Mujeres en la música para niños
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Mujeres en la música es un término que engloba a las mujeres que se desempeñan en el ámbito del arte de la música, ya sea como compositoras, cantautoras, intérpretes instrumentales, cantantes, directoras, académicas musicales, educadoras musicales, críticas musicales, periodistas musicales, y todas las otras profesiones relacionadas con el mundo de la música. También engloba los movimientos musicales (como la música de las mujeres, que es música escrita e interpretada por mujeres y para mujeres), eventos y géneros performativos relacionados con las mujeres y las problemáticas a las que se enfrentan, además de su papel en las artes musicales a través de la historia humana.
Contenido
Escritoras
Siglo XIX y principios del siglo XX
"Solo unas cuantas mujeres compositoras en los Estados Unidos publicaron y escucharon su música a fines del siglo XIX y principios del XX". Según Richard A. Reublin y Richard G. Beil, la "falta de mención de las mujeres compositoras es una omisión flagrante en nuestra herencia musical". Agrega que "las mujeres lucharon por escribir y publicar música en el mundo de los hombres e inscribirse en la lista neoyorquina Tin Pan Alley que incluía a los compositores más populares del siglo XX. Antes de 1900 e incluso después, se esperaba que "las mujeres interpretaran música, pero no que hicieran música". En 1880, el crítico musical de Chicago George P. Upton escribió el libro Women in Music (Mujer en la música), en el que argumentaba que "las mujeres carecían de la creatividad innata para componer buena música" debido a la "predisposición biológica". Posteriormente, se aceptó que las mujeres tuvieran un papel en la educación musical, y se involucraron en este campo "hasta tal punto que dominaron la educación musical durante la segunda mitad del siglo XIX y hasta bien entrado el siglo XX. " Como parte del papel de la mujer en la educación musical, las mujeres escribieron himnos y música para niños. La "música secular impresa en Estados Unidos antes del año 1825 muestra solo unas 70 obras hechas por mujeres". A mediados del siglo XIX, surgieron notables compositoras, incluidas Faustina Hasse Hodges, Susan Parkhurst, Augusta Browne y Marion Dix Sullivan. Para el año 1900, había muchas más mujeres compositoras, pero "muchas todavía se veían obligadas a usar seudónimos o iniciales" para ocultar el hecho de que no eran hombres o personas reconocidas.
Carrie Jacobs-Bond fue la "compositora preeminente de finales del siglo XIX y hasta mediados del siglo XX, siendo la primera compositora mujer con un millón de ventas". Maude Nugent (1877–1958) escribió "Sweet Rosie O'Grady" en 1896. También escribió "Down at Rosie Reilly's Flat", "My Irish Daisy" y "Mary From Tipperary". Charlotte Blake (1885–1979) fue redactora del personal de la Whitney Warner Publishing Co., en la ciudad de Detroit, Míchigan. Inicialmente, la compañía la presentó como "C. Blake" para ocultar su género, pero en el año 1906 los anuncios ya usaban su nombre completo. Caro Roma (1866-1937) fue el seudónimo de género ambiguo de Carrie Northly, quien fue "una de las compositoras más conocidas y populares de Estados Unidos de la era Tin Pan Alley", con canciones como "Can't Yo' Heah Me Calling", "Faded Rose", "The Angelus", "Thinking of Thee" y "Resignation". Alrededor del 95 % de los compositores de música británica de salón a principios del siglo XX eran hombres, aunque alrededor del 30 % de las cantantes eran mujeres.
Jazz en el siglo XX
Si bien la composición de canciones de jazz ha sido durante mucho tiempo un campo dominado por los hombres, ha habido algunas mujeres compositoras de notables en el género. En la década de 1930, Ann Ronell (1905–1993) escribió varias canciones exitosas. Es conocida por su exitosa canción del año 1932 titulada "Willow Weep for Me" y la canción que compuso para Disney en 1933 "¿Quién le teme al lobo feroz?". Por su parte, Irene Higginbotham (1918-1988) escribió casi 50 canciones, siendo la más conocida "Good Morning Heartache". Dorothy Fields (1905–1974) escribió la letra de más de 400 canciones, algunas de las cuales fueron interpretadas por Duke Ellington; a ella se debe la co-autoría, junto a Jerome Kern, de The Way You Look Tonight, que fue interpretada por Fred Astaire y ganó el el tercer premio Óscar a la mejor canción original de 1936, también co-escribió varios temas estándares del jazz con Jimmy McHugh, como "Exactly Like You", "On the Sunny Side of the Street" y "I Can't Give You Anything but Love". Lil Hardin Armstrong (1898–1971) tocó el piano en la Creole Jazz Band de King Oliver, dentro de su repertorio se cuentan "Doin' the Suzie Q", "Just for a Thrill" y "Bad Boy", siendo su canción más famosa, "Struttin' with Some Barbecue", regrabada más de 500 veces,. En el caso de Billie Holiday (1915-1959), si bien es más conocida como cantante, también coescribió con Arthur Herzog, Jr. y escribió la canción de blues "Fine and Mellow".
La música jazz fue una fuerza impulsora para ayudar a la liberación de las mujeres a principios del siglo XX. En este sentido, el jazz también contribuyó para allanar el camino de las mujeres en el ámbito laboral. El aumento de la participación femenina en una carrera dominada por hombres hasta la década de 1920 permitió que más mujeres lograran una carrera dentro de las artes escénicas. Como respuesta a este incremento se produjo Show Boat, el primer musical de jazz en Broadway. Con una fuerte crítica racial y social, Showboat analiza las dificultades de una familia en Misisipi por más de 40 y su reunificación. La música de jazz influyó para generar ambientes abiertos para la igualdad en los años de entreguerras durante la primera mitad del siglo XX. Muchas de las mujeres en la música de jazz aportaron significativamente al género, siendo la gran mayoría de ellas mujeres de color, factores que contribuyeron a hacer crecer el jazz hasta lo que es hoy.
Las mujeres influyeron en la música de jazz como productoras, compositoras e intérpretes. Especialmente influyente en el género fue Bessie Smith, también conocida como la emperatriz del blues. Vivió desde el año 1894 hasta 1937. Es miembro del salón de la fama del rock and roll, y en 1989 recibió el premio póstumo Grammy Lifetime Achievement Award. Otra mujer que hizo historia en la industria del jazz fue Dolly Jones (1902-1975), también conocida como Dolly Hutchinson, quién fue una de las primeras mujeres trompetistas de jazz y la primera mujer trompetista registrada. Mujeres como Sweet Emma Barrett, quien actuó en la Orquesta Original Tuxedo, realizó giras nacionales e internacionales y una de sus canciones más exitosa fue "A Good Man is Hard to Find". Artistas como Billie Pierce, Lovie Austin, Jeanette Kimball, Mary Lou Williams, Alice Coltrane y Hazel Scott también tuvieron un impacto considerable en el género del jazz, sin embargo, a pesar de estos ejemplos, muchas mujeres no obtuvieron crédito como lo hicieron sus contrapartes masculinas.
Alrededor de las mujeres que triunfaron en la música jazz Ingrid Monson señaló que cuando las mujeres comenzaron a tocar el piano por primera vez, lograron mayor aceptación social en la industria de la música. Había mujeres que tocaban en grupos femeninos de jazz pero era cuando ingresaban en el mundo profesional del género que se convertían en un éxito instantáneo. Otros casos son el de Valaida Snow (1904-1956), cantante, bailarina y multiinstrumentista, que también fue conocida como la "reina de la trompeta" y, años más tarde, el de Nona Hendryx, vocalista de jazz que también tocó diferentes instrumentos y tuvo la oportunidad de trabajar con muchos artistas del género hip hop talentosos como Prince.
Estas mujeres tuvieron éxito moderado en los medios musicales de la época, pero para algunas fue de corta duración en ocasiones debido a que saltaron a la fama cuando los hombres fueron reclutados para pelear en la Segunda Guerra Mundial pero una vez que regresaban, las mujeres jazzistas enfrentaron dificultades debido a la sobre oferta en el mercado de músicos.
