Arte cinético para niños
El arte cinético es un tipo de arte donde las obras tienen movimiento que el espectador puede ver, o que necesitan el movimiento para mostrar su efecto. Las primeras obras de arte cinético eran cuadros que hacían que el espectador sintiera que la obra tenía más profundidad y se movía en varias direcciones.
Hoy en día, el arte cinético se refiere más a menudo a esculturas tridimensionales y a figuras como los móviles. Estas obras se mueven de forma natural, por ejemplo, con el viento, o son operadas por máquinas. El arte cinético incluye muchas técnicas y estilos diferentes que a veces se mezclan.
También hay una parte del arte cinético que incluye el movimiento virtual. Esto significa que el movimiento solo se percibe desde ciertos ángulos o partes de la obra. A veces, este término se confunde con "movimiento aparente", que se usa para obras de arte cuyo movimiento es creado por motores o sistemas eléctricos. Tanto el movimiento aparente como el virtual son estilos de arte cinético que, recientemente, algunos han considerado parte del arte óptico. Aunque hay algunas similitudes entre el arte cinético y el arte óptico, no son suficientes para que los artistas y expertos los unan bajo un mismo nombre.
El nombre "arte cinético" surgió de varias fuentes. Sus orígenes se encuentran en los artistas impresionistas de finales del siglo XIX, como Claude Monet, Edgar Degas y Édouard Manet. Ellos experimentaron con la idea de resaltar el movimiento de las figuras humanas en sus lienzos. Estos tres pintores buscaban crear un arte más realista. Por ejemplo, los retratos de bailarinas y caballos de carreras de Degas mostraban lo que él llamaba "realismo". A finales del siglo XIX, artistas como Degas sintieron la necesidad de competir con la fotografía creando paisajes y retratos llenos de vida y movimiento.
A principios del siglo XX, algunos artistas se enfocaron más en el movimiento dinámico en su arte. Naum Gabo, uno de los artistas a quienes se les atribuye el nombre de este estilo, a menudo describía su trabajo como un ejemplo de "ritmo cinético". Él consideraba que su escultura en movimiento Kinetic Construction (también llamada Standing Wave, 1919-20) fue la primera de su tipo en el siglo XX. Desde la década de 1920 hasta la de 1960, el estilo del arte cinético fue transformado por otros artistas que experimentaron con móviles y nuevas formas de escultura.
Contenido
Orígenes y desarrollo inicial
Los artistas hicieron grandes avances al "sacar las figuras y los escenarios de la página y demostrar que el arte no es rígido" (Calder, 1954). Esto llevó a importantes innovaciones y cambios en el estilo de las obras. Édouard Manet, Edgar Degas y Claude Monet fueron los tres artistas del siglo XIX que iniciaron estos cambios en el movimiento impresionista. Aunque cada uno tenía formas únicas de incluir el movimiento en sus obras, lo hicieron con la intención de ser realistas. En la misma época, Auguste Rodin fue un artista cuyas primeras obras apoyaron el desarrollo del movimiento cinético en el arte. Sin embargo, más tarde, Auguste Rodin criticó el movimiento, cuestionando si era posible capturar un momento exacto en el tiempo y darle la vitalidad de la vida real.
Édouard Manet y el movimiento en sus obras
Es difícil clasificar la obra de Manet en una época o estilo artístico específico. Una de sus obras que muestra un nuevo estilo es Le Ballet Espagnol (1862). Los contornos de las figuras y sus gestos sugieren profundidad entre ellas y con el escenario. Manet también resalta la falta de equilibrio en esta obra para hacer sentir al espectador que está a punto de presenciar un momento que está a segundos de ocurrir. El uso de colores y sombras borrosos en esta obra también sitúa al espectador en un momento fugaz.
En 1863, Manet continuó su estudio del movimiento en lienzos planos con Le déjeuner sur l'herbe. La luz, el color y la composición son similares, pero añade una nueva estructura a las figuras del fondo. La mujer que se inclina en el fondo no está completamente a escala, como si estuviera lejos de las figuras del primer plano. La falta de espacio es el método de Manet para crear un movimiento instantáneo y casi envolvente, similar a cómo difuminó los objetos en primer plano en Le Ballet Espagnol.
