Música hip hop para niños
Datos para niños Hip hop |
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| Orígenes musicales | Música disco Música electrónica Rhythm and blues Spoken word Blues hablado Scat Soul Funk Poesía en performance |
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| Orígenes culturales | Estados Unidos  |
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| Instrumentos comunes | ||
| Popularidad | América, Europa, Asia | |
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La música hip hop o rap es un estilo de música popular que nació en los Estados Unidos. Fue creado por jóvenes afroestadounidenses y latinoamericanos en los barrios de El Bronx y Harlem, en la ciudad de Nueva York, a finales de los años 1960. Consiste en una música con ritmos especiales que a menudo se acompaña de la acción de rapear. Rapear es un tipo de discurso rítmico que se canta.
Este estilo musical se desarrolló como parte de la cultura hip hop, que tiene cuatro elementos principales: MCing/rapear (cantar con rima), DJ/scratching (usar tocadiscos para crear sonidos), breakdance (un estilo de baile) y escritura de graffiti (arte en paredes). Otros elementos importantes incluyen usar partes de ritmos o líneas de bajo de otras canciones (muestreo) y hacer sonidos rítmicos con la boca (beatboxing). Los términos "música hip hop" y "música rap" se usan a menudo como si fueran lo mismo. Sin embargo, no siempre es necesario rapear en la música hip hop, ya que también se pueden usar solo los elementos de DJ, turntablism (arte de usar tocadiscos), scratching, beatboxing y pistas instrumentales.
El rap, como género musical y parte de una cultura, se formó en la década de 1970. En ese tiempo, las fiestas de barrio se hicieron muy populares en Nueva York, especialmente entre los jóvenes afroestadounidenses del Bronx. En estas fiestas, los DJ ponían partes de percusión de canciones populares usando dos tocadiscos y un mezclador. Así podían repetir estas partes rítmicas, haciéndolas más largas. El hip hop creció cuando la tecnología para muestrear sonidos y las cajas de ritmos se hicieron más fáciles de conseguir y más baratas. Técnicas de DJ como el scratching (mover el disco para crear sonidos) y el beatmatching (ajustar el ritmo de dos canciones) se desarrollaron junto con estas "pausas" musicales. También se usó el "tostado" jamaicano, un estilo vocal cantado sobre los ritmos. Rapear es un estilo vocal donde el artista habla, canta o recita rítmicamente, generalmente con una base musical.
La música hip hop no se grabó oficialmente para la radio o televisión hasta 1979. Esto se debió en parte a que el género nació en comunidades con pocos recursos y no era muy aceptado fuera de esos barrios. El hip hop de la vieja escuela fue la primera etapa importante del género, con influencias de la música disco y letras sobre fiestas. La década de 1980 marcó un cambio, ya que el hip hop se hizo más complejo y se extendió por el mundo. El hip hop de la nueva escuela fue la segunda etapa, con un sonido más electrónico. Esto llevó a la "edad de oro" del hip hop, un período muy creativo entre mediados de los 80 y mediados de los 90, donde también surgieron los álbumes de hip hop.
En ese tiempo, un subgénero llamado "rap de la calle" se hizo popular. Este estilo hablaba sobre las dificultades y la vida en los barrios con pocos recursos. El hip hop de la costa oeste de Estados Unidos estuvo dominado por el G-funk a principios y mediados de los 90. Mientras tanto, el hip hop de la costa este se inclinó más hacia el jazz rap, el hip hop alternativo y el hardcore rap. El hip hop siguió creciendo con nuevos estilos regionales, como el rap sureño y el hip hop de Atlanta. A mediados de los 90, el hip hop se convirtió en un género muy vendido, y en 1999 fue el género musical más vendido.
La popularidad del hip hop continuó desde finales de los 90 hasta mediados de los 2000. La influencia del hip hop se vio cada vez más en otros géneros musicales, como el neo soul, el nu metal y el R&B. En Estados Unidos, estilos regionales como el crunk (un género sureño que se enfocaba más en los ritmos que en las letras) tuvieron éxito. El hip hop alternativo también empezó a ser más conocido. A finales de los 2000 y principios de los 2010, los raperos pudieron llegar a más gente usando plataformas en línea como redes sociales y blogs. El hip hop más popular se volvió más melódico. A mediados de los 2010 y principios de los 2020, los subgéneros trap y mumble rap se hicieron muy populares. En 2017, el hip hop superó al rock como el género musical más popular en Estados Unidos.