Pop en la década de 1960
En la escena de la música pop de la década de 1960, como la mayoría de los aspectos del negocio de la música en la década de 1960, la composición de canciones era un campo dominado por hombres. Aunque había muchas cantantes femeninas en la radio, las mujeres fueron vistas principalmente como consumidoras de productos musicales. Cantar a veces era un pasatiempo aceptable para una niña, pero tocar un instrumento, escribir canciones o producir discos no era recomendable a largo plazo". Las mujeres jóvenes "no fueron socializadas para verse a sí mismas como personas que crean música". la cantante Carole King "tuvo una exitosa asociación de composición con su esposo Gerry Goffin, escribiendo éxitos como los sencillos "The Loco-Motion", "Will You Love Me Tomorrow", y "Up on the Roof". King fue la primera mujer en recibir el Premio Gershwin de Canción Popular en el año 2013". Ellie Greenwich y su esposo Jeff Barry escribieron "Then He Kissed Me", "Be My Baby" y "River Deep, Mountain High". Laura Nyro escribió "Wedding Bell Blues", "Eli's Coming" y "And When I Die". Ella declaró: No estoy interesada en las limitaciones convencionales cuando se trata de escribir canciones… Puedo aportar cierta perspectiva femenina a mi composición.Durante la década de 1960, tanto Carole King como su esposo Gerry Goffin demostraron la naturaleza cambiante de la música estadounidense, así como el surgimiento de nuevos patrones románticos. "Los músicos representaron una de las vanguardias del cambio [...]romántico en la sociedad estadounidense", impactando y cambiando los estándares sociales de la juventud.
Década de 1960: nueva ola de cantautoras femeninas
A fines de la década de 1960, una nueva ola de cantautoras salió de los confines del pop y escribieron canciones más personales en el estilo confesional de poetas como Anne Sexton y Sylvia Plath. Los artistas que encabezaron este movimiento aparecieron en las publicaciones del Newsweek, en julio de 1969, titulado "The Girls: Letting Go" en el que se leia: "Lo que tienen en común: Joni Mitchell y Lotti Golden, Laura Nyro, Melanie, Janis Ian y Elyse Weinberg, son las canciones personalizadas que escriben, y como son viajes de autodescubrimiento". Mientras innovaban, estas mujeres también enfrentaron muchas luchas. En un mundo editorial dominado por hombres, las compositoras como Joni Mitchell quieren ser vistas fuera de las categorías de raza y género, y dentro de la categoría de arte puro. En su entrevista del año 1994 con Alice Echol, Joni Mitchell rechazó completamente el feminismo, y declaró que no quería privilegios por ser mujer, pero expresó su animosidad hacia la discriminación y la exclusión social. La entrevistadora Alice Echol ubicó la "incomodidad con la etiqueta feminista" de Joni Mitchell en el contexto de su arte, ya que la ideología feminista muchas veces ignora el talento en favor de incluir mujeres, aunque halla hombres más talentosos. Agregando que las mujeres compositoras quieren ser vistas como buenas músicas sin que sus talentos sean marginados debido a su género. Además, Grace Slickuna ex modelo, fue ampliamente conocida en la historia del género del rock and roll por su papel en la floreciente escena musical de San Francisco a mediados de la década de 1960". En el diario The Guardian, del 26 de enero de 2017, la autora Laura Barton describe el cambio radical en el tema de: La política, la decepción, el aislamiento social del artista itinerante y la vida urbana. La cantante nativa de Nueva York, Lotti Golden , en su álbum debut en el Atlántic, Motor-Cycle , narra su vida en el East Village de Nueva York a fines de la época de la contracultura de los años 60. Las mujeres en el artículo del Newsweek de 1969 marcaron el comienzo de una nueva era de la cantautora, informando a generaciones de cantautoras.
Teatro musical
En él teatro musical, las compositoras son poco comunes en una industriacon una mayoría de hombres en el ámbito creativo. El trabajo de los compositores masculinos se produce con mayor frecuencia, y fue solamente en el año 2015 que un equipo de escritoras compuesto exclusivamente por mujeres logró ganar el premio Tony, en la categoría a mejor partitura. En el 2015 por primera vez, un equipo de guionistas exclusivamente femenino formado por Lisa Kron (Mejor libro) y Jeanine Tesori, y Kron (Mejor banda sonora original) ganó el premio Tony a la Mejor banda sonora por Fun Home, aunque el trabajo por compositores masculinos se sigue produciendo con más frecuencia. En el año 2013, Cyndi Lauper fue la "primera compositora en ganar el Tony a la Mejor partitura sin tener un colaborador masculino", por escribir la música y la letra del tema Kinky Boots. Entre las compositoras femeninas notables en el teatro musical se incluyen a la cantautora y actriz Lauren Pritchard, quien escribió Songbird ; Zoe Sarnak, quien escribió Lasting Impression y The Years Between; y Katie Thompson, quien comento que le gustaría "ver personajes femeninos… que sean complicados, fuertes y vulnerables". Thompson afirmó que en la industria del teatro musical, "cuando luchas por algo como mujer, especialmente algo artístico… te perciben como una perra o te perciben como emocional'", una etiqueta que permite a otros despedirte. El desequilibrio de género en el teatro musical existe hasta bien entrado el siglo XXI, siendo las mujeres solamente el 3 % de los compositores de bandas de viento y el 12 % de los compositores corales. A pesar del estigma social y la falta de mujeres en el teatro musical, más de cincuenta mujeres han recibido reconocimiento artístico internacional por componer partituras musicales de larga duración en los teatros de Broadway y Off-Broadway.
Mujeres negras
Según LaShonda Katrice Barnett, profesora de colegio y universidad y autora de un libro sobre compositoras negras, declara que de los "más de 380 miembros del Salón de la Fama de los Compositores, solo dos son mujeres negras (siendo estas Sylvia Moy y Valerie Simpson)".
Escritoras destacadas
A continuación se muestra una selección de escritoras y compositoras destacadas según la lista de los 100 mejores compositores de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. Muchas de estas personas son cantautores que también son famosas por sus habilidades de canto y/o interpretación instrumental, pero se enumeran aquí por sus logros en la composición de canciones:
Compositoras
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La musicóloga estadounidense Marcia Citron planteó la pregunta de "¿por qué la música compuesta por mujeres es tan marginal en el repertorio 'clásico' estándar?" Citron "examina las prácticas y actitudes que han llevado a la falta de mujeres compositoras del 'canon' recibido de las obras musicales interpretadas". Ella argumenta que en la década de 1800, las mujeres compositoras solían escribir canciones artísticas para su interpretación en pequeños recitales en lugar de sinfonías destinadas a ser interpretadas con una orquesta en un gran salón, y estas últimas obras se consideraban el género más importante para los compositores; dado que las mujeres compositoras no escribieron muchas sinfonías, se consideró que no eran notables como compositoras.
Según Abbey Philips, "las mujeres músicas han tenido dificultades para abrirse camino y obtener crédito". Durante la época medieval, la mayor parte de la música artística se creó con fines litúrgicos (religiosos) y debido a las opiniones sobre los roles de las mujeres que tenían los líderes religiosos, pocas mujeres compusieron este tipo de música, como la monja Hildegard von Bingen quien se encuentra entre las excepciones. La mayoría de los libros de texto universitarios sobre historia de la música abordan casi exclusivamente el papel de los compositores masculinos, aunque es de reconocer que si son la mayoría. Además, muy pocas obras de mujeres compositoras forman parte del repertorio estándar de la música clásica. En las páginas de la Concise Oxford History of Music, Clara Schumann es la única mujer compositora que se menciona. Philips afirma que durante el siglo XX, las mujeres que componían/tocaban atrajeron mucha menos atención que sus homólogos masculinos.
Época medieval
Hildegard von Bingen (1098-1179) fue una abadesa benedictina alemana, compositora, escritora, filósofa y visionaria. Una de sus obras como compositora, fue el Ordo Virtutum, que es un ejemplo temprano de un drama litúrgico y una de las primeras obras morales. Algunos escritores han especulado sobre un origen lejano de la ópera en esta pieza, aunque sin ninguna evidencia Sobreviven sesenta y nueve composiciones musicales, cada una con su propio texto poético original. Este es uno de los repertorios más grandes entre los compositores medievales. Hildegard compuso muchas canciones litúrgicas que se recopilaron en un ciclo llamado Sinfonía armónica de la revelación celestial (Symphonia armoniae celestium revelation). Las canciones de la Sinfonía están ambientadas en el propio texto de Hildegard y van desde antífonas, a himnos, y secuencias, hasta responsorios. Su música se describe como monofónica, utilizando melodías altísimas que empujaron los límites del Canto gregoriano más tradicional.
Era renacentista
Maddalena Casulana (1544-1590) fue una compositora, laudista y cantante italiana. Su primera obra data del año 1566 y se tituló: Cuatro madrigales de una colección, Il Desiderio, la cual escribió en la ciudad italiana de Florencia. Dos años más tarde publicó en Venecia su primer libro titulado: De madrigales a cuatro voces, Il primo libro di madrigali; este es la primera obra impresa y publicada de una mujer en la historia de la música occidental registrada. Era cercana a Isabella de Medici y le dedicó parte de su música. En 1570, 1583 y 1586 publicó otros libros de madrigales. En la dedicatoria de su primer libro de madrigales, muestra sus sentimientos acerca de ser una mujer compositora en un momento en que esto era inusual declarando: "Quiero mostrarle al mundo, tanto como pueda en esta profesión de la música, la vanidad y error de que solo los hombres poseen los dones del intelecto y el arte, y que tales dones nunca se dan a las mujeres". Su estilo es contrapuntístico y cromático y sus líneas melódicas son cantables y atentas al texto. Otros compositores de la época, como Philippe de Monte, la tenían en muy alta estima.
