Historia del ballet para niños
El ballet es un tipo de danza que nació en Italia durante los siglos XV y XVI, en la época del Renacimiento. Desde Italia, el ballet llegó a Francia gracias a Catalina de Médici, donde se desarrolló mucho más bajo la influencia de la nobleza. Un ejemplo de esto es la pieza Le Paradis d'Amour, que se presentó en la boda de su hija, Margarita de Valois.
Al principio, el dinero de la nobleza fue clave para el desarrollo del ballet de corte. La música y las historias de estos ballets estaban pensadas principalmente para entretener a los nobles de esa época.
En 1573, se presentó la primera pieza de ballet de corte llamada Ballet des Polonais. Catalina de Médici la organizó en honor a un embajador de Polonia que visitaba París. En 1581, Catalina produjo otro ballet de corte, Ballet Comique de la Reine, aunque Balthazar de Beaujoyeulx se encargó de los bailes. Ellos presentaron este ballet basándose en los principios de la Academie de Baif, uniendo poesía, danza, música y escenografía para contar una historia.
A finales del siglo XVII, Luis XIV de Francia fundó la Académie Royale de Musique en la Ópera de París. Allí nació la primera compañía profesional: el Ballet de la Ópera de París. La mayoría de las palabras que usamos en el ballet son francesas, lo que muestra la importancia de Francia en su historia. El ballet teatral pronto se hizo independiente, aunque sigue relacionado con la ópera. Se extendió desde Europa central a otros países. El Ballet Real Danés y el Ballet Mariinski de Rusia se fundaron alrededor de 1740 y crecieron mucho después de 1850.
En 1907, el ballet ruso regresó a Francia con los Ballets Russes de Sergei Diaghilev, que fueron muy influyentes. Pronto, el ballet se hizo famoso en todo el mundo con la creación de nuevas compañías, como el Ballet Real, Londres (1931), el Ballet de San Francisco (1933), el American Ballet Theatre (1937), el Royal Winnipeg Ballet (1939), la Compañía de Ballet Australiano (1940), el New York City Ballet (1948), el Ballet Nacional de Canadá (1951) y el Delhi Ballet (2002).
Durante el siglo XX, los estilos de ballet siguieron evolucionando y tuvieron influencia en otras danzas. En Estados Unidos, por ejemplo, el coreógrafo George Balanchine creó el ballet neoclásico. Más tarde surgieron estilos como el ballet contemporáneo.
Contenido
Orígenes del Ballet
¿Cómo y dónde nació el ballet?
El ballet comenzó en el Renacimiento como parte de ceremonias en Italia. Se dice que era un entretenimiento elaborado para bodas de la nobleza, con músicos y bailarines. El ballet de esa época era muy diferente al que conocemos hoy. No usaban tutús ni zapatillas de punta. Los bailes se adaptaban a los pasos de las danzas de corte, y los bailarines vestían la ropa de moda del momento. Las mujeres usaban vestidos largos que cubrían sus piernas. Al principio, el público también participaba en el baile al final del espectáculo.
Domenico da Piacenza (c. 1400–c. 1470) fue uno de los primeros maestros de baile. Él y sus alumnos, Antonio Cornazzano y Guglielmo Ebreo, enseñaban la belleza de la danza. Da Piacenza escribió un libro llamado De arte saltandi et choreus ducendi (Sobre el arte de la danza y la realización del baile).
En 1489, Gian Galeazzo Sforza, duque de Milán, se casó en Tortona. Para la boda, se hizo un baile especial coreografiado por Bergonzio di Botta. Los bailes contaban la historia de Jasón y los Argonautas, y cada baile correspondía a un plato diferente de la cena. Tristano Calco de Milán escribió sobre el evento, describiéndolo como un espectáculo impresionante.
El ballet se hizo más fuerte con el Ballet de Cour francés, que eran bailes sociales de la nobleza con música, poesía, canto, desfiles y vestuarios. Cuando Catalina de Médici, una noble italiana interesada en las artes, se casó con Enrique II de Francia, llevó su pasión por la danza a Francia y obtuvo apoyo económico.