Edgar Degas y sus temas dinámicos
Se considera que Edgar Degas fue una continuación de las ideas de Manet, pero más radical para la comunidad impresionista. Los temas de Degas son un ejemplo perfecto de la época impresionista; se inspiró mucho en las imágenes de bailarinas de ballet y carreras de caballos. Sus "temas modernos" siempre tuvieron el objetivo de crear arte en movimiento. En su obra de 1860 Jeunes Spartiates s'exerçant à la lutte, usa figuras clásicas pero amplía el concepto general. Las sitúa en un paisaje plano y les da gestos dramáticos, lo que para él señalaba un nuevo tema de "juventud en movimiento".
Una de sus obras más innovadoras, L'Orchestre de l'Opéra (1868), interpreta formas de movimiento definidas y les da un movimiento multidimensional que va más allá de la superficie plana del lienzo. Coloca la orquesta directamente en el espacio del espectador, mientras que las bailarinas llenan completamente el fondo. Degas se refiere al estilo impresionista de combinar el movimiento, pero casi lo redefine de una manera poco común a finales del siglo XIX. En la década de 1870, Degas continuó esta tendencia a través de su gusto por las carreras de caballos en movimiento en obras como Voiture aux Courses (1872).
No fue hasta 1884 con Chevaux de Course cuando su intento de crear arte dinámico dio frutos. Esta obra es parte de una serie sobre carreras de caballos y partidos de polo, donde las figuras están bien integradas en el paisaje. Los caballos y sus dueños son representados como si estuvieran atrapados en un momento de intensa reflexión, y luego se alejan trotando sin preocupaciones en otros cuadros. Los impresionistas y la comunidad artística en general quedaron muy impresionados con esta serie, pero también se sorprendieron al darse cuenta de que se basaba en fotografías reales. A Degas no le importaron las críticas por usar la fotografía, y de hecho inspiró a Monet a usar una tecnología similar.
Claude Monet y la vibración en sus cuadros
El estilo de Degas y Monet era muy similar en un aspecto: ambos basaban su interpretación artística en una "impresión visual" directa para crear la sensación de variación y movimiento en su arte. Los temas o imágenes que usaban como base para sus cuadros venían de una visión objetiva del mundo. Al igual que con Degas, muchos historiadores del arte creen que este fue el efecto subconsciente que tuvo la fotografía en ese período. Sus obras de la década de 1860 mostraban muchos de los signos de movimiento que se ven en las obras de Degas y Manet.
Hacia 1875, el estilo de Monet se volvió muy rápido en sus nuevas series, comenzando con Le Bâteau-Atelier sur la Seine. El paisaje casi cubre todo el lienzo y tiene suficiente movimiento, que proviene de sus pinceladas imprecisas, como para que las figuras formen parte de ese movimiento. Este cuadro, junto con Gare Saint-Lazare (1877-1878), demuestra a muchos historiadores del arte que Monet estaba redefiniendo el estilo de la era impresionista. Al principio, el impresionismo se definía por el aislamiento del color, la luz y el movimiento. A finales de la década de 1870, Monet había sido pionero en un estilo que combinaba los tres elementos, mientras se centraba en los temas populares de la época impresionista. Los artistas solían estar tan impresionados por las pinceladas suaves de Monet que, más que movimiento en sus cuadros, se trataba de una vibración llamativa.
Auguste Rodin y la escultura en movimiento
Auguste Rodin al principio estaba muy impresionado por las "obras vibrantes" de Monet y la forma única en que Degas entendía las relaciones espaciales. Como artista y autor de críticas de arte, Rodin publicó varios trabajos apoyando este estilo. Afirmaba que las obras de Monet y Degas creaban la ilusión "de que el arte captura la vida mediante un buen modelado y movimiento". En 1881, cuando Rodin esculpió por primera vez y produjo sus propias obras de arte, cambió de opinión. Esculpir puso a Rodin en un dilema que, en su opinión, nadie podría resolver: ¿cómo pueden los artistas dar movimiento y gestos dramáticos a obras tan sólidas como las esculturas? Después de pensar en esto, publicó nuevos artículos que no atacaban directamente a artistas como Manet, Monet y Degas, sino que difundían sus propias teorías de que el impresionismo no trata de comunicar el movimiento, sino de presentarlo de forma estática.