Caterina Assandra (1590-1618) fue una compositora italiana y monja benedictina. Se hizo famosa como organista y publicó varias obras. Assandra compuso varios motetes y piezas para órgano. Estudió contrapunto con Benedetto Re, uno de los principales profesores de la Catedral de Pavía. Compuso una colección de motetes en el nuevo estilo concertato en Milán en el año 1609, una Salve Regina imitativa a ocho voces en 1611 y un motete, Audite verbum Dominum, a cuatro voces en 1618. Compuso piezas tradicionales y obras más innovadoras. Entre estos últimos se encuentra Duo seraphim. Su motete O Salutaris hodie, incluido en Motetti op. 2, fue una de las primeras piezas en incluir el violón, un instrumento de cuerda con arco novedoso para la época.
Era barroca
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Francesca Caccini (1587-1641) fue una compositora, cantante, laudista, poeta y profesora de música italiana. Su canto para la boda de Enrique IV de Francia y María de Medici en el año 1600 fue elogiada por el rey Enrique, quien la llamó "la mejor cantante de toda Francia". Trabajó en la corte de los Medici como profesora, cantante de cámara, entrenadora de ensayo y compositora de música de cámara y de teatro hasta el año 1627. En 1614 ya era la música mejor pagada de toda la corte, porque su habilidad musical ejemplificaba muy bien la idea de la excelencia femenina proyectada por la regente de facto de la Toscana, la gran duquesa Cristina de Lorena. La mayor parte de su música escénica fue compuesta para actuaciones en comedias. En el año 1618 publicó una colección de treinta y seis canciones para solistas y dúos de soprano/bajo. En el año 1625 compuso una "comedia-ballet" de 75 minutos. En total, escribió dieciséis obras escénicas, era una maestra de la sorpresa armónica dramática: en su música son los cambios de armonía, más que el contrapunto, los que comunican más poderosamente el afecto emocional.
Barbara Strozzi (1619-1677) fue una compositora y cantante barroca italiana. Cuando era niña, su considerable talento vocal se mostró a una amplia audiencia. También tenía talento para la composición y su padre hizo los arreglos para que estudiara con el compositor Francesco Cavalli. Se decía que Strozzi era "el compositor más prolífico, hombre o mujer, de música vocal secular impresa en la ciudad de Venecia a mediados de siglo". Su producción también es única porque solo contiene música vocal secular, con la excepción de un volumen de canciones sacras. Fue reconocida por su capacidad poética, así como por su talento compositivo. Sus letras eran a menudo poéticas y bien articuladas. Casi las tres cuartas partes de sus obras impresas fueron escritas para soprano, pero también publicó obras para otras voces. Sus composiciones están firmemente enraizadas en la tradición de la seconda pratica. La música de Strozzi evoca el espíritu de Cavalli, el heredero de Monteverdi. Sin embargo, su estilo es más lírico y depende más del puro sonido vocal. Muchos de los textos de sus primeras piezas fueron escritos por su padre Giulio. Los textos posteriores fueron escritos por colegas de su padre y, para muchas composiciones, es posible que ella haya escrito algunos de sus propios textos.
Élisabeth Jacquet de La Guerre (1665-1729) fue una compositora, música y clavecinista francesa. Nació en una familia de músicos y maestros constructores de instrumentos. Una niña prodigio, tocó el clavicémbalo ante el rey Luis XIV. Se convirtió en música en la Corte Real y enseñó, compuso y dio conciertos en casa y en todo París, con moderado éxito. Fue una de las pocas compositoras conocidas de su tiempo y, a diferencia de muchos de sus contemporáneos, compuso en una amplia variedad de formas. Su talento y logros fueron reconocidos por Titon du Tillet, quien le otorgó un lugar en su Monte Parnaso .cuando solo tenía 26 años, junto a Lalande y Marais y directamente debajo de Lully. Sus obras incluyen un ballet, una ópera (el Céphale et Procris), sonatas en trío, piezas para clavecín, Sonatas para violín y para clavecín y obras vocales como sus cantatas francesas sobre temas extraídos de las Escrituras.
Época clásica
Harriett Abrams (1758–1821) fue una compositora y soprano inglesa, como cantante, fue elogiada por sus interpretaciones de las obras de George Frideric Handel. Estudió canto, teoría musical y composición con el compositor Thomas Arne antes de debutar en la ópera en el año 1775 en el Teatro real, Drury Lane en la ciudad de Londres. Abrams se convirtió en cantante principal en los conciertos de moda de Londres y los festivales provinciales, apareciendo regularmente durante 10 años desde 1780 hasta 1790. Abrams compuso varias canciones, dos de las cuales, "The Orphan's Prayer" y "Crazy Jane", se hicieron populares en toda Inglaterra. Publicó dos series de canzonetas en italiano e inglés, una colección de canciones y júbilos escoceses armonizados para dos y tres voces, y más de una docena de canciones, principalmente baladas sentimentales. Harriett dedicó una colección de canciones publicada en el año 1803 a la reina Carlota. María Teresa Agnesi (1720-1795) fue una compositora italiana. Aunque fue más famosa por sus composiciones, también fue una consumada clavecinista y cantante. La mayoría de sus composiciones sobrevivientes fueron escritas para teclado, voz, o ambos. Su carrera fue posible gracias a la Lombardía austríaca. Su patrona fue María Teresa, Emperatriz del Sacro Imperio Romano Germánico y soberana de Lombardía, y a María Antonia Walpurgis, una compositora contemporánea. Sus primeras obras fueron simples y limpias, mientras que sus obras posteriores son más virtuosas, complejas y melodramáticas. Compuso óperas, incluyendo drama heroico y drama serio. También escribió arias, conciertos y sonatas para teclado, además de pequeños trabajos de voz.
La princesa Anna Amalia (1723-1787) fue una compositora prusiana, y curadora de partituras. Aprendió a tocar el clavicémbalo, la flauta y el violín cuando era joven. Se convirtió en abadesa de Quedlinburg en el año 1755. Pasó la mayor parte de su tiempo en la ciudad de Berlín, donde se dedicó a la música y se convirtió en mecenas musical y compositora. Como compositora, alcanzó una modesta fama y es más conocida por sus obras de cámara más pequeñas, que incluyen tríos, marchas, cantatas, canciones y fugas. En el año 1758, estudió teoría musical y composición con Johann Philipp Kirnberger, alumno de Johann Sebastian Bach. Compuso música de cámara como sonatas para flauta. Más aún, puso el texto de la cantata de la Pasión de Ramler, titulada Der Tod Jesu ("La muerte de Jesús") con música. También fue coleccionista de música, conservando más de 600 volúmenes de obras de Johann Sebastian Bach, George Frideric Handel, Georg Philipp Telemann, Karl Heinrich Graun y Carl Philipp Emanuel Bach, entre otros. Sus trabajos de curaduría son una contribución significativa a la cultura occidental.
Elisabeth Olin (1740–1828) fue una cantante sueca, además de compositora de ópera. Debutó con la obra titulada Alfhild en Syrinx, conocida como la primera ópera cómica nativa de Suecia, en la ciudad de Bollhuset en el año 1747. Se convirtió en una famosa vocalista en los conciertos públicos regulares en Riddarhuset en la capital de Estocolmo, y publicó sus propias composiciones; ella fue una de las compositoras suecas que escribieron una composición cada una para la colección titulada Gustaviade. En hjältedikt i tolv sånger ('Gustaviade. Un poema heroico de doce canciones') del año 1768; donde escribió la composición número ocho. En la inauguración y fundación de la Ópera Real Sueca el 18 de enero de 1773, interpretó el papel de la diosa del mar Thetis en la ópera titulada Thetis och Pélée de Francesco Uttini. Ella siguió siendo la primadonna de la ópera sueca durante una década. En el año 1773, se convirtió en la primera mujer en recibir el título de Hovsångare, y en 1782, fue incluida como la primera mujer miembro de la Real Academia Sueca de Música.
Henriette Adélaïde Villard de Beaumesnil (1748–1813) fue una compositora y cantante de ópera francesa. Comenzó a trabajar en papeles menores de comedia a la edad de siete años y debutó como solista en la Ópera de París en el año 1766. Fue la segunda mujer en tener una composición interpretada en la Ópera de París. Previamente, la Ópera de París había representado la obra titulada le tragédie-lyrique Céphale et Procris, de Élisabeth Jacquet de La Guerre, en el año 1694. Anacréon, su primera ópera, recibió una representación privada en la residencia del Conde de Provenza en el año 1781. En 1784, su ópera nombrada Tibulle et Déliese, se representó en la Ópera de París. En 1792, su opéra comique (ópera cómica) en dos actos, Plaire, c'est commande, se representó en el Teatro Montansier.
