Irene Rice Pereira para niños

Enciclopedia para niños

Datos para niños Irene Rice Pereira

Información personal
Nacimiento	5 de agosto de 1902 Chelsea (Estados Unidos)
Fallecimiento	11 de enero de 1971 Marbella (España)
Nacionalidad	Estadounidense
Educación
Educada en	Liga de estudiantes de arte de Nueva York Atelier 17
Información profesional
Ocupación	Pintora, dibujante y artista
Movimiento	Bauhaus
Sitio web	www.irenericepereira.com

Irene Rice Pereira (nacida en Chelsea, Estados Unidos, el 5 de agosto de 1902 y fallecida en Marbella, España, el 11 de enero de 1971) fue una destacada artista, poeta y pensadora estadounidense. Tuvo un papel muy importante en el desarrollo del arte moderno en su país.

Es conocida por sus obras de arte abstracto, especialmente por el uso de formas geométricas. También aplicó ideas de la Bauhaus, una famosa escuela de arte y diseño. Sus pinturas y escritos estuvieron influenciados por las ideas de su tiempo.

Contenido

Los primeros años de Irene Rice Pereira
- ¿Cómo se formó como artista?
El Laboratorio de Diseño
El estilo artístico de Irene Rice Pereira
- La evolución de su arte
Sus escritos
¿Dónde se pueden ver sus obras?
Obras de arte destacadas
Vida personal
Véase también

Los primeros años de Irene Rice Pereira

Irene Rice nació en Chelsea, Massachusetts, cerca de Boston. Cuando su padre falleció en 1918, ella y su familia se mudaron a Brooklyn, Nueva York. Para ayudar a su familia, Irene comenzó a trabajar como secretaria en una oficina de contabilidad en 1922.

Asistió a cursos cortos de diseño de moda y literatura por la noche. Luego, empezó a tomar clases de arte nocturnas en una escuela secundaria de Manhattan.

¿Cómo se formó como artista?

En 1927, Irene se inscribió en clases de arte nocturnas en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York. Allí, sus maestros fueron Jan Matulka y Richard Lahey. En 1929, Matulka le enseñó sobre las ideas artísticas más nuevas de Europa. Estas ideas, como las de la Bauhaus, el cubismo y el constructivismo, fueron muy importantes para su trabajo.

En 1931, Irene viajó a Europa y el norte de África para seguir estudiando pintura. Asistió a clases en París y estudió con el artista Amédée Ozenfant. También pasó tiempo en Suiza e Italia.

El Laboratorio de Diseño

En 1935, Irene Rice Pereira ayudó a fundar el Laboratorio de Diseño. Esta era una escuela cooperativa donde se enseñaba diseño industrial. Su plan de estudios era similar al de la famosa escuela Bauhaus.

Irene siguió enseñando en el Laboratorio de Diseño incluso cuando perdió el apoyo económico. La escuela cambió de nombre varias veces y finalmente se llamó Escuela Laboratorio de Diseño Industrial. Irene dejó su puesto en octubre de 1939.

El estilo artístico de Irene Rice Pereira

A Irene le interesaba mucho el papel del artista en la sociedad. Creó "pinturas máquina" que incluían imágenes de partes tecnológicas. Por ejemplo, pintaba ventiladores de barco, generadores, bisagras y palancas. Su obra Boat Composite de 1932, que está en el Museo Whitney de Arte Estadounidense, es un buen ejemplo de estas pinturas.

La evolución de su arte

En la década de 1930, Irene comenzó a explorar el arte abstracto. Sus obras dejaron de incluir tantas referencias a máquinas. Se hizo conocida por sus pinturas con formas geométricas y líneas rectas de este período. La obra Abstracción de 1940, que se encuentra en el Museo de Arte de Honolulu, muestra su estilo de abstracción geométrica.

En 1943, participó en una exposición importante llamada The Exhibition by 31 Women. Esta muestra se realizó en la galería de arte de Peggy Guggenheim en Nueva York.

Hacia el final de su carrera, Irene tuvo algunas dificultades con las galerías y los museos. Creía que el arte estaba perdiendo su sentido. Finalmente, dejó Nueva York y se mudó a España. Falleció en Marbella, España, el 11 de enero de 1971.

Sus escritos

Además de pintar, Irene Rice Pereira también fue escritora, aunque no fue tan reconocida por sus escritos como por su pintura. Publicó su primer artículo en 1944, titulado Un Pintor abstracto en arte abstracto.

También escribió poesía. En 1968, recibió un premio honorífico de la organización United Poets' Laureate International, con sede en Filipinas.

¿Dónde se pueden ver sus obras?

Irene pintó durante toda su vida. Sus pinturas comenzaron a ser reconocidas a principios de la década de 1930. Expuso en la American Contemporary Art Gallery y en el Museo Whitney de Arte Estadounidense en Nueva York. Con la exposición en el Museo Whitney, fue una de las primeras mujeres en tener una exposición individual en un museo importante de Nueva York.