Los festivales de la corte de Catalina de Médici apoyaban objetivos políticos y de la corte, a menudo con temas de la mitología. La primera pieza de ballet de cour fue el Ballet de Polonais en 1573, para la visita del embajador de Polonia. Fue coreografiado por Balthazar de Beaujoyeulx y tuvo dieciséis bailarinas que representaban provincias francesas. El Ballet Comique de la Reine (1581) también fue coreografiado por Beaujoyeulx y producido por Luisa de Lorena-Vaudémont, reina consorte de Enrique III de Francia, para celebrar una boda. Duró más de cinco horas y tuvo veinticuatro bailarines.
En el mismo año, Fabritio Caroso publicó Il Ballarino, un manual técnico sobre el baile. Esto ayudó a que Italia fuera un centro importante para el desarrollo técnico del ballet.
El Ballet en el Siglo XVII
Francia y la Corte de Baile
El ballet se desarrolló como una forma de arte escénico en Francia durante el reinado de Luis XIV de Francia, a quien le encantaba bailar. Pierre Beauchamp, su profesor de baile personal, creó las seis posiciones básicas de los pies y los brazos en el ballet. En 1661, Luis XIV fundó una nueva escuela de baile, la Académie Royale de Danse. Beauchamp fue nombrado director de la academia en 1680.
Jean-Baptiste Lully, un violinista, bailarín, coreógrafo y compositor italiano, llegó a la corte de Luis XIV en 1652. Tuvo un papel muy importante en el futuro del ballet. Lully, apoyado por el rey, a menudo incluía al rey en sus bailes. La pieza "Sun King" para el monarca francés se originó en la actuación de Luis XIV en la coreografía de Lully llamada Ballet de la Nuit (1653). Esta pieza era muy elaborada, con escenas de casas quemándose, brujas, hombres lobo, gitanos, pastores, ladrones y diosas. La principal contribución de Lully fueron sus composiciones musicales. Su conocimiento del movimiento y la danza le permitió crear coreografías únicas, uniendo la música con los movimientos de los bailarines. Lully también trabajó con el escritor francés Molière. Juntos crearon un nuevo estilo de teatro llamado comédie-ballet, adaptado al público francés, como Le Bourgeois Gentilhomme (1670).
En 1669, Luis XIV fundó la Académie d'Opéra. Luis XIV se retiró de la danza en 1670. En 1661, fundó la escuela Académie Royale de Danse. Beauchamp fue el primer bailarín de ballet profesional y coreografió la primera producción de la nueva compañía, Pomone. Después de que el director anterior tuviera problemas económicos, el rey puso a Lully a cargo de la ópera. Lully, junto con el escritor Philippe Quinault, crearon un nuevo concepto llamado tragédie en musique, donde cada acto tenía un pequeño espectáculo de ballet llamado divertissement. Lully unió la música y el drama con elementos franceses e italianos. Su trabajo fue muy importante para el futuro del ballet.
El Ballet se Vuelve Popular en Europa
La corte de Francia era un modelo para otras cortes reales en Europa. Los estilos de entretenimiento, incluyendo los ballets reales, fueron imitados. Las cortes de España, Portugal, Polonia, Alemania y otros lugares comenzaron a disfrutar y practicar el ballet. Además de Francia, Italia también fue una gran influencia en esta danza.
Compañías profesionales de ballet empezaron a formarse y a viajar por Europa, actuando para la nobleza. En Polonia, el rey Władysław IV Vasa (1633-1648) apoyó la ópera italiana, que incluía bailarines de ballet. Especialistas en ballet como Louis de Poitiers, Charles Duparc y otros trabajaron para la corte polaca.
El Ballet en el Siglo XVIII
Francia y el Desarrollo Artístico del Ballet
El siglo XVIII fue un tiempo de grandes avances en las técnicas de ballet. También fue cuando el ballet se convirtió en una forma de arte dramático, al igual que la ópera. Esto fue gracias al trabajo de Jean-Georges Noverre. En su libro "Lettres sur la danse et les ballets" (1760), Noverre habló de la técnica "ballet d'action" o ballet de acción, donde los movimientos de los bailarines expresaban la historia. Noverre creía que el drama del ballet debía ser lógico y bien estructurado. Coreógrafos, compositores y diseñadores debían trabajar juntos desde el principio. Todo debía ser preciso; por ejemplo, se debían quitar las máscaras para ver las expresiones faciales, los vestuarios debían permitir ver la figura de los bailarines, y los coreógrafos debían tener una educación amplia en arte para dar vida a las presentaciones.