Surrealismo del siglo XX y arte cinético temprano
El estilo surrealista del siglo XX facilitó la transición hacia el arte cinético. Todos los artistas comenzaron a explorar temas que antes no habrían sido aceptables para representar artísticamente. Los artistas fueron más allá de pintar solo paisajes o eventos históricos, y sintieron la necesidad de profundizar en lo cotidiano y lo extremo para interpretar nuevos estilos. Con el apoyo de artistas como Albert Gleizes, otros artistas de vanguardia como Jackson Pollock y Max Bill sintieron que habían encontrado una nueva inspiración para descubrir rarezas que se convirtieron en el centro del arte cinético.
Albert Gleizes y el ritmo en el arte
Gleizes fue considerado un filósofo importante de las artes a finales del siglo XIX y principios del siglo XX en Europa, especialmente en Francia. Sus teorías y escritos de 1912 sobre el cubismo le dieron una reputación reconocida en cualquier discusión artística. Esta reputación le permitió tener una gran influencia al apoyar el estilo plástico o el movimiento rítmico del arte en las décadas de 1910 y 1920. Gleizes publicó una teoría sobre el movimiento, que explicaba aún más sus ideas sobre los usos psicológicos y artísticos del movimiento, junto con la forma de pensar que surge al considerarlo. En sus publicaciones, Gleizes afirmaba repetidamente que la creación humana implica dejar de lado las sensaciones externas. Eso era lo que para él hacía que el arte fuera móvil, mientras que para muchos, incluido Rodin, era rígido e inmóvil.
Gleizes fue el primero en insistir en la necesidad del ritmo en el arte. Para él, el ritmo significaba la coincidencia visualmente agradable de las figuras en un espacio bidimensional o tridimensional. Las figuras debían estar espaciadas de forma matemática o sistemática, para que parecieran interactuar entre sí. Las figuras tampoco debían tener rasgos demasiado definidos. Debían tener formas y composiciones casi confusas, y a partir de ahí el espectador podía creer que las propias figuras se movían en ese espacio reducido. Quería que las pinturas, las esculturas e incluso las obras planas de los artistas de mediados del siglo XIX mostraran cómo las figuras podían transmitir al espectador que había un gran movimiento contenido en un espacio determinado. Como filósofo, Gleizes también estudió el concepto de movimiento artístico y cómo este atraía al espectador. Gleizes actualizó sus estudios y publicaciones a lo largo de la década de 1930, justo cuando el arte cinético se estaba haciendo popular.
Jackson Pollock y la pintura en acción
Cuando Jackson Pollock creó muchas de sus famosas obras, Estados Unidos ya estaba a la vanguardia de los movimientos de arte cinético y popular. Los estilos y métodos novedosos que usó para crear sus piezas más famosas le valieron el puesto en la década de 1950 como líder indiscutible de los pintores cinéticos. Su obra se asoció con la Action painting, término acuñado por el crítico de arte Harold Rosenberg en la década de 1950. Pollock tenía un deseo incontrolable de dar vida a todos los aspectos de sus cuadros. Pollock se decía a sí mismo repetidamente: "Yo estoy en cada cuadro". Usaba herramientas que la mayoría de los pintores nunca usarían, como palos, paletas y cuchillos. Consideraba que las formas que creaba eran "objetos hermosos e impredecibles".
Este estilo evolucionó en su técnica de goteo. Pollock tomaba repetidamente cubos de pintura y pinceles y los agitaba hasta que el lienzo quedaba cubierto de líneas garabateadas y trazos irregulares. En la siguiente fase de su obra, Pollock probó su estilo con materiales poco comunes. Pintó su primera obra con pintura de aluminio en 1947, titulada Catedral, y a partir de ahí probó sus primeras salpicaduras para romper la unidad del propio material. Creía de todo corazón que estaba liberando los materiales y la estructura del arte de sus límites, y así llegó al arte móvil o cinético que siempre existió.
