Expresionismo musical para niños
El expresionismo musical probablemente se aplicó por primera vez en 1909, especialmente con Arnold Schönberg, porque al igual que el pintor Vasili Kandinski (1866–1944) evitó las "formas tradicionales de belleza" para transmitir sentimientos poderosos en su música. Theodor Adorno ve el movimiento expresionista en la música, como buscando "eliminar todos los elementos convencionales de la música tradicional, todo lo que es rígido". Él ve esto como análogo "al ideal literario del 'grito'". Arnold también ve la música expresionista, como buscando "la verdad del sentimiento subjetivo sin ilusiones, disfraces o eufemismos". Adorno también considera a la música expresionista como preocupada por el inconsciente, y afirma que "la representación del miedo se encuentra en el corazón" de la música expresionista, donde predomina la disonancia, de modo que "el elemento armónico y afirmativo del arte es desterrado".
A menudo la música expresionista presenta un alto nivel de disonancia, contrastes extremos de dinámica, cambios constantes de texturas, melodías y armonías "distorsionadas" y melodías angulares con grandes saltos.
Figuras relevantes
Las tres figuras centrales del expresionismo musical son Arnold Schoenberg (1874–1951) y sus alumnos, Anton Webern (1883–1945) y Alban Berg (1885–1935), la llamada Segunda Escuela de Viena. Otros compositores que se han asociado con el expresionismo son Ernst Krenek (1900–1991) (la Segunda Sinfonía, 1922), Paul Hindemith (1895–1963) (Die junge Magd, Op. 23b, 1922, ambientando seis poemas de Georg Trakl), Ígor Stravinski (1882–1971) (Tres letras japonesas, 1913), Aleksandr Skriabin (1872–1915) (Sonatas para piano tardías). Otro expresionista importante fue Béla Bartók (1881–1945) en sus primeras obras, escritas en la segunda década del siglo XX, como Bluebeard's Castle (1911), The Wooden Prince (1917), y The Miraculous Mandarin (1919). Los compositores estadounidenses que "simpatizaron de tal intensificación de la expresión" y que estuvieron activos en el mismo período que las composiciones atonales libres expresionistas de Schoenberg (entre 1908 y 1921) incluyen a Carl Ruggles, Dane Rudhyar y en cierta medida, Charles Ives, cuya canción "Walt Whitman" es un ejemplo particularmente claro. Los precursores importantes del expresionismo son Richard Wagner (1813–1883), Gustav Mahler (1860–1911) y Richard Strauss (1864–1949). Los compositores posteriores, como Peter Maxwell Davies (1934-2016), "a veces han sido vistos perpetuando el expresionismo de Schoenberg, Berg y Webern", y el rasgo más distintivo de Heinz Holliger (n. 1939) "es evocación intensamente comprometida de ... el expresionismo esencialmente lírico encontrado en Schoenberg, Berg y, especialmente, Webern ".
Arnold Schoenberg
El expresionismo musical se asocia estrechamente con la música que Arnold Schoenberg compuso entre 1908 y 1921, que es su periodo de composición "atonal libre", antes de idear la técnica de los doce tonos. Las composiciones de la misma época con rasgos similares, en particular las obras de sus alumnos Alban Berg y Anton Webern, también suelen incluirse bajo esta rúbrica, y el término también ha sido utilizado peyorativamente por los periodistas musicales para describir cualquier música en la que los intentos de expresión personal del compositor superan la coherencia o se utilizan simplemente en oposición a las formas y prácticas tradicionales. Por tanto, puede decirse que comienza con los Segundo cuarteto de cuerda de Schoenberg (escrito en 1907-08) en el que cada uno de los cuatro movimientos se vuelve progresivamente menos tonal. El tercer movimiento es discutiblemente atonal y la introducción al movimiento final es muy cromática, podría decirse que no tiene un centro tonal, y presenta a una soprano cantando "Ich fühle Luft von anderem Planeten" ("Siento el aire de otro planeta"), tomado de un poema de Stefan George. Esto puede ser representativo de la entrada de Schoenberg en el "nuevo mundo" de la atonalidad.
En 1909, Schoenberg compuso el "monodrama" en un acto Erwartung (Expectación). Se trata de una obra de treinta minutos, altamente expresionista, en la que la música atonal acompaña un drama musical centrado en una mujer sin nombre. La trama se desarrolla íntegramente desde el punto de vista subjetivo de la mujer, y su angustia emocional se refleja en la música. La autora del libreto, Marie Pappenheim, era una estudiante de medicina recién graduada y familiarizada con las nuevas teorías de Freud sobre el psicoanálisis, al igual que el propio Schoenberg.
En 1909, Schoenberg completó las Cinco piezas para orquesta. Estas fueron construidas libremente, basadas en la voluntad del subconsciente, sin mediación del consciente, anticipando el principal ideal compartido de la relación del compositor con el pintor Wassily Kandinsky. Como tal, las obras intentan evitar una forma reconocible, aunque es discutible hasta qué punto lo consiguen.
Entre 1908 y 1913, Schoenberg también estaba trabajando en un drama musical, Die glückliche Hand. La música es de nuevo atonal. La trama comienza con un hombre sin nombre, acobardado en el centro del escenario con una bestia sobre su espalda. La mujer del hombre le ha dejado por otro hombre; él está angustiado. Ella intenta volver a él, pero en su dolor no la ve. Entonces, para probarse a sí mismo, el hombre va a una fragua y, en una escena extrañamente wagneriana (aunque no musical), forja una obra maestra, incluso con los otros herreros mostrando agresividad hacia él. La mujer regresa, y el hombre le implora que se quede con él, pero ella le pega una patada a una piedra, y la imagen final del acto es la del hombre de nuevo acobardado con la bestia a cuestas.
Este argumento es muy simbólico, ya que fue escrito por el propio Schoenberg, más o menos en la época en la que su mujer le había dejado durante un tiempo por el pintor Richard Gerstl. Aunque ella había regresado cuando Schoenberg comenzó la obra, su relación no era nada fácil. La escena central de la forja se considera representativa de la decepción de Schoenberg ante la reacción popular negativa a sus obras. Su deseo era crear una obra maestra, como hace el protagonista. Una vez más, Schoenberg expresa las dificultades de su vida real.
Alrededor de 1911, el pintor Wassily Kandinsky escribió una carta a Schoenberg, que inició una larga amistad y una relación de trabajo. Los dos artistas compartían un punto de vista similar, según el cual el arte debía expresar el subconsciente (la "necesidad interior") sin que el consciente lo impidiera. El libro de Kandinsky Concerning The Spiritual In Art (1914) expone este punto de vista. Ambos intercambiaron sus pinturas y Schoenberg contribuyó con artículos a la publicación de Kandinsky Der Blaue Reiter. Esta relación interdisciplinar es quizá la más importante del expresionismo musical, aparte de la que se dio entre los miembros de la Segunda Escuela de Viena. La interdisciplinariedad del expresionismo encontró una salida en la pintura de Schoenberg, alentada por Kandinsky. Un ejemplo es el autorretrato La mirada roja (véase Enlace archivado), en el que los ojos rojos son la ventana al subconsciente de Schoenberg.
Véase también
En inglés: Expressionist music Facts for Kids