Se hicieron cambios en el ballet, y Christoph Gluck fue uno de los que los inició. Finalmente, el ballet se dividió en tres estilos formales: sérieux, demi-caractère y comique. El ballet también empezó a aparecer en los intermedios de las óperas con pequeñas escenas de baile.
El Ballet Fuera de Francia
Venecia siguió siendo un centro importante de danza en Europa, especialmente durante el Carnaval de Venecia, cuando bailarines y visitantes de todo el continente viajaban a la ciudad para intercambiar ideas. El Teatro San Benedetto se hizo muy popular, ya que allí se realizaban muchas funciones de ballet. Las técnicas de ballet italiano tuvieron una gran influencia en el sur y este de Europa, hasta que las técnicas rusas las reemplazaron en el siglo XX.
Las funciones de ballet se hicieron más populares en Europa durante el siglo XVIII, en lugares como Hungría. Se crearon compañías profesionales que actuaron en Hungría y en otras partes del mundo. El Teatro Nacional de Budapest es conocido como el hogar de los bailarines.
Algunos de los bailarines más importantes de la época que viajaron por Europa fueron Louis Dupré, Charles Le Picque, Anna Binetti, Gaetano Vestris y Jean-Georges Noverre.
El Ballet en el Siglo XIX
La bailarina se convirtió en la artista de danza más popular en Europa durante la primera mitad del siglo XIX. Hubo un gran cambio, ya que la popularidad de los bailarines hombres disminuyó. En muchas obras, los héroes del ballet eran interpretados por mujeres.
La profesionalidad de las compañías de ballet dio origen a una nueva generación de maestros y bailarines. Viena tuvo una gran influencia en quienes practicaban ballet. El primer maestro de ballet del Teatro Nacional y de la Ópera Real de Hungría fue Frigyes Campilli, quien trabajó en Budapest durante 40 años.
El siglo XIX fue un período de grandes cambios sociales, lo que también se reflejó en el ballet. Se empezaron a dejar de lado las ideas aristocráticas que habían dominado el ballet romántico. Bailarinas como Geneviève Gosselin, Marie Taglioni y Fanny Elssler experimentaron con nuevas técnicas, como bailar en punta (sobre las puntas de los pies). Taglioni era conocida como la "bailarina cristiana" por su imagen ligera y pura, asociada a su papel en la pieza La Sylphide. Fue entrenada por su padre, Filipo Taglioni. En 1834, Fanny Elssler llegó a la Ópera de París y se hizo famosa por su habilidad para bailar la "Cachucha". Maestros como Carlo Blasis organizaron y escribieron las técnicas de ballet que todavía se usan hoy.
El Movimiento Romántico en el Ballet
El movimiento romántico en el arte, la literatura y el teatro fue una reacción contra las reglas estrictas y los cambios de la industrialización. Esto llevó a los coreógrafos a crear ballets románticos con movimientos ligeros, libres y fluidos. Estos bailes "irreales" mostraban a las mujeres como seres casi mágicos, muy delicados, que parecían flotar en el aire. Las bailarinas comenzaron a usar vestuarios de colores suaves, con faldas que llegaban hasta los tobillos. Un ejemplo de ballet romántico es "La Sylphide", uno de los más antiguos que aún se baila hoy.
El movimiento romántico también exploró el folclore y las culturas tradicionales de Europa, África, Asia y Oriente Medio. En el ballet de esa época, los bailarines a veces representaban a personajes de estas culturas, a menudo como villanos o bufones, para adaptarse al "Orientalismo". La Ópera Nacional de Ucrania, un teatro de artes escénicas, se fundó en Kiev en 1867. Para 1893, esta compañía ya era lo suficientemente grande para hacer grandes presentaciones de ballet.
Muchas compañías de ballet europeas todavía existen hoy y se crearon nuevos teatros de ópera en ciudades de Europa durante el siglo XIX, incluyendo el Kiev Ballet, el Ballet Nacional de Hungría, el Teatro Nacional de Ballet (Praga) y el Ballet Estatal de Viena. Estos teatros tenían espacio para ópera, drama y ballet. Compositores, escritores y coreógrafos podían crear obras que unían estas tres artes.
El Ballet en Rusia
Aunque Francia fue muy importante para el ballet, otros países y culturas adoptaron rápidamente esta forma de arte, especialmente Rusia. Rusia tiene una gran tradición de ballet, y el ballet ruso ha sido muy importante en su país a lo largo de la historia.