Contenido
¿De dónde viene el nombre "Hip Hop"?
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Las palabras "hip" y "hop" tienen una larga historia de uso juntas. En los años 50, las personas mayores llamaban a las fiestas de adolescentes "hippity hops". La creación del término "hip hop" para la cultura se le atribuye a menudo a Keith Cowboy, un rapero del grupo Grandmaster Flash and Furious Five. Sin embargo, Lovebug Starski, Keith Cowboy y DJ Hollywood usaron el término cuando la música todavía se conocía como "disco rap".
Se cree que Cowboy creó el término mientras se burlaba de un amigo que se había unido al ejército de EE. UU., cantando las palabras "hip / hop / hip / hop", imitando el sonido de los soldados marchando. Cowboy luego incluyó esta cadencia "hip hop" en sus actuaciones. Por ejemplo, decía algo como "Dije hip-hop, hibbit, hibby-dibby, hip-hip-hop y no te detienes". Otros artistas, como The Sugarhill Gang, lo usaron rápidamente en su canción "Rapper's Delight".
A Afrika Bambaataa, fundador de Universal Zulu Nation y conocido como "El Padrino", se le atribuye haber usado el término por primera vez para describir la subcultura a la que pertenecía la música. Aunque también se dice que al principio era un término para describir el tipo de música. El término se usó por primera vez por escrito para referirse a la música en un artículo de febrero de 1979 en The New Pittsburgh Courier, escrito por Robert Flipping, Jr. Para referirse a la cultura, apareció en una entrevista de enero de 1982 de Afrika Bambaataa por Michael Holman en el East Village Eye. El término se hizo más conocido en septiembre de ese año en otra entrevista de Bambaataa en The Village Voice, por Steven Hager, quien luego escribió una historia del hip hop en 1984.
Hay diferentes opiniones sobre si "hip hop" y "rap" pueden usarse indistintamente. Incluso entre los expertos en hip hop, hay desacuerdos. La opinión más común es que el hip hop es un movimiento cultural que surgió en el sur del Bronx, Nueva York, en la década de 1970. El rap es uno de sus cuatro elementos principales. Los otros tres elementos esenciales del hip hop son el arte del graffiti (o arte en aerosol), el break dance y el DJing. La música rap se ha convertido en la expresión más famosa de la cultura hip hop, en gran parte porque es la más fácil de llevar a un público masivo.
¿Cómo empezó el Hip Hop?
Los primeros años (1973-1979)
El hip hop, como música y cultura, se formó en la década de 1970 en Nueva York. Nació del intercambio cultural entre jóvenes afroestadounidenses y jóvenes inmigrantes o hijos de inmigrantes de países del Caribe. Desde sus inicios, la música hip hop ha sido una forma de expresión para los jóvenes de comunidades con pocos recursos. La cultura hip hop reflejaba las realidades sociales y económicas de sus vidas. Muchas de las personas que ayudaron a crear la cultura hip hop, como DJ Kool Herc, DJ Disco Wiz, Grandmaster Flash y Afrika Bambaataa, tenían raíces caribeñas.
Es difícil saber exactamente qué influencias musicales afectaron más al hip hop temprano debido a la diversidad cultural de Nueva York. Los primeros pioneros del hip hop se inspiraron en una mezcla de música de sus propias culturas y de las culturas a las que estuvieron expuestos. Nueva York tuvo una fuerte influencia del hip hop jamaicano en los años 90, debido a la creciente inmigración de jamaicanos y al crecimiento de jóvenes jamaicanos nacidos en Estados Unidos.
En los años 70, las fiestas de barrio eran muy populares en Nueva York, especialmente entre los jóvenes afroestadounidenses, caribeños y latinos del Bronx. En estas fiestas, los DJ ponían géneros musicales populares, como el funk y el soul. Como gustaban mucho, los DJ comenzaron a aislar las partes de percusión de las canciones. Esta técnica era común en la música dub jamaicana y fue introducida en Nueva York por inmigrantes del Caribe, incluyendo a DJ Kool Herc, uno de los pioneros del hip hop.
