Música Electrónica Columbia-Princeton. Muchos compositores famosos lo usaron en sus obras.
Del sintetizador modular a la música popular
Entre 1959 y 1960, Harald Bode desarrolló un sintetizador modular. En 1961, propuso la idea de un sintetizador modular portátil usando transistores. Sus ideas fueron adoptadas por Donald Buchla y Robert Moog en Estados Unidos. Moog es conocido por popularizar la técnica de "control de voltaje" en los sintetizadores analógicos.
Robert Moog construyó su primer prototipo en 1963-1964. A finales de los años 60 y principios de los 70, los componentes electrónicos más pequeños hicieron que los sintetizadores fueran portátiles. A principios de los 80, las empresas vendían versiones compactas y económicas de los sintetizadores al público. Esto, junto con el desarrollo del sistema MIDI (Musical Instrument Digital Interface), facilitó la conexión y sincronización de sintetizadores y otros instrumentos electrónicos. En los años 90, aparecieron los sintetizadores de software para computadoras.
El sintetizador tuvo un gran impacto en la música del siglo XX. Micky Dolenz de The Monkees compró uno de los primeros sintetizadores Moog. Su álbum Pisces, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd. (1967) fue el primero en usar un sintetizador Moog y llegó a ser número uno. Otros artistas como The Rolling Stones y The Doors también incluyeron el Moog en sus canciones.
El álbum Switched-On Bach (1968) de Wendy Carlos, grabado con sintetizadores Moog, influyó a muchos músicos. El sonido del Moog llegó al público masivo con álbumes como "Bookends" (1968) de Simon and Garfunkel y "Abbey Road" de The Beatles. Cientos de grabaciones populares usaron sintetizadores, a menudo el Minimoog. Músicos de rock progresivo como Richard Wright de Pink Floyd y Rick Wakeman de Yes comenzaron a usar activamente los nuevos sintetizadores portátiles. Stevie Wonder y Herbie Hancock también ayudaron a popularizar los sintetizadores en la música afroamericana.
Teclados polifónicos y la revolución digital
En 1978, el éxito del Prophet-5, un sintetizador polifónico con microprocesador, ayudó a que los sintetizadores se volvieran más compactos y enfocados en teclados pequeños. Esto aceleró su integración en la música popular. Los primeros sintetizadores polifónicos de los 70, como los sintetizadores de cuerdas, evolucionaron a modelos más avanzados. Estos sintetizadores polifónicos se fabricaron principalmente en Estados Unidos y Japón a mediados de los 70 y principios de los 80, como el Yamaha CS-80 (1976) y el Roland Jupiter-8 (1981).
A finales de los años 70, los sintetizadores digitales y los samplers (que graban y reproducen sonidos) llegaron al mercado. Estos nuevos instrumentos digitales tenían sonidos más claros y definidos que los analógicos. Aunque eran caros, los músicos los adoptaron rápidamente. Instrumentos exitosos de esta época incluyen el NED Synclavier (1977) y el Fairlight CMI (1979).
En 1983, el revolucionario sintetizador digital DX7 de Yamaha se hizo muy popular en la música. Esto llevó a un gran desarrollo de los sintetizadores digitales en los años 80 y al rápido declive de la tecnología analógica. En 1987, Roland lanzó el Roland D-50, que combinaba la síntesis basada en muestras con efectos digitales. El popular Korg M1 (1988) marcó el inicio de los sintetizadores con estación de trabajo, que usaban muestras de sonidos para componer canciones completas.
Durante los años 90, la música dance popularizó los sonidos analógicos. Esto, junto con la aparición de sintetizadores analógicos digitales y el desarrollo del sistema modular Eurorack, contribuyó al resurgimiento del interés por la tecnología analógica. En el nuevo milenio, las mejoras tecnológicas llevaron a la popularidad de los sintetizadores de software. En la década de 2010, se lanzaron nuevos sintetizadores analógicos y digitales.
Impacto en la música popular
En los años 70, artistas como Jean Michel Jarre, Gary Numan y Vangelis lanzaron álbumes exitosos donde los sintetizadores eran muy importantes. Esto ayudó al surgimiento del synthpop, un estilo de música new wave, a finales de los 70. Bandas alemanas como Kraftwerk y Tangerine Dream, artistas británicos como Gary Numan y David Bowie, y la banda japonesa Yellow Magic Orchestra influyeron en este género.
Canciones exitosas como "Are 'Friends' Electric?" y "Cars" (1979) de Gary Numan usaron mucho los sintetizadores. "Enola Gay" (1980) de OMD tenía una percusión electrónica y una melodía sintetizada muy distintivas. Soft Cell usó una melodía sintetizada en su éxito de 1981 "Tainted Love".
Otros grupos importantes del synthpop incluyen New Order, Eurythmics, Yazoo, Pet Shop Boys y Depeche Mode. Artistas como Stevie Wonder, Peter Gabriel y Kate Bush también usaron sintetizadores. El sintetizador se convirtió en uno de los instrumentos más importantes de la industria musical.