Después de 1850, el ballet empezó a perder fuerza en París, pero se hizo más popular en Dinamarca y Rusia gracias a maestros como August Bournonville, Jules Perrot, Arthur Saint-Léon, Enrico Cecchetti y Marius Petipa. A finales del siglo XIX, el "orientalismo" estaba de moda. El colonialismo trajo a la vista culturas de Asia y África, pero a menudo con información incompleta y mucha fantasía. El Este era visto como un lugar lejano donde todo era posible, siempre espléndido, exótico y lujoso.
Petipa siguió este gusto popular creando ballets como "La hija del Faraón" (1862), y más tarde "El talismán" (1889) y "La Bayadère" (1877). A Petipa se le recuerda por sus colaboraciones con Chaikovski. Usó música especial para sus coreografías de "El Cascanueces" (1892), "La Bella Durmiente" (1890) y "El Lago de los Cisnes" (1895). Estas obras fueron influenciadas por el folclore europeo.
Las bailarinas clásicas comenzaron a usar tutús, que eran faldas cortas con muchas capas de tela que mostraban la mayor parte de sus piernas.
El Ballet Llega a un "Nuevo Mundo"
Compañías de ballet de Europa comenzaron a hacer giras muy exitosas por teatros de Norteamérica, Centroamérica y Sudamérica a mediados del siglo XIX. El famoso Teatro Colón de Buenos Aires, Argentina, recibió a muchos bailarines extranjeros. Para la década de 1880, el Teatro Colón ya tenía su propia compañía de ballet profesional.
El Ballet en el Siglo XX y el Modernismo
Rusia y el Ballet Ruso
En la primavera de 1909, el empresario ruso Sergei Diaghilev visitó París con una compañía de bailarines del Teatro Mariinski de San Petersburgo: los Ballets Rusos. Ellos cambiaron por completo el concepto del ballet en el siglo XX.
Diaghilev y el compositor Igor Stravinsky unieron sus talentos para llevar el folclore ruso a París con El pájaro de fuego y Petrushka, con coreografía de Michel Fokine. Diaghilev también presentó las coreografías innovadoras del bailarín Vaslav Nijinsky como L'apres-midi d'un Faune con música de Claude Debussy y La consagración de la primavera con música de Stravinsky. Esta última causó un gran revuelo en su estreno en París en 1913.
El ballet siguió evolucionando en Rusia después de la Revolución rusa de 1917. Después de un período de calma en los años veinte, una nueva generación de bailarines y coreógrafos apareció a mediados de los años treinta. Se buscaba la perfección en la técnica y la precisión en la danza. Agrippina Vaganova, alumna de Petipa y Enrico Cecchetti, dirigió la Academia de Ballet Vaganova, que entrenaba bailarines para la compañía de ballet del Teatro Kirov de Leningrado (antes Teatro Mariinski).
El ballet siempre fue muy querido por el público, y las compañías del Teatro Bolshoi de Moscú y del Teatro Kirov de Leningrado eran muy populares.
Algunas obras importantes de esa época fueron Romeo y Julieta (1940) con música de Serguéi Prokófiev, y Las llamas de Paris (1932) con música de Boris Asafiev. Otras piezas como La Fuente de Bakhchisarai (1934) y La cenicienta (1945) tenían temas de folclore ruso y cuentos, con un carácter más divertido.
El ballet ruso soviético se hizo conocido en Europa occidental y Estados Unidos gracias a las giras de las compañías del Bolshoi y del Kirov, que comenzaron a finales de los años cincuenta y fueron muy populares en los sesenta.
La era soviética del ballet ruso puso mucho énfasis en la técnica, el drama y la fuerza. Bailarines como Galina Ulanova, Natalya Dudinskaya, Maya Plisetskaya, Nicolai Fadeyechev y Maris Liepa mostraron una gran técnica y pasión.
El Ballet en Estados Unidos
Después de que los Ballets Rusos se trasladaran a Francia, el ballet empezó a tener una influencia más amplia, especialmente en Estados Unidos.
Desde París, Fokine fue a Suecia y luego a Estados Unidos, estableciéndose en Nueva York. Él creía que el ballet tradicional era más que solo movimientos bonitos y habilidad física. Además de una buena técnica, pedía drama, expresión y autenticidad histórica. Los coreógrafos debían investigar el contexto de la obra y Fokine incluso rechazó el tutú tradicional, proponiendo vestuarios más modernos.