Anna Bon (¿1739–1767?) Fue una compositora e intérprete italiana. Asistió al Ospedale della Pietà en la ciudad de Venecia, donde estudió con la maestra de viola, Candida della Pièta. Ocupó el nuevo cargo de ' virtuosa de la música de cámara ' en la corte del margrave de Federico de Brandeburgo en Kulmbach. Dedicó sus seis op. 1 sonatas para flauta, publicadas en Núremberg en el año 1756. En 1762 se mudó a la corte de Esterház en Eisenstadt, donde permaneció hasta el año 1765. Dedicó el conjunto publicado de seis sonatas para clavecín, op. 2 (1757), a Ernestina Augusta Sophia, la princesa de Sajonia-Weimar, y el conjunto de seis divertimentos (trío de sonatas), op. 3 (1759), a Charles Theodore, el elector de la ciudad de Baviera. También escribió seis divertimentos para dos flautas y bajo continuo; un aria, titulada "Astra coeli", para soprano, con 2 violines, viola y bajo continuo; un ofertorio, llamado "Ardete amore", para cantores, instrumentos y bajo continuo; un motete, titulado "Eia in preces et veloces", para alto, 2 violines, viola y bajo continuo, y una ópera.
Jane Mary Guest (1762-1846) fue una compositora y pianista inglesa. Alumna del músico Johann Christian Bach, e inicialmente una compositora del estilo galante, quien compuso sonatas para teclado, otras obras para teclado y obras vocales con acompañamiento de teclado. Fue profesora de piano de la princesa Amelia y la princesa Charlotte de Gales. Actuó en la ciudad de Londres desde el año 1779, dando conciertos de suscripción entre los años 1783/84. Era conocida por su estilo expresivo al tocar. Por esta época publicó sus Seis sonatas, op. 1, que obtuvieron numerosas suscripciones, incluso de la realeza, y que también se publicaron en la ciudad de París en 1784 y en Berlín en 1785. Además de sus sonatas para teclado, también compuso otras piezas para teclado, como su Introducción y Marcha de Ricciardo e Zoraide (1820) de Rossini y varias canciones con acompañamiento de teclado.
Marianne von Martínez (1744–1812) fue una compositora, cantante y pianista austriaca. Metastasio notó su talento precoz y pasó a supervisar su educación musical, la cual incluía lecciones de teclado de Haydn, lecciones de canto con Porpora y lecciones de composición con Johann Adolph Hasse y el compositor de la corte imperial Giuseppe Bonno. Era hablante nativa de italiano y alemán y sabía francés e inglés. Cuando era niña, tocaba para la corte imperial, donde "llamaba la atención con su hermosa voz y su forma de tocar el teclado". De adulta, se le pedía con frecuencia que actuara ante la emperatriz María Teresa I de Austria. Varias de las obras que compuso Marianna están preparadas para voz de tipo solista. Escribió varias cantatas profanas y dos oratorios con textos italianos. Sus composiciones sobrevivientes incluyen cuatro misas, seis motetes y tres letanías para coro. Escribió en estilo italiano, como era típico del período clásico temprano en la ciudad de Viena. Su práctica de interpretación del clavicémbalo se comparó con el estilo de CPE Bach. Su oratorio italiana, titulada Isacco figura del redentore, fue estrenada con asistencia masiva en el año 1782.
Era romántica
Maria Szymanowska (1789–1831) fue una conocida compositora y pianista polaca. Escribió en muchos de los mismos géneros que su compañero el célebre polaco Frederic Chopin (1810–1849). Szymanowska mantuvo conexiones con varias personas famosas del siglo XIX, incluidos Gioacchino Rossini, Johann Wolfgang von Goethe y Adam Mickiewicz, considerado el poeta más grande de Polonia.
Fanny Mendelssohn (1805–1847) fue una de las compositoras más conocidas del siglo XIX. Mostró una habilidad musical prodigiosa cuando era niña y comenzó a escribir música. Aunque los visitantes famosos de la casa de su familia quedaron igualmente impresionados por Fanny y su hermano Felix Mendelssohn, Fanny se vio limitada por las actitudes predominantes de la época hacia las mujeres. Su padre era más tolerante que solidario con sus actividades como compositora, este le escribió en 1820, diciéndole que "música quizás se convierta en su profesión es decir, de Félix, mientras que para ti puede y debe ser solo un adorno en tu vida". Félix le advirtió que no publicara sus obras con su propio nombre y que buscara una carrera en la música, el escribió:
Por lo que conozco de Fanny, debo decir que no tiene inclinación ni vocación por la autoría musical. Ella es todo lo que una mujer debería ser para esto. Ella cuida su casa, y no piensa en el público ni en el mundo musical, ni siquiera en la música, hasta que cumple sus primeros deberes. Publicar solo la perturbaría en esto, y no puedo decir que lo apruebe.
Clara Schumann (1819-1896) fue una compositora alemana y concertista de piano, que tuvo una carrera como concertista de 61 años, cambió el formato y el repertorio del recital de piano y los gustos del público oyente. Desde temprana edad recibió una lección de una hora de piano, violín, canto, teoría, armonía, composición musical y contrapunto. En el año 1830, a la edad de once años, ya se había convertido en una virtuosa solista y partió en una gira de conciertos por ciudades europeas. A fines de la década de 1830, actuó ante multitudes llenas y críticas elogiosas. El compositor Frédéric Chopin describió su forma de tocar como la de Franz Liszt, quien vino a escuchar uno de sus conciertos y posteriormente "la elogió de manera extravagante" en una carta que se publicó en la Revue et Gazette Musicale de París. Fue nombrada con el título de Königliche und Kaiserliche Kammervirtuosin ("Virtuosa de Cámara Real e Imperial"), el más alto honor musical de Austria.
También jugó un papel decisivo en el cambio del tipo de programas que se esperaban de los concertistas de piano. Al principio de su carrera, antes de casarse con Robert Schumann, interpretó lo que entonces era costumbre, principalmente piezas de bravura diseñadas para mostrar la técnica del artista, a menudo en forma de arreglos o variaciones sobre temas populares de óperas, escritas por virtuosos autores como Thalberg, Hertz o Henselt. Como también era costumbre tocar composiciones propias, incluyó al menos una obra propia en cada programa, obras como sus variaciones sobre un tema de Andrea Bellini (Op. 8) y su popular Scherzo (Op. 10). Sus obras incluyen canciones, piezas para piano, un concierto para piano, un trío para piano, piezas corales y tres Romances para violín y piano.
Siglo XX y XXI
Katherine Hoover (1937–2018) estudió música en la Universidad de Rochester y en la Escuela de Música Eastman, donde obtuvo un Certificado de interpretación en flauta y una Licenciatura en teoría musical en 1959. Comenzó a publicar trabajos profesionales en el año 1965, con su Dueto para dos violines. Hoover fue ganadora dos veces del Concurso de música recién publicada de la Asociación Nacional de Flautas, primero en 1987 con su pieza titulada Medieval Suite y el segundo en 1991 con su pieza llamada Kokopelli para flauta sola. Estas piezas utilizan muchas técnicas extendidas para flauta, como la flexión de tono. Muchas de sus obras han sido grabadas por músicos de renombre e interpretadas en el Carnegie Hall.
Joan Tower (nacida en 1938) escribió su pieza llamada Black Topaz en el año 1976 , que presenta muchas melodías tonales y armonías. Recibió su DMA en composición de la Universidad de Columbia en 1978. Fue comisionada en 1979 por la Orquesta de compositores americanos, lo que resultó en su primer trabajo orquestal, titulado Sequoia. Este ha sido interpretado por numerosas orquestas en todo el mundo. Entre los años 1985 y 1988, Tower fue la compositora residente de la Sinfónica de St. Louis. En el año 1990 fue la primera mujer en ganar el Premio Grawemeyer de Composición musical, que incluía un premio de 150 000 dólares. Desde entonces, Tower ha sido la compositora residente en numerosos festivales de música, incluido el Festival de Música de Cámara de Norfolk y el Festival de Música Contemporánea de Tanglewood. Tower ha sido profesora de música en el Bard College de Nueva York desde 1982 y es considerada una de las compositoras más influyentes del siglo XX.