Max Bill y el arte matemático
Max Bill se convirtió en un seguidor casi completo del movimiento cinético en la década de 1930. Creía que el arte cinético debía hacerse desde una perspectiva puramente matemática. Para él, usar principios y conocimientos matemáticos era una de las pocas formas de crear un movimiento objetivo. Esta teoría se aplicaba a todas las obras de arte que creaba y a cómo las creaba. El bronce, el mármol, el cobre y el latón fueron cuatro de los materiales que usó en sus esculturas. También le gustaba engañar al ojo del espectador cuando se acercaba por primera vez a una de sus esculturas. En su Construcción con cubo suspendido (1935-1936) creó una escultura móvil que generalmente parece tener una simetría perfecta, pero una vez que el espectador la mira desde un ángulo diferente, hay aspectos de asimetría.
Móviles y escultura
Las esculturas de Max Bill fueron solo el comienzo del estilo de movimiento que exploró el arte cinético. Tatlin, Ródchenko y Calder tomaron las esculturas inmóviles de principios del siglo XX y les dieron la más mínima libertad de movimiento. Estos tres artistas comenzaron probando el movimiento impredecible, y a partir de ahí intentaron controlar el movimiento de sus figuras con mejoras tecnológicas. El término "móvil" viene de la capacidad de cambiar cómo la gravedad y otras condiciones atmosféricas afectan la obra del artista.
Aunque hay muy poca diferencia entre los estilos de móviles en el arte cinético, se puede hacer una distinción. Los móviles ya no se consideran móviles cuando el espectador tiene control sobre su movimiento. Esta es una de las características del movimiento virtual. Cuando la pieza solo se mueve bajo ciertas circunstancias que no son naturales, o cuando el espectador controla el movimiento, aunque sea un poco, la figura funciona bajo el movimiento virtual.
Los principios del arte cinético también han influido en el arte del mosaico. Por ejemplo, las piezas de mosaico con influencia cinética suelen usar diferencias claras entre azulejos brillantes y oscuros, con forma tridimensional, para crear sombras y movimiento aparentes.
Vladímir Tatlin y las esculturas suspendidas
El artista ruso y miembro fundador del movimiento ruso constructivismo Vladímir Tatlin es considerado por muchos artistas e historiadores del arte como la primera persona en completar una escultura móvil. El término móvil no se acuñó hasta la época de Ródchenko, pero es muy aplicable a la obra de Tatlin. Su móvil es una serie de relieves suspendidos que solo necesitan una pared o un pedestal, y que permanecerían suspendidos para siempre. Este primer móvil, Contre-Reliefs Libérés Dans L'espace (1915), se considera una obra incompleta. Se trata de un ritmo, muy parecido al de Pollock, que se basa en el encaje matemático de los planos que crean una obra libremente suspendida en el aire.
El proyecto para el Monumento a la Tercera Internacional o Torre de Tatlin (1919-20), fue un diseño para un edificio monumental de arquitectura cinética que nunca se construyó. Se planeó su construcción en Petrogrado (actualmente San Petersburgo) después de la Revolución bolchevique de 1917, como sede y monumento.
Tatlin nunca sintió que su arte fuera un objeto o un producto que necesitara un principio o un final claro. Sentía, sobre todo, que su obra era un proceso en evolución. Muchos artistas con los que se hizo amigo consideraban que el móvil estaba realmente completo en 1936, pero él estaba en desacuerdo con vehemencia.
Aleksandr Ródchenko y el no objetivismo
El artista ruso Aleksandr Ródchenko, amigo y compañero de Tatlin que insistía en que su obra estaba completa, continuó el estudio de los móviles suspendidos y creó lo que él consideraba "no objetivismo". Este estilo se centraba menos en los móviles que en las pinturas sobre lienzo y los objetos inmóviles. Se enfoca en la combinación de objetos de diferentes materiales y texturas para despertar nuevas ideas en la mente del espectador. Al crear una discontinuidad en la obra, el espectador suponía que la figura se movía fuera del lienzo o del soporte al que estaba limitada. Una de sus obras en lienzo, titulada Danza, una composición sin objetos (1915), muestra ese deseo de colocar juntos elementos y formas de diferentes texturas y materiales para crear una imagen que atraiga la atención del espectador.