A finales de la década de 1930, empezó a pintar de forma más abstracta. Experimentó pintando sobre capas de vidrio. En 1943, su trabajo fue incluido en la exposición de Peggy Guggenheim Exposición de 31 mujeres. En 1946, el Museo de Arte Moderno la incluyó en su exposición Catorce estadounidenses.

Muchas colecciones públicas conservan sus obras. Algunos de estos museos son:

El Museo de Arte de Boca Ratón
El Museo Brooklyn
El Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas
El Museo de Arte de Honolulu
La Galería Nacional de Arte (Washington D.C.)
La Colección Phillips (Washington D.C.)
El Museo Smithsoniano de Arte Americano
El Museo de Arte Stanley de la Universidad de Iowa
El Museo de Arte de Baltimore (Baltimore, Maryland)
El Museo Metropolitano de Arte de Nueva York
El MoMA (Museo de Arte Moderno) (Nueva York)
El Museo de Arte de Dallas (Dallas, Texas)
El Museo Whitney de Arte Estadounidense (Nueva York)

Obras de arte destacadas

Aquí tienes algunos ejemplos de sus obras y dónde se encuentran:

(1932) Boat Composite. Museo Whitney de Arte Estadounidense
(1932) Untitled (Boats at Cape Cod). Museo Smithsoniano de Arte Americano
(1936) Sketch for Machine Composition #2. Museo Smithsoniano de Arte Americano
(1937) Machine Composition #2. Museo Smithsoniano de Arte Americano
(c.1938) Abstract Composition Museo Whitney de Arte Estadounidense
(c.1938) Abstract Composition(II). Museo Whitney de Arte Estadounidense
(1939) White Rectangles, Number 3. Museo Whitney de Arte Estadounidense
(1939-1940) Red Form. Museo de Arte de Baltimore
(1940) Abstraction. Museo de Arte de Honolulu
(1940) Shadows with Painting. MoMA
(1940) Three White Squares. Colección privada
(c.1940) Untitled (Two Triangles). Museo de Arte de Filadelfia
(1941) White Lines. Museo Metropolitano de Arte
(1942) Red, Yellow, and Blue. Museo de Arte de Baltimore
(1942) White Lines. MoMA
(1944) Green Depth. Museo Metropolitano de Arte
(1945) Rose Planes. Centro de Arte Walker
(1945) Quadrangles in Two Planes. Instituto de Arte de Chicago
(1946) Transfluent Lines. Galería Nacional de Arte
(1946) Transversion. Colección Phillips
(1948) Composition. Centro de Arte Walker
(1948) Oblique Progression. Museo Whitney de Arte Estadounidense
(1949) Vacillating Progression. Munson-Williams-Proctor Art Institute
(1950) Bright Depths. Hirshhorn Museum and Sculpture Garden
(1950) Green Mass. Galería Nacional de Arte
(1951) You. Museo Whitney de Arte Estadounidense
(1951) Evaporating Night. Museo de Arte de Dallas
(1951) Two Becomes One Hirshhorn Museum and Sculpture Garden
(1952) Shooting Stars. Museo Metropolitano de Arte
(1952) Daybreak. Museo Metropolitano de Arte
(1952) Somewhere Today. Museo Brooklyn
(1953) Zenith. Galería Nacional de Arte
(1953) Mecca. Museo Smithsoniano de Arte Americano
(1953) Roselit Day. Museo Smithsoniano de Arte Americano
(1954) Threshold of Eternity Hirshhorn Museum and Sculpture Garden
(1954) Heart of Light. Museo Whitney de Arte Estadounidense
(1955) Landscape of the Absolute. Museo Whitney de Arte Estadounidense
(1959) Efflorescence Of Space Hirshhorn Museum and Sculpture Garden
(1960) Omega. Museo de Arte de Baltimore
(1961) The Celestial Gate Sways on the Ringing Swells. Museo Smithsoniano de Arte Americano
(1964) Light Extending Itself. Museo Brooklyn
(No Date) Heart of Flame. Museo Smithsoniano de Arte Americano
Plates from The Lapis, 1954. Libro disponible en diversas instituciones.
(1954) Version No 2, 12/25/54, Image from Dream, 11/29/54. Galería Nacional de Arte
(1954) II. The Lapis in a Vertical Position, Man - God, Soul - Spirit. Galería Nacional de Arte
(1954) III. Vertical View of the Lapis from Above, Mediaeval Image of the World-View. Galería Nacional de Arte
(1954) IV. Renaissance Image of the World-View. Galería Nacional de Arte
(1954) V. The Image in Perspective. Galería Nacional de Arte

Vida personal

Irene Rice Pereira se casó por primera vez en 1929 con el artista Humberto Pereira. Se separaron en 1938. En 1941, se casó con George Wellington Brown, un arquitecto naval que compartía su interés por usar nuevos materiales en el arte. Después de su segundo matrimonio, se casó con el poeta irlandés George Reavey en 1950, de quien se separó en 1959.

Véase también

En inglés: I. Rice Pereira Facts for Kids

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