Fokine coreografió "Scheherazade" y "Cleopatra". También retomó piezas como "Petrushka" y "El pájaro de fuego". Una de sus obras más famosas fue "La muerte del cisne", interpretada por Anna Pavlova. Pavlova no solo era una gran bailarina, sino que también podía cumplir con las exigencias de Fokine. Se dice que Pavlova se identificó tanto con el papel del cisne que pidió ser vestida con el disfraz de cisne cuando muriera.
George Balanchine desarrolló una de las mejores técnicas en América cuando abrió escuelas en Chicago y Nueva York. Adaptó el ballet a los nuevos medios, como el cine y la televisión. Con su gran técnica, Balanchine hizo nuevas coreografías de clásicos como "Lago de los Cisnes" y "La Bella Durmiente", y también creó nuevos ballets. Produjo versiones originales de obras de William Shakespeare como: Romeo y Julieta, "The Merry Widow" y "A Midsummer Night's Dream".
En 1967, la obra "Joyas" de Balanchine rompió con la tradición de contar una historia, y en su lugar, se centró en dramatizar un tema. Esta nueva idea encajaba con la búsqueda de libertad de pensamiento y expresión en Estados Unidos. Hoy en día, gracias a Balanchine, el ballet es una de las danzas mejor conservadas en el mundo.
Barbara Karinska, una inmigrante rusa, colaboró con Balanchine para mejorar el diseño de vestuario. Ella introdujo un corte especial y un tutú clásico que permitía a los bailarines mayor libertad de movimiento. Con mucha atención a los detalles, decoraba sus tutús con cuentas, bordados y aplicaciones de tela.
Ballet Neoclásico
Se considera que George Balanchine fue el pionero de lo que hoy se conoce como ballet neoclásico. Este estilo de danza combina elementos del ballet clásico con la danza contemporánea. Tim Scholl, autor de "De Petipa a Balanchine", considera que la pieza "Apollo" (1928) fue el primer ballet neoclásico. "Apollo" representa una respuesta al coreógrafo Serge Diaghilev.
"Apollo" y otras obras de Balanchine todavía se presentan hoy, especialmente por el Ballet de Nueva York.
Frederick Ashton es otro coreógrafo importante asociado con el estilo neoclásico. Tres de sus obras son muy conocidas a nivel internacional: Sylvia (1952), Romeo y Julieta (1956) y Ondine (1958).
Época Contemporánea del Ballet
Mijaíl Barýshnikov, un bailarín que fue alumno de Balanchine, adoptó gran parte de este estilo neoclásico. Cuando Barýshnikov fue nombrado director artístico del American Ballet Theatre en 1980, trabajó con varios coreógrafos modernos, especialmente con Twyla Tharp. Tharp coreografió "Push Comes To Shove" para ABT y Barýshnikov en 1976. En 1986, creó su propia compañía con la obra "In The Upper Room". Ambas piezas fueron consideradas innovadoras por usar movimientos modernos y zapatillas de punta. Ahora, los bailarines estaban usando la técnica del "ballet contemporáneo".
Tharp también trabajó con la compañía Ballet Joffrey, fundada en 1957 por Robert Joffrey. Ella coreografió Deuce Coupe para esa compañía en 1973, usando música pop y una mezcla de técnicas modernas de ballet. El Ballet Joffrey siguió presentando muchas obras contemporáneas, muchas de ellas coreografiadas por Gerald Arpino.
Hoy en día, hay muchas compañías contemporáneas con técnicas más innovadoras y coreógrafos con nuevas rutinas. Estas nuevas compañías incluyen el Ballet de Madrid, el Royal Ballet de Flandes, Alonzo King LINES Ballet, Nacho Duato y Compañía Nacional de Danza, William Forsythe (quien ha trabajado con el Ballet Frankfurt y ahora con The Forsythe Company), y Jiří Kylián (director artístico de Nederlands Dans Theatre). Las compañías "clásicas" tradicionales, como el Ballet de Kirov y el Ballet Ópera de París, también presentan regularmente obras contemporáneas.
Galería de imágenes
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Fotografía de la Premier del ballet de Chaikovski. La Bella Durmiente (1890).
Véase también
En inglés: History of ballet Facts for Kids
Fuentes
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