Como las pausas de percusión en los discos de funk, soul y disco eran cortas, Herc y otros DJ empezaron a usar dos tocadiscos para hacerlas más largas. Herc creó el modelo para la música y la cultura hip hop basándose en la tradición jamaicana del "brindis" improvisado, un tipo de poesía hablada y de alarde sobre la música. El 11 de agosto de 1973, DJ Kool Herc fue el DJ en la fiesta de regreso a clases de su hermana. Alargó el ritmo de un disco usando dos tocadiscos, aislando los "cortes" de percusión y cambiando entre los dos discos con un mezclador. Los experimentos de Herc de hacer música con tocadiscos se convirtieron en lo que ahora conocemos como "romper" o "rayar" (scratching).
Un segundo elemento musical clave en el hip hop es ser maestro de ceremonias (también llamado MCing o rap). El MCing es la entrega rítmica de rimas y juegos de palabras, al principio sin música y luego con un ritmo. Este estilo hablado fue influenciado por el estilo afroestadounidense de "capping", una actuación donde los hombres intentaban superarse en la originalidad de su lenguaje para impresionar a los oyentes. Los elementos básicos del hip hop (rimas de alarde, grupos rivales, y comentarios sobre temas sociales y políticos) ya existían en la música afroestadounidense. Los artistas de MC y rap alternaban entre canciones de "brindis" llenas de alarde y un estilo más actual, político y socialmente consciente.
El papel del MC era originalmente el de presentador de un evento de baile de DJ. El MC presentaba al DJ y animaba al público. Hablaba entre las canciones del DJ, invitando a todos a levantarse y bailar. Los MCs también contaban chistes y usaban su energía para animar a la multitud. Con el tiempo, este papel introductorio se convirtió en sesiones más largas de juegos de palabras rítmicos y rimas, que se transformaron en el rap.
En 1979, la música hip hop se había convertido en un género más conocido. Se extendió por todo el mundo en la década de 1990. Herc también desarrolló el "deejaying de ritmo de ruptura", donde las partes de las canciones de funk más adecuadas para bailar (generalmente basadas en percusión) se aislaban y repetían para fiestas de baile. Esta forma de tocar música, usando funk y rock, formó la base del hip hop. Los anuncios y exhortaciones de Campbell a los bailarines llevaron al acompañamiento hablado y rimado que ahora se conoce como rap. Él llamó a sus bailarines "break-boys" y "break-girls", o simplemente b-boys y b-girls. Según Herc, "romper" también era una forma de decir "emocionarse" y "actuar con energía" en el lenguaje callejero.
DJ como Grand Wizzard Theodore, Grandmaster Flash y Jazzy Jay mejoraron el uso de los "breakbeats", incluyendo el corte y el scratching. A medida que la manipulación de los tocadiscos evolucionaba, surgió una nueva técnica llamada "caída de agujas". Grandmaster Flash la creó para alargar las pausas de batería. Lo hacía tocando dos copias de un disco al mismo tiempo y moviendo la aguja en un tocadiscos al inicio de la pausa mientras el otro seguía sonando. El método de Herc fue muy copiado, y a finales de los 70, los DJ lanzaban discos de 12 pulgadas donde rapeaban al ritmo. Canciones populares fueron "The Breaks" de Kurtis Blow y "Rapper's Delight" de The Sugarhill Gang. Herc y otros DJ conectaban su equipo a la electricidad y actuaban en lugares como canchas de baloncesto públicas y en 1520 Sedgwick Avenue, Bronx, Nueva York, que ahora es un edificio histórico. El equipo incluía muchos altavoces, tocadiscos y micrófonos. Usando esta técnica, los DJ podían crear mucha música. Según David Toop, KC The Prince of Soul, un rapero y letrista de Pete DJ Jones, es a menudo considerado el primer letrista de rap en llamarse a sí mismo un "MC".