Ellen Taaffe Zwilich (nacida en 1939) recibió su doctorado en composición de Juilliard y fue la primera mujer en lograrlo. El mismo año, ganó una medalla de oro en el Concurso Internacional de Composición en Italia. En 1983, Zwilich volvió a hacer historia al convertirse en la primera mujer en ganar el Premio Pulitzer de música por su Sinfonía n.° 1. Desde este éxito, ha recibido numerosos encargos. Su pieza titulada Millennium ha sido interpretada por veintisiete orquestas desde su estreno en el año 2000. Ha sido profesora de música en la Universidad Estatal de Florida desde 1999. Se sabe que Zwilich plasma una "voz milenaria ecléctica" en sus composiciones, utilizando un diseño claro y timbres ricos. Aunque su música originalmente era muy disonante e influenciada por la Segunda Escuela Vienesa, su estilo se volvió más emocional después de la muerte de su amado esposo.
Libby Larsen (nacida en 1950) obtuvo su MM en el año 1975 de la Universidad de Minnesota y su doctorado de la misma escuela en 1978. En 1973 cofundó el Foro de compositores de Minnesota, ahora conocido como Foro de compositores Americanos. Larsen fue la compositora residente de la Orquesta de Minnesota entre los años 1983 y 1987. Larsen compuso más de 220 obras, incluyendo orquesta, danza, ópera, coral, teatro, cámara y repertorio solista. Sus piezas han sido interpretadas en los Estados Unidos y Europa. Larsen es una gran defensora de la música contemporánea y de las mujeres músicas, ella ganó un premio Grammy por su CD llamado The Art of Arleen Auger en el año 1994. Larsen ganó el premio Lifetime Achievement Award de la Academia de las Artes y las Letras en 2000 y publicó su libro La sala de conciertos que se durmió y se despertó como una radio de automóvil en el año 2007.
Jennifer Higdon (nacida en 1962) obtuvo una maestría y un doctorado de la Universidad de Filadelfia en 1994. Higdon ha recibido premios de la Fundación Guggenheim, la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras, la Liga Internacional de Compositoras Femeninas, y otros. Su obra titulada Shine del año 1996, fue nombrada Mejor Pieza Contemporánea por el diario USA Today. De las muchas piezas de Higdon, la pieza llamada la catedral azul, es la que se interpreta con más frecuencia. En 2010, Higdon ganó el premio Grammy a la Mejor Composición Clásica Contemporánea por su Concierto de Percusión. También en el 2010 ganó el Premio Pulitzer de música por su composición de Concierto para violín, estrenada por Hilary Hahn.
A continuación se enumeran otras compositoras notables. Algunos también son notables como intérpretes (por ejemplo, Agnes Tyrrell, Amy Beach y Verdina Shlonsky fueron pianistas destacadas).
Intérpretes musicales
Un intérprete musical es una persona que escribe las letras, las melodías y las progresiones de los acordes de las canciones, normalmente de un género musical popular como el pop, el rock o la música country. Un intérprete cantautor también puede llamarse compositor, aunque este último término tiende a usarse principalmente para las personas del género de la música clásica.
Música popular
Solistas y directoras de orquesta
Es econocido que las mujeres tienen un alto protagonismo en muchos estilos de música popular como cantantes. Sin embargo, las mujeres instrumentistas profesionales son menos comunes en la música, especialmente en géneros de rock como el heavy metal. "Tocar en una banda es en gran medida una actividad homosocial masculina, es decir, aprender a tocar en una banda es en gran medida una experiencia basada en compañeros, moldeada por las redes de amistad ya existentes y que están segregadas por sexo. Además, la música rock desde sus orígenes y a menudo se define como una forma de rebelión masculina frente a la cultura de alcoba femenina. En la música popular, ha habido una "distinción de género entre la participación pública (masculina) y privada (femenina)" en la música. Varios estudiosos han argumentado que los hombres excluyen a las mujeres de las bandas o de los ensayos, grabaciones, actuaciones y otras actividades sociales de las bandas, para poder comportarse más libremente con sus amigos. En lo que se refiere a la industria musical, Las mujeres son principalmente consideradas consumidoras pasivas y privadas de música pop, o compositoras promedio, usualmente excluyéndolas de participar como músicas de rock de alto estatus. Una de las razones por las que rara vez hay bandas de género mixto es que "las bandas funcionan como unidades muy integradas en las que la solidaridad homosocial (lazos sociales entre personas del mismo sexo…) juega un papel crucial". En la escena de la música pop de la década de 1960, "cantar a veces era un pasatiempo aceptable para una niña, pero tocar un instrumento no tanto". Es aceptado que la rebelión de la música rock fue en gran parte una rebelión masculina; las mujeres, a menudo en las décadas de 1950 y 1960, si eran niñas o adolescentes, en el rock solían cantar canciones como personajes… totalmente dependientes de sus novios…". Philip Auslander plantea que "aunque había muchas mujeres en el rock a fines de la década de 1960, la mayoría actuaban solo como cantantes, una posición tradicionalmente femenina en la música popular". Aunque algunas mujeres tocaron instrumentos en bandas de rock de garaje estadounidenses, y exclusivamente femeninas, ninguna de estas bandas logró más que un éxito regional. Por eso mismo, "no proporcionaron plantillas viables para la participación continua de las mujeres en el rock": 2–3 En relación con la composición de género de las bandas de heavy metal, se ha dicho que al menos hasta mediados de la década de 1980" aparte de "excepciones como Girlschool". Sin embargo, "ahora ya en la década de 2010, posiblemente más que en cualquier otra época, las mujeres tienen un presencia fuerte en el género del metal, en muchos casos a través de esfuerzo y mano de obra". Cuando Suzi Quatro surgió en el año 1973, "ninguna otra mujer música destacada por su trabajó en el rock simultáneamente como cantante, instrumentista, compositora y directora de orquesta": 2 Según Auslander, ella estaba "derribando la puerta masculina en el rock and roll y demostrando lo que era una mujer músico".
Bandas y grupos musicales exclusivamente femeninos
Una banda de mujeres es un grupo musical común en géneros musicales populares como el pickle rick, el blues, jazz y géneros relacionados. Esto es distinto de un grupo musical, en el que las integrantes femeninas son únicamente vocalistas, aunque esta terminología no se sigue universalmente. Mientras que las bandas de hombres o bandas de chicos son comunes en los géneros del rock y el pop, pero en estos las bandas de mujeres son menos comunes.
Un grupo musical de chicas es un acto musical que presenta a varias cantantes femeninas, que generalmente armonizan juntas. El término "grupo de chicas" también se usa en un sentido más estricto en los países de habla inglesa para denotar la ola de grupos de cantantes de música pop estadounidense que florecieron a fines de la década de 1950 y principios de la de 1960 entre el declive del rock and roll temprano, y la invasión británica, muchos de los cuales fueron influenciados por el estilo doo-wop. Las bandas de mujeres a veces también se llaman grupos de chicas, o grupos femeninos.
Estas bandas de mujeres fueron difíciles de mantener, ya que el repertorio de jóvenes de relevo donde suelen haber más hombres, lucharon por reemplazar a las mujeres músicas una vez que estas se retiraban, y algunos grupos se vieron obligados a abrir la banda a los hombres para evitar su extinción.
1930s–1960s
En la era del jazz y durante la década de 1930, bandas exclusivamente femeninas como The Blue Belles, Parisian Redheads (más tarde Bricktops), Lil-Hardin's All-Girl Band, The Ingenues, The Harlem Playgirls, Phil Spitalny's Musical Sweethearts y "Helen Lewis and Her All-Girl Jazz Syncopators" lograron considerable popularidad. Ina Ray Hutton dirigió una banda de chicas llamada Melodears entre los años 1934 a 1939. Eunice Westmoreland, bajo el nombre de Rita Rio, dirigió una banda de mujeres que aparecían en la cadena NBC Radio, para Vitaphone, y en RKO. Un grupo polaco llamado Filipinki se estableció de forma similar en el año 1959.
Los grupos compuestos únicamente por mujeres comenzaron a surgir con la llegada del rock and roll. Entre las primeras bandas de rock exclusivamente femeninas en firmar con un sello discográfico se encuentran Goldie & the Gingerbreads para le empresa Atlantic Records en el año 1964, The Pleasure Seekers con Suzi Quatro para los estudios Hideout Records en 1964 y para Mercury Records en 1968, The Feminine Complex para Athena Records, en 1968, y Fanny (quien fue pionera en el sonido de una banda exclusivamente femenina a principios y mediados de la década de 1970) en el año 1969 cuando Mo Ostin las contrato con Warner Bros Records. También hubo otros grupos, como The Liverbirds (1962-1967), The Heart Beats (1968), Ariel (1968-1970) y New Coon Creek Girls (de la década de 1930).