Sin embargo, en las décadas de 1920 y 1930, Ródchenko encontró la manera de incorporar sus teorías del no objetivismo en el estudio móvil. Su obra de 1920 Construcción colgante es un móvil de madera que cuelga de cualquier techo mediante una cuerda y gira de forma natural. Esta escultura móvil tiene círculos concéntricos que existen en varios planos, pero toda la escultura solo gira horizontal y verticalmente.
Alexander Calder y la definición del móvil
Alexander Calder es un artista que muchos consideran que definió de forma clara y precisa el estilo de los móviles en el arte cinético. A lo largo de años de estudio de sus obras, muchos críticos afirman que Calder fue influenciado por una gran variedad de fuentes. Algunos dicen que las campanas de viento chinas eran objetos que se parecían mucho a la forma y la altura de sus primeros móviles. Otros historiadores del arte sostienen que los móviles de la década de 1920 de Man Ray, incluido Shade (1920), tuvieron una influencia directa en el crecimiento del arte de Calder.
Cuando Calder se enteró de estas afirmaciones, regañó inmediatamente a sus críticos. "Nunca he sido ni seré un producto de nada más que yo mismo. Mi arte es mío, ¿por qué molestarse en afirmar algo sobre mi arte que no es cierto?" Uno de los primeros móviles de Calder, Mobile (1938), fue la obra que "demostró" a muchos historiadores del arte que Man Ray tenía una influencia evidente en el estilo de Calder. Tanto Sombra como Móvil tienen una sola cuerda atada a una pared o a una estructura que las mantiene en el aire. Las dos obras tienen una característica arrugada que vibra cuando el aire las atraviesa.
Independientemente de las obvias similitudes, el estilo de los móviles de Calder creó dos tipos que ahora se consideran el estándar en el arte cinético. Hay móviles-objeto y móviles suspendidos. Los móviles-objeto sobre soportes tienen una amplia gama de formas y tamaños y pueden moverse de cualquier manera. Los móviles suspendidos se hicieron por primera vez con vidrios de colores y pequeños objetos de madera que colgaban de largos hilos. Los móviles de objetos formaban parte del estilo emergente de Calder, que originalmente eran esculturas fijas.
Se puede argumentar, basándose en su forma y postura similares, que los primeros móviles objeto de Calder tienen muy poco que ver con el arte cinético o el arte en movimiento. En la década de 1960, la mayoría de los críticos de arte creían que Calder había perfeccionado el estilo de los móviles de objetos en creaciones como el Móvil de gato (1966). En esta obra, Calder permite que la cabeza y la cola del gato estén sujetas a un movimiento aleatorio, pero su cuerpo está inmóvil. Calder no inició la tendencia de los móviles suspendidos, pero fue el artista que se hizo reconocer por su aparente originalidad en la construcción de móviles.
Uno de sus primeros móviles suspendidos, McCausland Mobile (1933), es diferente de muchos otros móviles contemporáneos simplemente por las formas de los dos objetos. A la mayoría de los artistas de móviles, como Ródchenko y Tatlin, nunca se les habría ocurrido utilizar esas formas porque no parecían fáciles de moldear ni remotamente aerodinámicas.
A pesar de que Calder no reveló la mayoría de los métodos que usó al crear sus obras, admitió que utilizó relaciones matemáticas para hacerlas. Solo dijo que creó un móvil equilibrado usando proporciones de variación directa de peso y distancia. Las fórmulas de Calder cambiaban con cada nuevo móvil que hacía, por lo que otros artistas nunca podrían imitar la obra con precisión.
Escultura cinética: movimiento y percepción
El arte cinético y el arte óptico son corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento. Se representan principalmente en el campo de la escultura, donde uno de los recursos son los componentes móviles de las obras. En la pintura, el arte cinético también puede basarse en las ilusiones ópticas, en la vibración visual y en la dificultad de nuestro ojo para mirar simultáneamente dos superficies de colores muy contrastados. Esto se relaciona con el Op Art.