En el sur del Bronx, las pandillas callejaban eran comunes. Gran parte del graffiti, los rapeos y el b-boying en estas fiestas eran formas artísticas de la competencia entre pandillas. Afrika Bambaataa, al sentir que la energía de los pandilleros podía usarse de forma creativa, fundó Zulu Nation. Esta era una unión de grupos de baile callejero, grafiteros y músicos de rap. A finales de los 70, la cultura llamó la atención de los medios. La revista Billboard publicó un artículo llamado "B Beats Bombarding Bronx", hablando del fenómeno local y mencionando a figuras como Kool Herc. El apagón de Nueva York de 1977 provocó saqueos e incendios en toda la ciudad, especialmente en el Bronx. Muchos saquearon equipos de DJ de tiendas de electrónica. Como resultado, el género hip hop, que apenas se conocía fuera del Bronx, creció muy rápido a partir de 1977.
Las fiestas en casa de DJ Kool Herc se hicieron populares y luego se trasladaron a lugares al aire libre para más gente. Estas fiestas en parques se convirtieron en una forma de expresión para los adolescentes. "En lugar de meterse en problemas en las calles, los adolescentes ahora tenían un lugar para usar su energía". Tony Tone, de Cold Crush Brothers, dijo que "el hip hop salvó muchas vidas". Para los jóvenes de las ciudades, participar en la cultura hip hop se convirtió en una forma de enfrentar las dificultades de la vida y una salida para lidiar con el riesgo de violencia. MC Kid Lucky menciona que, inspirado por DJ Kool Herc, Afrika Bambaataa creó una organización llamada Universal Zulu Nation, enfocada en el hip hop, para ayudar a los adolescentes a alejarse de la vida de pandillas y violencia.
El contenido de las letras de muchos de los primeros grupos de rap se enfocaba en temas sociales. Un ejemplo importante es la canción "The Message" de Grandmaster Flash and the Furious Five, que hablaba sobre la vida en los proyectos de vivienda. "Los jóvenes afroestadounidenses, después del movimiento por los derechos civiles, usaron la cultura hip hop en los años 80 y 90 para mostrar los límites de ese movimiento". El hip hop les dio a los jóvenes afroestadounidenses una voz para que sus problemas fueran escuchados. "Al igual que el rock-and-roll, el hip hop fue criticado por algunos porque se decía que glorificaba la violencia y las pandillas". También dio a las personas la oportunidad de obtener beneficios económicos al "mostrar al resto del mundo sus preocupaciones sociales".
A finales de 1979, Debbie Harry de Blondie llevó a Nile Rodgers de Chic a un evento de este tipo, ya que la base musical principal era una parte de "Good Times" de Chic. Este nuevo estilo influyó en Harry, y el éxito de Blondie en 1981, "Rapture", fue la primera canción en tener elementos de hip hop y llegar al número uno en la lista Billboard Hot 100 de EE. UU. La canción en sí se considera generalmente new wave y mezcla elementos de pop, pero tiene un rap largo de Harry casi al final.
El boxeador Muhammad Ali, una celebridad afroestadounidense muy influyente, recibió mucha atención de los medios. Ali influyó en varios elementos de la música hip hop. Tanto en el ring de boxeo como en las entrevistas, Ali se hizo famoso en los años 60 por ser un "maestro de las rimas". Ali usaba una "forma de hablar con ritmo" en sus comentarios, que incluían "alardes, charlas divertidas y líneas de citas sin fin". Según Rolling Stone, sus "habilidades de estilo libre" (improvisación vocal sin un tema o estructura particular) y sus "rimas, fluidez y confianza" influenciarían a MCs como Run-DMC y LL Cool J, quien cita a Ali como una inspiración. La música hip hop en sus inicios fue una forma de expresión para los jóvenes de comunidades con pocos recursos, ya que la cultura hip hop reflejaba las realidades sociales y económicas de sus vidas.
¿Cómo ayudó la tecnología al Hip Hop?