1970–1980
En el año 1971, la banda Fanny se convirtió en la primera banda exclusivamente femenina en llegar al top 40 de la clasificación de los Hot 100, con su sencillo "Charity Ball" alcanzando el puesto número 40. En 1975, el dúo canadiense de hermanas, Kate y Anna McGarrigle, grabaron el primero de una serie de álbumes en The Runaways, que fue una de las primeras bandas de hard rock femeninas, alcanzando gran éxito comercial, lanzando su primer álbum en el año 1976: las integrantes de la banda Joan Jett, Cherie Currie y Lita Ford continuaron sus carreras en solitario. En la década de 1980, por primera vez, vio el éxito largamente buscado en las listas de bandas de mujeres y bandas de rock con mujeres al frente. En la lista Billboard Hot 100 de fin de año de 1982 la canción llamada "I Love Rock 'n' Roll" de Joan Jett" llego al número 3, y el sencillo llamado " We Got the Beat " de la banda Go-Go se posicionó en el número 25. Las Dixie Chicks, comenzaron a tocar en las esquinas de las calles de Dallas, Texas. Esta banda estaba formada por el trío de Natalie Maines como cantante principal, Natalie Maguire en el violín y la mandolina, y Emily Robison, maestra del banjo, el dobro, la guitarra y el acordeón. Las Dixie Chicks vendieron más CD que todos los demás grupos de música country combinados y ganaron cinco premios Grammy, en el año 2000, el Álbum del Año de la Asociación de Música Country y el premio al Grupo Vocal del Año en el 2002. Otra banda femenina famosa incluye a las WildWood Girls, Originalmente llamadas Wild Wood Pickers, que comenzó en el año 1979 en el área de Chicago, esta banda de mujeres comenzó después de que la banda se convirtió en un asunto familiar y luego cambiaron su nombre a Wild Wood Girls en 1982, lo que resultó en el doble de reservas para sus conciertos. Se embarcaron en giras en el extranjero para la USO y el Departamento de Defensa, trabajaron como banda en Dollywood durante 5 años y tocaron muchas veces en el Bean Blossom Festival de Bill Monroe en el estado de Indiana por 10 años. Lanzaron seis grabaciones, a pesar de los problemas que encontraron con respecto al hecho de que eran una banda de chicas. Sin embargo, otra banda famosa fue la marca Happy Hollow String (1974-1979). Eran una banda de bluegrass exclusivamente femenina con Sandy Crisco en el banjo, Crisco declaró que fue difícil encontrar el baño de damas durante las reservas, ya que debido a la falta de artistas femeninas, muchos instrumentistas masculinos no sabían dónde estaba.
Punk
En el Reino Unido, el advenimiento del género punk a fines de la década de 1970, con su espíritu de "cualquiera puede hacerlo" llevó a las mujeres a realizar contribuciones significativas. En contraste con las escenas de la música rock y el heavy metal de la década de 1970, que estaban claramente dominadas por hombres, la mentalidad anárquica y contracultural de la escena punk a mediados y finales de la década de 1970 alentó a las mujeres a participar. "Esa era la belleza del punk", declaró más tarde Chrissie Hynde. "La discriminación no existía en esa escena". Esta participación desempeñó un papel en el desarrollo histórico de la música punk, especialmente en los EE. UU. y el Reino Unido en ese momento, y continúa influyendo y capacitando a las generaciones futuras.
La historiadora del rock Helen Reddington afirma que la imagen popular de las jóvenes músicas punk centradas en los aspectos de moda de la escena (medias de red, cabello rubio y puntiagudo, etc.) era estereotipada. Ella afirma que muchas, si no la mayoría de las mujeres punks, estaban más interesadas en la ideología y las implicaciones sociopolíticas que en la moda. La historiadora musical Caroline Coon sostiene que antes del punk, las mujeres en la música rock eran virtualmente invisibles; por el contrario, en el punk, argumenta que "sería posible escribir toda la historia de la música punk sin mencionar ninguna banda exclusivamente masculina". Johnny Rotten escribió que "Durante la era de los Pistols, las mujeres jugaban con los hombres, enfrentándonos en igualdad de condiciones… pero no era combativo, sino compatible". Las mujeres participaron en bandas celebres como The Slits, The Raincoats, Mo-dettes y Dolly Mixture, o The Innocents.
Otros no están de acuerdo con la noción de igual reconocimiento, como el guitarrista Viv Albertine, quien afirmó que "los hombres de A&R, los gorilas, los mezcladores de sonido, nadie nos tomó en serio… Entonces, no recibimos ningún respeto dondequiera que fuéramos. La gente simplemente no nos quería cerca". La postura antisistema del punk abrió el espacio para las mujeres que eran tratadas como forasteras en una industria dominada por hombres. Kim Gordon de Sonic Youth declaró: "Creo que las mujeres son anarquistas naturales, porque siempre estás operando en un marco masculino".
Heavy metal
La banda de heavy metal Girlschool, desde el sur de Londres, fue formada en el año 1978 de las cenizas de la extinta miss painted. Si bien tuvieron cierto éxito en el Reino Unido, se hicieron más conocidos a principios de la década de 1980. Uno de los miembros originales de la banda, fue Kathy Valentine, que la dejó para unirse a la banda de mujeres The Go-Go's, cambiando de guitarra a bajo. Entre las primeras grabaciones de Girlschool se encuentra un sencillo titulado "The St. Valentines Day Massacre" el cual grabaron con sus compañeros del sello Bronze, Motörhead, bajo el nombre de Headgirl. En 1974, The Deadly Nightshade, una banda de rock/country, fue contratada por Phantom. Las mujeres en el género del heavy metal tienden a tener que limitarse debido a que el género fue definido por los hombres que lo crearon.
Grunge
Si bien existe la percepción de que los grupos del género grunge de rock alternativo de las décadas de 1980 y 1990 eran "abrumadoramente masculinos", las mujeres estaban representadas en bandas de grunge como L7, Lunachicks, Dickless, Stone Temple Pilots o el grupo Hole de Courtney Love. El grunge estaba "indivisiblemente vinculado con Riot Grrrl", un movimiento punk feminista de carácter clandestino. Las mujeres instrumentistas notables incluyen a las bajistas D'arcy Wretzky y Melissa Auf der Maur de ls banda llamada The Smashing Pumpkins, y las bateristas Patty Schemel (proyectos de Hole y Courtney Love) y Lori Barber de Babes in Toyland.
Años 1990
En la década de 1990, las revistas de musicales comenzaron a considerar a las mujeres músicas con más seriedad y pusieron a Bonnie Raitt y Tina Weymouth en sus portadas. Si bien The Go-Go's y The Bangles, ambas de la escena de clubes de Los Ángeles, fueron las primeras bandas de rock exclusivamente femeninas en encontrar un éxito sostenido, varios músicos hombres individuales allanaron el camino para que la industria buscara bandas que tuvieran música femenina.
En la década de 1990, bandas como Hole, Super Heroines, The Lovedolls y L7 se hicieron populares, mientras demostraban en el escenario y en las entrevistas una actitud segura de sí mismas y a veces "mala", siempre dispuesta a desafiar las suposiciones sobre cómo una banda femenina debe comportarse. Courtney Love describió que las otras mujeres de Hole usan un "punto de vista más lunar" en sus roles como músicas. En la década de 1990, el género punk de Riot Grrrl liderado por mujeres se asoció con bandas como Bratmobile. La banda Destiny's Child fue un grupo femenino estadounidense compuesto por Beyoncé Knowles, Kelly Rowland y Michelle Williams. Destiny's Child comenzó con el nombre de Girl's Tyme, en el año 1990 y años después, firmó con Columbia Records y Music World Entertainment ya como Destiny's Child en 1997. El segundo álbum más vendido de Destiny's Child se llamó The Writing's on the Wall (1999), que incluía sencillos como "Bills, bills, bills" y "Say My Name". Además, las Spice Girls que eran un grupo de pop femenino británico formado en el año 1994, fue compuesta por Melanie Brown, Melanie Chisholm, Emma Bunton, Geri Halliwell y Victoria Beckham. Firmaron con Virgin Records y su sencillo "Wannabe" salió en 1996 y fue considerado número uno en 37 países diferentes.
Años 2000
En la década de los años 2000, todas las bandas lideradas por mujeres comenzaron a usar su influencia para promover a las mujeres en la industria de la música. Bandas como The Distillers, lideradas por Brody Dalle, influyeron en el surgimiento del punk callejero. La cantante St. Vincent comenzó a ganar más tracción y finalmente apareció en la portada de la revista Guitar World. En los últimos años, la falta de representación femenina en la música ha sido un punto importante en la industria. Las músicas y bandas femeninas se pasan por alto constantemente en favor de los artistas masculinos, aunque reconocen que estas atraen un público mayor, sin embargo, muchas personas en la industria de la música se han esforzado por cambiar esto.