Las primeras manifestaciones de arte cinético aparecen en los años 1910, en el movimiento futurista y en algunas obras de Marcel Duchamp. Más tarde, Alexander Calder inventó el móvil, un tipo de escultura hecha de alambre y pequeñas piezas de metal suspendidas que se mueven ligeramente con el aire. La expresión arte cinético se adoptó hacia 1954, para referirse a las obras de arte que se mueven por el viento, los espectadores o un mecanismo motorizado.
El arte cinético estuvo muy de moda desde mediados de los años 1960 hasta mediados de los 1970.
Es una tendencia de las pinturas y esculturas contemporáneas creadas para producir una impresión de movimiento. El nombre tiene su origen en la rama de la mecánica que investiga la relación entre los cuerpos y las fuerzas que actúan sobre ellos. Este término apareció por primera vez en 1920 cuando Naum Gabo en su Manifiesto Realista rechazó “el error heredado del arte egipcio, que veía en los ritmos estáticos el único medio de creación plástica” y quiso reemplazarlos por los ritmos cinéticos: “formas esenciales de nuestra percepción del tiempo real”. Usó esta expresión coincidiendo con su primera obra cinética, que era una varilla de acero movida por un motor, y le dio valor al término usado hasta ese momento en la física mecánica y en la ciencia, pero comenzó a usarse de forma habitual a partir del año 1955.
Hoy en día, se conoce como arte cinético a aquellas obras que causan en el espectador una sensación de movimiento e inestabilidad, gracias a ilusiones ópticas, que cambian de aspecto según el punto desde el que se miran o por la luz que reciben (un ejemplo pueden ser los anuncios luminosos). También se incluyen dentro de este movimiento los móviles sin motor y las construcciones tridimensionales con movimiento mecánico.
Características del arte cinético
- El arte cinético busca el movimiento, y en la mayoría de las obras, este movimiento es real, no solo una ilusión.
- Para crear la obra, el artista planifica y sigue una estructura muy precisa.
- La mayoría de las obras cinéticas son tridimensionales, es decir, se separan del plano bidimensional.
- Los recursos para crear movimiento son muchos, como el viento, el agua, motores, luz o electromagnetismo.
Tipos de arte cinético
Existen diferentes tipos de obras cinéticas según cómo producen la sensación de movimiento:
- Los estables: Son obras cuyos elementos son fijos, pero están colocados de tal manera que el espectador debe moverse alrededor de ellos para percibir el movimiento.
- Los móviles: Son obras que producen un movimiento real por diversas causas, cambiando su estructura constantemente.
- Los penetrables: Generalmente son instalaciones en un espacio real que requieren que el espectador entre en ellas para poder percibirlas a medida que las recorre.
Galería de imágenes
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Lyman Whitaker, The Twister Star Huge, una escultura rotatoria
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Jesús Rafael Soto, La Esfera, Caracas, Venezuela
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David Ascalon, Wings to the Heavens, 2008. Fabricada en aluminio y cable de acero inoxidable, Temple Israel (Memphis), Tennessee.
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The Bucket Fountain, Wellington, Nueva Zelanda
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Wave, Park West, Dublin, Angela Conner
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Nicolas Schöffer Chronos 10B, 1980, Munich
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Yaacov Agam, Sheba Medical Center, Israel
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Marc van den Broek, Sun Writer, 1986, Alemania
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Turpin + Crawford Studio, Halo, Sidney, Australia
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Uli Aschenborn, si el observador pasa por cerca del Dado Mágico la pintura de camaleón muestra 1, 2 o 3 pips y su color cambia - arena y pintura, Namibia
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Uli Aschenborn, Morph-Cube muestra un pez, el cual cambia cuando el observador se desplaza, Namibia
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Sarnikoff 'Copos de oro' Móvil animado por un motor asincrónico, también arte reciclado, Francia
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George Rhoads, Archimedean Excogitation (1987), una escultura del tipo bola desplazable, Museo de Ciencias, Boston, Estados Unidos
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Francisco Infante. Espacio-movimiento-infinito (1963-1965, reproducción de autor de 2008). Galería Tretyakov, Moscú
Véase también
En inglés: Kinetic art Facts for Kids