Dos DJ de hip hop creando música nueva mezclando pistas de varios tocadiscos. En la foto aparecen DJ Hypnotize (izquierda) y Baby Cee (derecha). La primera evolución del hip hop ocurrió cuando la tecnología de muestreo (sampling) y las cajas de ritmos se hicieron más accesibles para el público en general, no solo para los estudios profesionales. Las cajas de ritmos y los muestreadores se combinaron en máquinas conocidas como MPC o 'Centros de Producción Musical'. Ejemplos tempranos incluyen el Linn 9000. El primer muestreador ampliamente usado para crear este nuevo tipo de música fue el Mellotron, junto con la caja de ritmos TR-808. Los Mellotrons y Linn's fueron reemplazados por AKAI a finales de los años 80.
Las técnicas de tocadiscos, como el "scratching" rítmico (mover un disco hacia adelante y hacia atrás mientras la aguja está en el surco para crear nuevos sonidos, una técnica atribuida a Grand Wizzard Theodore), la mezcla de ritmos y el "beat juggling" (manipular ritmos), se desarrollaron junto con las pausas de percusión. Esto creó una base musical que podía ser rapeada. Además, el arte del "brindis" jamaicano, un estilo de hablar o cantar en un micrófono, a menudo con un tono de alarde, mientras los ritmos suenan en un sistema de sonido, fue una influencia importante en el desarrollo del hip hop. El "tostado" es otra influencia de la música dub jamaicana.
¿Qué es el Rap?
MC Hero interpretando rimas rítmicas conocidas como "rap" en Huntsville, Alabama.
El rap, también conocido como MCing, es un estilo vocal donde el artista habla de forma rítmica y con rima, generalmente sobre un ritmo instrumental o sintetizado. Los ritmos, casi siempre en compás de 4/4, pueden ser creados por un productor que "samplea" (toma partes) o secuencia (organiza) porciones de otras canciones. También pueden incluir sintetizadores, cajas de ritmos y bandas en vivo. Los raperos pueden escribir, memorizar o improvisar sus letras y presentarlas sin música (a capela) o con un ritmo.
La música hip hop existía antes de que el rap se introdujera en la cultura hip hop. La voz del rap no está presente en muchas canciones de hip hop, como "Hip Hop, Be Bop (Don't Stop)" de Man Parrish; "Chinese Arithmetic" de Eric B. & Rakim; "Al-Naafiysh (The Soul)" y "We're Rocking the Planet" de Hashim; y "Destination Earth" de Newcleus. Sin embargo, la mayoría del género ha estado acompañado de voces de rap, como el grupo de electro hip hop con influencia de ciencia ficción Warp 9. Las raperas aparecieron a finales de los 70 y principios de los 80, incluyendo a MC Sha-Rock del Bronx, Funky Four Plus One (acreditado como el primer MC femenino) y The Sequence, un trío de hip hop que firmó con Sugar Hill Records, el primer grupo femenino en lanzar un disco de rap, "Funk You Up".
Las raíces del rap se encuentran en la música afroestadounidense y, en última instancia, en la música africana, especialmente la de los griots de África occidental (narradores de historias y músicos). Las tradiciones afroestadounidenses de "signifying" (juegos de palabras), "the dozens" (intercambio de insultos rimados) y la poesía jazz influyen en el hip hop. También lo hacen los patrones de llamada y respuesta de las ceremonias religiosas africanas y afroestadounidenses. Los primeros DJ de radio populares en la época de la "radio de atractivo negro" comenzaron a anunciar usando estas técnicas con el "jive talk" de la era del swing después de la Segunda Guerra Mundial, a finales de los 40 y los 50.
DJ Nat D. fue el MC en uno de los lugares más difíciles para los músicos que querían entrar al mundo del espectáculo: la Noche de Aficionados en el Palace Theatre en Beale Street, Memphis, Tennessee. Allí fue maestro de ceremonias de 1935 a 1947 junto con su compañero, DJ Rufus Thomas. Fue allí donde perfeccionó las "docenas", el "signifying" y el estilo de personalidad "jock jive" que se convertiría en su sello cuando se convirtió en el primer locutor de radio afroestadounidense al sur de la línea Mason-Dixon. El "jive" popularizó la radio de atractivo negro. Era el lenguaje de la juventud negra, y los dobles sentidos y juegos de palabras ligeramente atrevidos fueron una bendición para la radio, revitalizando las audiencias en estaciones que estaban perdiendo oyentes y cambiando al nuevo formato de R&B con locutores negros.