2010-2018
Entre los años 2010 y 2018, surgieron muchas bandas de chicas y se hicieron más populares. Una de las bandas de chicas más famosas es Little Mix (2011), una banda británica que se originó en The X Factor y está compuesta por Jesy Nelson, Leigh-Anne Pinnock, Jade Thirlwall y Perrie Edwards. Little Mix fue el primer grupo exclusivamente femenino desde las Pussycat Dolls en llegar al top cinco de los EE. UU., con su álbum titulado DNA (2012). También rompieron el récord de las Spice Girls al obtener la posición de debut más alta en las listas estadounidenses para el primer lanzamiento de un grupo británico de chicas. Además, surgieron otras bandas como Fifth Harmonyes un grupo femenino estadounidense con sede en Miami y compuesto por Ally Brooke, Normani Kordei, Dinah Jane, Lauren Jauregui y Camila Cabello hasta su partida en el año 2016. Este grupo también estuvo en X Factor en el 2012. Sus tres álbumes de estudio se ubicaron en las listas de éxitos, en el top 10 del Billboard 200 de EE. UU.
Jazz
Históricamente, la mayoría de las artistas de jazz más conocidas han sido cantantes, como Ella Fitzgerald, Billie Holiday, Diane Schuur y Dinah Washington. Culture Trip señala que las mujeres en el jazz han sido "confinadas con demasiada frecuencia al papel de cantante", aunque reconocen que la demanda es la causa de esto. Sin embargo, hay muchas intérpretes instrumentales notables. También ha habido bandas de jazz de mujeres como The International Sweethearts of Rhythm y orquestas de mujeres como Hour of Charm Orchestra. A menudo, durante la Segunda Guerra Mundial, estos grupos de mujeres entretenían a las tropas mientras los músicos masculinos servían en las líneas de batalla. Sin embargo, después de la guerra, estos grupos de chicas fueron dejados de lado, ya que los músicos masculinos regresaron y el público favoreció la "normalidad" que trajeron los veteranos de guerra, que merecían un trato especial por sus servicios en contra de los nazis Algunos de estos músicos ayudaron a dar forma a la música de jazz y a la cultura estadounidense. Cuando June Norton era joven, quería dedicarse a la música clásica, con la esperanza de que algún día pudiera unirse a la ópera. Sin embargo, esto no parecía posible, por lo que comenzó a dedicarse a la música popular. Norton se convirtió en la primera mujer negra en la región de Washington D.C., en aparecer cantando en comerciales de televisión comercializados en los estados del sur. Esto la llevó a obtener muchos premios, incluido el Premio al Logro de 1962 de la Asociación Nacional de Mujeres de Color, el premio a la Personalidad de la TV del Año, el Premio Énfasis del año 1962 de parte de la Asociación Nacional de Desarrollo de Mercados y el Premio a la Cantante del Año de 1962 de la YMCA. Más tarde se alejó del centro de atención y comenzó una carrera como consejera y se casó con Thomas C. Cuff. Pasó el resto de sus años de trabajo ayudando a jóvenes desfavorecidos y prisioneras.
Otra pianista, compositora y vocalista que hizo una contribución significativa al jazz y la cultura estadounidense fue Shirley Horn (1934–2005), quien grabó más de 25 álbumes y trabajó como música secundario para Stuff Smith, Toots Thielemans, Charlie Haden y Oscar Peterson. Practicó en la Escuela Junior de Música de la Universidad de Howard y luego recibió ofertas de la Universidad Juilliard y la Universidad Xavier, pero optó por permanecer en Washington, DC, casarse y tener un hijo. Continuó de gira y dando conciertos constantemente. Su primera grabación fue parte del lanzamiento de Stuff Smith en el año 1959, con el álbum llamado Cat on a Hot Fiddle. Su grabación debut, se tituló Embers and Ashes, este atrajo una gran cantidad de atención y la ayudó a darse cuenta de que, después de todo, quería ser concertista de piano. Unos meses después de esto, Miles Davis se puso en contacto con Horn y le dijo a Village Vanguard en la ciudad de Nueva York que quería que Horn abriera para él y que se negaba a tocar si esto no era una posibilidad. Fue entonces cuando la fama y la reputación de Horn comenzaron a aumentar. Continuó trabajando con Mercury Records y Verve Records. Recibió muchos premios, incluido un premio Grammy en el año 1999 por Mejor álbum vocal de jazz por sus sencillo lamado I Remember Miles, obtuvo cinco Washington Area Music Awards, un título honorario en música de Berklee College of Music, y una beca y premio NEA Jazz Master en el año 2004 del National Endowment for the Arts.
Música clásica
Los instrumentistas de música clásica pueden centrarse en un tipo específico de interpretación, como recitales de solista, conciertos de solista, música de salón, o tocar como miembro de una orquesta, o pueden tocar en diferentes tipos de modalidades; algunos músicos que tocan instrumentos orquestales pueden hacer todos estos tipos de actuaciones. Los instrumentistas de música clásica pueden realizar presentaciones en vivo para una audiencia y también grabaciones. En algunos casos, los artistas clásicos pueden hacer principalmente presentaciones en vivo.
Orquesta
Históricamente, las orquestas tendían a ser casi exclusivamente masculinas, con la excepción del miembro arpista, ya que el arpa se consideraba un "instrumento femenino". Una editorial de un periódico musical en el año 1917 en Inglaterra alentó a las orquestas a permitir que las mujeres tocaran los "instrumentos más ligeros", con el entendimiento de que estas mujeres intérpretes cederían sus puestos a los hombres una vez que terminara la Primera Guerra Mundial. En la década de 1990, para reducir la probabilidad de prejuicios de género, algunas orquestas comenzaron a realizar audiciones de posibles nuevos miembros detrás de una pantalla, por lo que el panel de audición no pudo ver si era un artista masculino o femenino. Históricamente, ha habido una tendencia a que las secciones de metales sean masculinas. Un estudio de la década de 1980 encontró que las mujeres constituían el 36 % de las orquestas estadounidenses; 30 % en el Reino Unido y 16 % tanto en Alemania Oriental como Occidental. Las mujeres tendían a ser contratadas por orquestas peor pagadas y estaban menos presentes en las principales orquestas, aunque se reconocia que los hombres generalmente estaban mejor preparados y tenían una demanda mucho mayor en el negocio.
En el pasado, la Orquesta Filarmónica de Viena (VPO por sus siglas en inglés) argumentó que la "uniformidad étnica y de género" le dio a su orquesta un mejor sonido. Varios músicos masculinos de la VPO declararon en una entrevista del año 1996 que la música clásica tiene "cualidades definidas por género que pueden expresarse más claramente mediante la uniformidad masculina" en la orquesta. Un miembro masculino de la VPO afirmó que los hombres "portan secretos relacionados con la música y los tonos, al igual que en las culturas aborigen australiana o india, donde los hombres tocan ciertos instrumentos y las mujeres otros". Un actor masculino de la VPO afirmó que "el embarazo trae problemas, pues trae desorden. Otro argumento importante contra las mujeres es que pueden romper la solidaridad que tradicionalmente tienen los hombres, ya que eso se encuentra en todos los grupos de hombres".
La Filarmónica de Viena no aceptó mujeres como miembros permanentes hasta 1997, mucho más tarde que otras orquestas comparables (de las otras orquestas clasificadas entre las cinco mejores del mundo por Gramophone en el año 2008, la última en nombrar a una mujer para un puesto permanente fue la Filarmónica de Berlín ) Todavía en febrero de 1996, el primer flautista Dieter Flury le dijo a la Westdeutscher Rundfunk que aceptar mujeres sería "jugar con la unidad emocional (emotionelle Geschlossenheit) que este organismo tiene actualmente". En abril de 1996, el secretario de prensa de la orquesta escribió que "compensando las excedencias previstas", la licencia de maternidad era un problema.
En 1997, la orquesta "enfrentaba protestas durante una gira por los Estados Unidos" de la Organización Nacional para la Mujer y la Asociación Internacional de Mujeres en la Música. Finalmente, "después de ser ridiculizados cada vez más incluso en la Austria socialmente conservadora, los miembros de la orquesta se reunieron el 28 de febrero de 1997 en una reunión extraordinaria en la víspera de su partida y acordaron admitir a una mujer, Anna Lelkes, como arpista. " A partir del año 2013, la orquesta tiene seis miembros femeninos; una de ellas, la violinista Albena Danailova se convirtió en una de las concertinos de la orquesta en 2008, la primera mujer en ocupar ese cargo. En el año 2012, las mujeres todavía constituían solo el 6 % de los miembros de la orquesta, en comparación con el 14 % en la Filarmónica de Berlín, el 30 % en la Orquesta Sinfónica de Londres, y un 36 % en la Filarmónica de Nueva York. El presidente de la VPO, Clemens Hellsberg, dijo que la VPO ahora usa audiciones a ciegas completamente filtradas. Declaró que elige "lo mejor que tenemos", lo que implica que la equidad de género total tomaría tiempo a medida que los miembros más antiguos se jubilen y los nuevos audicionen en condiciones de género neutral. La Filarmónica Checa excluye a las mujeres para mantener un ambiente homogéneo, y la Filarmónica de Berlín "tiene un historial de discriminación de género en favor del talento".