Tipos de síntesis
La síntesis aditiva crea sonidos sumando ondas, que suelen estar relacionadas armónicamente. Los primeros ejemplos analógicos de esto son el telearmonio y el órgano Hammond.
La síntesis substractiva se basa en filtrar ondas con mucho contenido armónico. Es la base de los primeros sintetizadores, como el sintetizador Moog, por su simplicidad. Los sintetizadores substractivos usan un generador de señal (que produce ondas como las de sierra o cuadradas) seguido de un filtro.
La síntesis por modulación de frecuencias (o síntesis FM) usa al menos dos generadores de señal para crear y modificar un sonido. Un generador modula las características de otro. Esta técnica fue patentada por John Chowning y vendida a Yamaha. La síntesis FM es muy buena para recrear sonidos de percusión, como campanas o timbales.
La síntesis mediante distorsión de fase es un método usado en los sintetizadores Casio CZ. Es similar a la síntesis FM.
La síntesis granular manipula pequeñas muestras de sonido para crear nuevos sonidos, a menudo paisajes sonoros.
La síntesis mediante modelado físico crea sonidos usando ecuaciones y algoritmos para simular instrumentos reales o fuentes de sonido físicas. Esto implica modelar cómo se comportan las partes de un instrumento. La calidad de este modelado mejora con mayor poder de procesamiento.
La síntesis mediante muestras de sonido (o sampling) graba un instrumento real como una onda digital y la reproduce a diferentes velocidades para crear diferentes tonos. La mayoría de los samplers permiten variar el volumen del sonido con el tiempo.
El análisis/resíntesis analiza el contenido armónico de un sonido y luego lo recrea usando osciladores. El vocoder y otras formas de síntesis de habla se basan en esto.
Essynth es un modelo matemático que usa la computación evolutiva para crear sonidos de forma interactiva.
Síntesis imitativa
La síntesis de sonido puede imitar sonidos de instrumentos acústicos. Un sonido que no cambia mucho con el tiempo tiene una frecuencia principal y otras frecuencias llamadas parciales. La síntesis intenta imitar la forma en que el volumen y el tono de estos parciales cambian con el tiempo.
Cuando se analizan los sonidos naturales, se ven picos de volumen en cada serie armónica, que corresponden a las propiedades de resonancia de los instrumentos. Un sonido sintetizado necesita reproducir con precisión el sonido original tanto en sus frecuencias como en cómo cambian con el tiempo.
Componentes de un sintetizador
Los sintetizadores generan sonido usando técnicas analógicas o digitales. Los primeros usaban hardware analógico, pero los modernos combinan software y hardware, o solo software. Los sintetizadores digitales a menudo imitan los diseños clásicos analógicos. El sonido se controla a través de circuitos o etapas virtuales como:
- Osciladores electrónicos: Crean sonidos con un timbre que depende de la forma de onda generada. Pueden ser controlados por voltaje (VCO) o digitales.
- Filtros controlados por voltaje (VCF): Moldean el sonido de los osciladores, a menudo controlados por una envolvente o un LFO. Son esenciales para la síntesis substractiva.
- Amplificadores controlados por voltaje (VCA): Controlan el volumen del sonido. La ganancia de un VCA se ve afectada por un voltaje de control que proviene de un generador de envolventes, un LFO o el teclado.
- Envolventes ADSR: Controlan cómo cambia el volumen o el contenido armónico de una nota con el tiempo. Los parámetros son:
* Attack time (tiempo de ataque): Cuánto tarda el sonido en alcanzar su volumen máximo. * Decay time (tiempo de decaimiento): Cuánto tarda el sonido en bajar desde el volumen máximo hasta el nivel de sostenimiento. * Sustain level (nivel de sostenimiento): El volumen que mantiene el sonido mientras la tecla está presionada. * Release time (tiempo de liberación): Cuánto tarda el sonido en desaparecer después de soltar la tecla. La idea del ADSR fue especificada por Vladimir Ussachevsky en 1965 y luego simplificada por ARP Instruments.
- Oscilador de baja frecuencia (LFO): Genera una señal eléctrica muy lenta (por debajo de 20 Hz). Se usa para crear efectos rítmicos como tremolo (cambio de volumen) o vibrato (cambio de tono).
Filtro
Los filtros electrónicos son muy importantes en la síntesis substractiva. Están diseñados para quitar ciertas frecuencias del sonido. El filtro paso bajo es el más común, pero también hay filtros de banda y filtros paso alto.
El filtro puede ser controlado por una segunda envolvente ADSR, lo que permite que el sonido cambie de forma más compleja con el tiempo.
Patch
Un "patch" (o programa) en un sintetizador es una configuración de sonido guardada. Los primeros sintetizadores Moog usaban cables para conectar diferentes módulos de sonido. Como no tenían memoria, los músicos anotaban las conexiones y las posiciones de las perillas en una hoja. Desde entonces, cualquier configuración de sonido en un sintetizador se llama "patch".
A finales de los años 70, los sintetizadores comenzaron a tener memoria para guardar y cargar patches, como el Prophet-5 (1977/1978). Después de la introducción de MIDI en 1983, fue más fácil transferir patches entre sintetizadores y computadoras.