El 10% de los afroestadounidenses que escuchaban sus transmisiones descubrieron que la música que él promocionaba en la radio en 1949 también estaba en las máquinas de discos del norte de las ciudades. También encontraron a otros DJ como Al Benson de Chicago en WJJD, Doctor Hep Cat de Austin en KVET y Jockey Jack de Atlanta en WERD, que hablaban con el mismo estilo de rap lleno de rimas y ritmo. Una vez que las estaciones de radio de dueños blancos se dieron cuenta de que los recién llegados estaban ganando su parte del mercado negro y que el Big Band y el swing jazz ya no estaban "de moda", algunos DJ blancos imitaron el "boca de hongo" del sur y el "jive talk", dejando que su audiencia pensara que ellos también eran afroestadounidenses, tocando blues y Be-Bop. John R Richbourg tenía un acento sureño que los oyentes de la programación nocturna de R&B de WLAC de Nashville nunca supieron que no pertenecía a un DJ negro, al igual que otros DJ blancos en la estación. Las rimas del Dr. Hep Cat se publicaron en un diccionario de "jive talk", The Jives of Dr. Hepcat, en 1953. Jockey Jack es el famoso Jack the Rapper de Family Affair, después de su convención de radio a la que todos los artistas de rap debían asistir en los años 80 y 90. Estos raperos que hablaban del formato de radio de atractivo negro de los años 50 fueron la fuente e inspiración del cantante de soul James Brown, y de actos de comedia musical como Rudy Ray Moore, Pigmeat Markham y Blowfly, a menudo considerados "padrinos" de la música hip hop. En Nueva York, las actuaciones de poesía hablada y música de artistas como The Last Poets, Gil Scott-Heron y Jalal Mansur Nuriddin tuvieron un impacto significativo en la cultura de la era posterior a los derechos civiles de los años 60 y 70, y por lo tanto, en el ambiente social donde se creó el hip hop.
¿Cómo influyeron los sistemas de sonido jamaicanos?
La radio AM en muchas estaciones tenía un límite de "día de transmisión", ya que se necesitaban licencias especiales para transmitir por la noche. Las estaciones con esas licencias se escuchaban en alta mar y en el Caribe. Jocko Henderson y Jockey Jack eran DJ estadounidenses que se escuchaban de noche desde transmisoras de radio en Miami, Florida. Jocko tuvo una gran influencia en los maestros de ceremonias jamaicanos durante los años 50, ya que la música R&B que se tocaba en las estaciones de Miami era diferente a la que se tocaba en JBC, que retransmitía la BBC y estilos musicales locales.
En Jamaica, los DJ instalaban grandes sistemas de sonido al borde de la carretera en pueblos y aldeas, tocando música para reuniones informales, en su mayoría personas que venían de las zonas rurales en busca de diversión al final de la semana. Allí, los DJ permitían que un MC hiciera "brindis", copiando el estilo de los DJ estadounidenses que se escuchaban en radios de transistores AM. Fue así como el "jive talk", el rap y la rima llegaron a la isla, y localmente, el estilo fue transformado por el "lirismo jamaicano" o el dialecto local.
El hip hop, como música y cultura, se formó en la década de 1970 en Nueva York a partir del intercambio cultural entre jóvenes afroestadounidenses de Estados Unidos y jóvenes inmigrantes o hijos de inmigrantes de países del Caribe. Lo que más tarde se describiría como "fiestas de barrio" en EE. UU. era una realidad desde la década de 1950 en Jamaica. Allí, los MC (llamados DJ en Jamaica) hablaban y rapeaban sobre discos en fiestas de "sistema de sonido" desde al menos 1949. Algunos fueron influenciados por el estilo vocal de los MC de radio afroestadounidenses más antiguos (incluyendo el programa de Jocko Henderson de los años 50, que rimaba y estaba influenciado por el scat), que se podía escuchar por la radio en Jamaica.
Los primeros discos de DJ jamaicanos, como Sir Lord Comic (The Great Wuga Wuga, 1967), surgieron como parte de la cultura de los salones de baile locales. Esta cultura incluía "especiales", mezclas únicas o "versiones" grabadas en discos, y raperos (llamados DJ) como King Stitt, Count Machuki, U-Roy, I-Roy, Big Youth y muchos otros. Artistas jamaicanos como Prince Buster y Lee "Scratch" Perry (Judge Dread) ya en 1967, tenían raíces en la tradición del "blues hablado". El primer disco de DJ jamaicano de larga duración fue un dúo sobre un tema rastafari de los habitantes de Kingston, U-Roy y Peter Tosh, llamado Righteous Ruler (producido por Lee "Scratch" Perry en 1969). El primer disco exitoso de DJ fue Fire Corner del DJ King Stitt de Coxsone's Downbeat system ese mismo año. En 1970, muchos discos de DJ surgieron tras los primeros y grandes éxitos de U-Roy, el más famoso Wake the Town y muchos otros.
A medida que se desarrolló la tradición del remix (que también comenzó en Jamaica, donde se llamaba "versión" y "dub"), los jóvenes DJ/raperos jamaicanos de ese período, que ya habían trabajado para sistemas de sonido durante años, comenzaron a grabar y tuvieron muchos éxitos locales. Esto contribuyó mucho a la popularidad del reggae que desató el impacto de Bob Marley en los años 70. Los principales DJ jamaicanos de principios de los 70 fueron King Stitt, Samuel The First, Count Machuki, Johnny Lover (quien hizo "versiones" de canciones de Bob Marley y los Wailers ya en 1971), Dave Barker, Scotty, Lloyd Young, Charlie Ace y otros, así como futuras estrellas del reggae como U-Roy, Dennis Alcapone, I-Roy, Prince Jazzbo, Prince Far I, Big Youth y Dillinger. Dillinger logró el primer éxito internacional de rap con ... in my Brain en 1976 (basado en el ritmo de "Do It Any Way You Wanna Do" de People's Choice, regrabado por Sly y Robbie), donde incluso usó un acento de Nueva York, apuntando conscientemente al nuevo mercado del rap de Nueva York.
La música de baile de los DJ jamaicanos estaba profundamente arraigada en la tradición del sistema de sonido, que hacía que la música estuviera disponible para la gente con pocos recursos en un país muy pobre donde la música en vivo solo se tocaba en clubes y hoteles patrocinados por las clases media y alta. En 1973, el entusiasta del sistema de sonido jamaicano DJ Kool Herc se mudó al Bronx, llevando consigo la cultura del sistema de sonido de Jamaica, y se asoció con otra jamaicana, Coke La Rock, en el micrófono. Aunque otras influencias, sobre todo el secuenciador musical Grandmaster Flowers de Brooklyn y Grandwizard Theodore del Bronx, contribuyeron al nacimiento del hip hop en Nueva York, y aunque se minimizó en la mayoría de los libros estadounidenses sobre hip hop, la raíz principal de esta cultura de sistema de sonido era jamaicana. Las raíces del rap en Jamaica se explican en detalle en el libro de Bruno Blum, Le Rap.
DJ Kool Herc y Coke La Rock influyeron en el estilo vocal del rap al recitar versos de poemas sencillos sobre pausas de música funk. Esto ocurrió después de que los asistentes a la fiesta mostraran poco interés en sus intentos anteriores de integrar el "tostado" con reggae en sus sets musicales. Los DJ y MC a menudo añadían cánticos de llamada y respuesta, que solían ser un coro básico, para que el artista pudiera organizar sus ideas (por ejemplo, "uno, dos, tres, todos ustedes, al ritmo"). Más tarde, los MC se volvieron más variados en su forma de cantar y rimar, incorporando rimas cortas, a menudo con un tema divertido, para diferenciarse y entretener al público. Estos primeros raps incluían "the dozens", un producto de la cultura afroestadounidense. Kool Herc & the Herculoids fue el primer grupo de hip hop en ser reconocido en Nueva York, y el número de equipos de MC aumentó con el tiempo.