Interfaces de control
Los sintetizadores modernos suelen parecerse a pianos pequeños, con perillas y botones adicionales. Estos son controles integrados. Sin embargo, muchos de los primeros sintetizadores eran modulares y no tenían teclado. Los sintetizadores modernos pueden controlarse con MIDI, lo que permite otros tipos de ejecución, como:
- Fingerboards (controladores de cinta) y touchpads.
- Instrumentos electrónicos de viento.
- Interfaces con estilo de guitarra (sintetizador de guitarra).
- Drum pads.
- Secuenciadores.
- Interfaces sin contacto como theremines.
- Interfaces tangibles como la Reactable.
- Otros dispositivos como pedales de expresión y controles de respiración.
Fingerboard
Un controlador de cinta o una interfaz similar a un violín puede usarse para controlar un sintetizador. La idea viene de instrumentos antiguos como el Theremin y el Ondes Martenot. En lugar de teclas, un dedo presiona una cinta y se mueve sobre ella, creando un contacto eléctrico que varía el sonido. Se usa a menudo para cambiar el tono de forma suave (pitch bending).
Controladores mediante aliento
Los instrumentos electrónicos de viento (y los sintetizadores de viento) son ideales para músicos de instrumentos de viento. Pueden ser analógicos o controladores MIDI. Detectan cambios de presión al soplar, velocidad y mordida. Algunos se parecen a saxofones, clarinetes o fagotes. También hay controladores de aliento que se conectan a sintetizadores convencionales.
Control MIDI
Los sintetizadores se hicieron más fáciles de conectar y sincronizar con otros instrumentos electrónicos gracias a la introducción del Musical Instrument Digital Interface (MIDI) en 1983. MIDI es un sistema que permite que los instrumentos y dispositivos electrónicos se comuniquen en tiempo real. Transmite información sobre notas, volumen, efectos y sincronización. Las interfaces MIDI son muy comunes hoy en día en equipos musicales y computadoras.
El estándar General MIDI (GM), creado en 1991, asegura que un sonido MIDI específico (por ejemplo, un piano) suene igual en cualquier dispositivo compatible con GM. El formato Archivo MIDI Estándar (SMF) permite compartir partituras musicales entre computadoras.
Roles típicos de los sintetizadores en la música
Synth lead
En la música popular, un synth lead (sonido principal de sintetizador) se usa para tocar la melodía principal de una canción. También puede crear efectos rítmicos o líneas de bajo. Es común en la música dance, hip-hop y rock. A menudo, los synth leads se usan en los "hooks" (partes pegadizas) de las canciones.
Synth pad
Un synth pad es un acorde sostenido o un tono generado por un sintetizador. Se usa para crear una armonía de fondo o una atmósfera, de forma similar a como se usan las secciones de cuerdas en la música acústica. Los sonidos de synth pads suelen parecerse a órganos, cuerdas o voces. Fueron muy populares en la música de los años 80. Una característica clave es su largo ataque y decaimiento, con sostenidos prolongados.
Synth bass
El "sintetizador de bajos" (o "bajo sintetizado") crea sonidos en el rango de los bajos. Puede imitar un bajo eléctrico o un contrabajo, o crear sonidos distorsionados y complejos. Los sonidos de bajo sintetizado pueden usar diferentes tipos de síntesis y efectos. Muchos sintetizadores de bajos se controlan con teclados o pedales.
A finales de los años 70, los componentes más pequeños permitieron crear sintetizadores de bajos portátiles como el Moog Taurus, un teclado de 13 notas que se tocaba con los pies. Stevie Wonder popularizó los sintetizadores de bajos a principios de los 70 con canciones como "Superstition" (1972).
Cuando los secuenciadores estuvieron disponibles en los 80, los sintetizadores de bajos se usaron para crear líneas de bajo rítmicas y complejas. El Roland TB-303, lanzado en 1981, se asoció con la música acid house.
Hoy en día, hay pedales de efectos de sintetizador de bajo para bajos eléctricos que simulan sonidos de sintetizador. El software de sintetizador de bajos permite integrar los sonidos de bajo con otros sintetizadores o cajas de ritmo.
Arpegiador
Un arpegiador es una función de muchos sintetizadores que reproduce automáticamente las notas de un acorde en una secuencia determinada. Las notas pueden subir, bajar o tocarse en un orden aleatorio. Los arpegiadores más avanzados permiten secuencias complejas o tocar varios arpegios a la vez.
Los arpegiadores se desarrollaron a partir de los sistemas de acompañamiento de los órganos eléctricos en los años 60 y 70. Se adaptaron a los teclados a finales de los 70 y principios de los 80. Un ejemplo famoso se escucha en la canción "Rio" de Duran Duran, donde el arpegiador de un Roland Jupiter-4 toca un acorde. Su popularidad disminuyó a finales de los 80, pero regresaron con el resurgimiento de los sintetizadores analógicos y la música dance en los 90.
Véase también
En inglés: Synthesizer Facts for Kids