A menudo, se trataba de colaboraciones entre antiguos grupos, como Universal Zulu Nation de Afrika Bambaataa, ahora una organización internacional. A Melle Mel, un rapero de The Furious Five, se le atribuye a menudo ser el primer letrista de rap en llamarse a sí mismo un "MC". A principios de los años 70, el B-boying (breakdance) surgió durante las fiestas de barrio, cuando los b-boys y b-girls se ponían delante del público para bailar con un estilo único y enérgico. Este estilo se mostró al mundo por primera vez en documentales y películas como Style Wars, Wild Style y Beat Street. El término "B-boy" fue creado por DJ Kool Herc para describir a las personas que esperaban la sección de "break" de la canción, mostrando su habilidad atlética, girando en el escenario para hacer "break-dance" con un estilo distintivo y enérgico.
Aunque hubo algunos MC tempranos que grabaron proyectos en solitario notables, como DJ Hollywood, Kurtis Blow y Spoonie Gee, la cantidad de artistas solistas no aumentó hasta más tarde, con el auge de solistas con gran presencia escénica, como LL Cool J. La mayor parte del hip hop temprano estuvo dominado por grupos donde la colaboración entre los miembros era clave para el espectáculo. Un ejemplo sería el grupo de hip hop Funky Four Plus One, que actuó de esa manera en Saturday Night Live en 1981.
¿Qué es el Hip Hop Abstracto?
Características del Hip Hop Abstracto
El hip hop abstracto es un estilo de hip hop donde los raperos usan letras más abstractas de lo normal. Las letras suelen ir desde ideas abstractas y filosóficas hasta conceptos absurdos y monólogos. El lenguaje y la forma de presentar estas letras también tienden a evitar el lenguaje directo del hip hop típico. En su lugar, prefieren metáforas largas, una selección de palabras simbólicas y significados ocultos. Muchos artistas tienden a salirse de las rimas y ritmos típicos en su rap y trabajan con métricas poéticas poco comunes que a veces se parecen a la spoken word (poesía hablada). Musicalmente, la mayoría de los artistas abstractos también presentan ritmos poco convencionales en sus métricas musicales para encajar con las letras diferentes que a menudo se mezclan con el rap alternativo.
Historia del Hip Hop Abstracto
Este estilo se originó en el hip hop underground a finales de los años 80 con los raperos Ced Gee y Kool Keith de Ultramagnetic MCs en su primer álbum, Critical Beatdown. En él, presentaron letras con un "flujo de conciencia" (ideas que fluyen libremente) con términos que parecían científicos pero no lo eran, y humor absurdo, con ritmos únicos. Kool Keith, en particular, influiría mucho en muchos raperos abstractos posteriores. A principios de los años 90, este estilo se desarrolló más con el uso de técnicas poéticas complejas y metáforas largas por parte de Organized Konfusion. También con el estilo rápido y las rimas ocultas de Freestyle Fellowship, influenciadas por el scat. Estos dos grupos sentaron las bases para varios artistas posteriores en la escena underground.
Otro momento importante fue el álbum Funcrusher Plus de Company Flow, lanzado en 1997. Este álbum ayudó a consolidar el estilo con las letras muy detalladas y codificadas de Bigg Jus y El-P, y las referencias poco comunes. Esto contrastaba mucho con los sonidos de radio y los temas de diversión que dominaban el hip hop popular en ese momento. Más tarde en la década, surgieron varios artistas notables de diferentes escenas underground que impulsaron el estilo y se convertirían en figuras muy influyentes. Entre ellos se incluyen raperos como Aesop Rock, Busdriver y MF DOOM, o bandas como Death Grips. En la década del 2000, este estilo se volvió común en muchas escenas y grupos de hip hop underground. Varios álbumes recibieron buenas críticas y tuvieron un pequeño éxito comercial en sellos independientes, especialmente The Cold Vein de Cannibal Ox y Madvillainy de Madvillain. El estilo siguió evolucionando y creciendo lentamente en popularidad en la década siguiente, con muchos artistas que combinaban el hip hop abstracto con una variedad de otros géneros dentro del hip hop.
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Véase también
En inglés: Hip hop Facts for Kids