En el año 2013, un artículo en Mother Jones declaró que "muchas orquestas prestigiosas tienen una membresía femenina significativa (las mujeres superan en número a los hombres en la sección de violines de la Filarmónica de Nueva York) y varios conjuntos de renombre, incluida la Orquesta Sinfónica Nacional, la Sinfónica de Detroit, y la Sinfónica de Minnesota, están dirigidas por mujeres violinistas. Las secciones de la orquesta de metales, percusión y contrabajos siguen siendo predominantemente masculinas, pero reconocen el gran talento de los hombres en las áreas en cuestión".
Solistas
En la música clásica, los solistas pueden realizar solos sin acompañamiento en su instrumento, como ocurre con los pianistas que tocan obras para piano solo o instrumentos de cuerda que tocan suites barrocas para un instrumento (por ejemplo, suites de Bach para violonchelo solo). En muchos casos, sin embargo, los solistas están acompañados, ya sea por un pianista, un pequeño conjunto de música de cámara o, en el caso de un concierto, por una orquesta sinfónica completa. En la temporada 2014-2015, la mayoría de los solistas de conciertos que actuaron con las principales orquestas canadienses eran hombres, todos los cuales pasaron por pruebas de selección en equidad. En la Orquesta Sinfónica de Vancouver, el 67 % de los solistas de concierto eran hombres. En la Orquesta Sinfónica de Toronto, el 74 % de los solistas de conciertos eran hombres. En la Orquesta del Centro Nacional de las Artes, el 79 % de los solistas de concierto eran hombres. En la Orquesta Sinfónica de Montreal, el 84 % de los solistas del concierto eran hombres. Cuando se publicó la noticia de CBC sobre el equilibrio de género de los solistas de conciertos, el director de la Orquesta Sinfónica de Vancouver, Bramwell Tovey , cuestionó la precisión de la noticia con respecto a su orquesta, argumentando que el artículo solo tomó en cuenta una sola temporada, y nunca se destacaba el gran talento de los solistas masculinos, solo se destacaba que eran hombres, sin hacer ni una sola mención a sus talentos o habilidades. Una solista de fama internacional es la argentina Martha Argerich, considerada una de las mejores pianistas de la era grabada.
Cantantes
Música popular
Los cantantes de música popular interpretan las voces de bandas y otros grupos musicales, que pueden variar en tamaño desde un dúo o un trío de poder hasta una gran banda de jazz. Los cantantes suelen hacer presentaciones en vivo y grabaciones de estudio. Los cantantes que realizan presentaciones en vivo pueden cantar en lugares pequeños como cafeterías o clubes nocturnos, o pueden actuar en lugares más grandes que van desde centros artísticos hasta estadios. Algunos cantantes también actúan en videos musicales, que se utilizan para promocionar las canciones. En algunos estilos de música, los cantantes pueden tocar una sección rítmica con instrumento, como guitarra rítmica, bajo eléctrico o un instrumento de percusión mientras cantan. En algunos estilos de pop, los cantantes realizan movimientos de baile coreografiados durante el espectáculo. Tres ejemplos bien conocidos de cantantes pop que realizan elaboradas rutinas de baile en sus espectáculos en vivo son Madonna, Beyoncé y Britney Spears. Madonna es una figura clave en la música popular; los críticos han acreditado retrospectivamente su presencia, éxito y contribuciones allanando el camino para todas las artistas femeninas después de su debut y cambiando para siempre la escena musical para las mujeres en la historia de la música, así como para las estrellas del pop de hoy.
La cantautora y productora musical Bjork ha comentado cómo "el trabajo y la experiencia de las mujeres, dentro y fuera de la industria de la música, pasan más desapercibidos". Ella ha declarado que es invisible, lo que hacen las mujeres" y "no se recompensa tanto" Bjork afirma "que a sus colaboradores masculinos generalmente se les atribuye el sonido de sus discos; debido a que en el escenario ella principalmente canta, existe la suposición generalizada de que ella no trabaja como productora musical ni toca un instrumento". En el año 2015, "mientras aceptaba el honor de Mujer del año en el evento Billboard Women in Music de este año", Lady Gaga comentó sobre las "dificultades de ser una artista femenina". Ella dijo que "a veces es muy difícil para las mujeres en la música. Es como un maldito club de chicos al que simplemente no podemos entrar". Afirmó que "trató durante tanto tiempo… de ser tomada en serio como músico por la inteligencia más que por el cuerpo", pero sintió que otros en la industria no creían que las mujeres pudieran tener esos antecedentes musicales. Un libro de la organización University Press of Kentucky, afirma que los clientes no trataban a una mujer que trabajaba en una tienda de guitarras como si supiera algo sobre guitarras hasta que usara términos especiales de guitarra, y afirma que para las mujeres, en el pasado, incluso entrar en una tienda de guitarras era un "acto de valentía" porque se sentía como en un "club de chicos". Las mujeres artistas no solo sienten la presión de complacer a sus homólogos masculinos, sino que también es difícil para las mujeres DJ encajar en un campo dominado por los hombres desde que crearon los géneros musicales e inventaron la mayoría de instrumentos.
A pesar de la popularidad del funk en la música moderna, pocas personas han examinado el trabajo de las mujeres funk. Como explica la crítica cultural Cheryl Keyes en su ensayo titulado "She Was too Black for Rock and too hard for Soul: Rediscovering the Musical Career of Betty Mabry Davis", la mayor parte de la erudición en torno al funk se ha centrado en el trabajo cultural de los hombres. Ella afirma que "Betty Davis es una artista cuyo nombre no ha sido anunciado como pionera en los anales del funk y el rock. La mayoría de los escritos sobre estos géneros musicales tradicionalmente han colocado a los artistas masculinos mas celebres como Jimi Hendrix, George Clinton (de Parliament-Funkadelic) y el bajista Larry Graham como creadores de tendencias en la formación de una sensibilidad musical rock". Las mujeres funk notables incluyen a Chaka Khan, The Brides of Funkenstein, Klymaxx, LaBelle, Mother's Finest y Betty Davis.
En la música pop de Asia oriental, durante la década de 2010, los grupos de chicas ídolos (generalmente pronunciado como ídols) japonesas han tenido mucho éxito en lo que es el mercado de música física más grande del mundo, y el segundo más grande en general, con 17 sencillos número uno solo en el año 2017. El más vendido de los sencillos, entre todos los grupos de chicas ídolos del pop japonés o J-pop, AKB48, es el acto más vendido en Japón por número de sencillos vendidos, y el tercero por número total de discos vendidos, y también ha tenido el sencillo más vendido. en el país todos los años de la década hasta el momento. Además, el álbum más vendido en el país, llamado First Love, fue lanzado en el año 1999, es de una mujer, cantante y compositora estadounidense de origen japonés llamada Utada Hikaru. Los grupos de chicas ídolos de Corea del Sur también han tenido mucho éxito en la década de 2010, con Twice teniendo el sencillo de mejor desempeño del año 2016 en el país, además de haber ganado un total de 43 premios desde su debut en octubre de 2015. Otra chica ídolo coreana de gran éxito grupo de esta década es Blackpink, alcanzando el lugar más alto para un grupo de chicas de pop coreano, o K-pop en el Billboard Hot 100, además de ser el primer grupo de chicas de K-pop en ser el número uno en la lista de artistas emergentes de Billboard. Ellas también han ganado un total de 16 premios desde su debut en agosto del año 2016. El K-pop se ha vuelto cada vez más popular en los Estados Unidos, con muchos grupos de chicas ídolos subiendo en las tablas de clasificación. Sin embargo, todavía gran parte de la popularidad va hacia los grupos masculinos. Los grupos de chicas ídolos chinas también han logrado recientemente un éxito significativo, con grupos de C-pop como SNH48 y Rocket Girls 101, este último vendiendo más de 1,6 millones de copias de su EP debut en el año 2018.
Blues
El blues femenino clásico fue una forma temprana de música blues popular en la década de 1920. Una amalgama de folk, blues tradicional, y música de teatro urbano, el estilo también se conoce como blues de vodevil. Las canciones clásicas de blues interpretadas por vocalistas femeninas fueron acompañadas por pianistas o pequeños conjuntos de jazz, y fueron los primeros tipos de blues que se grabaron. Las cantantes de blues clásicas fueron pioneras en la industria discográfica, ya que estuvieron entre las primeras cantantes negras y artistas de blues que se grabaron. También jugaron un papel decisivo en la popularización del blues de 12 compases en todo Estados Unidos.
Es a Gertrude "Ma" Rainey (1886-1939), conocida como la "Madre del blues", que se le atribuye el mérito de ser la primera en interpretar el blues en el escenario como un entretenimiento popular cuando comenzó a incorporar el blues en su acto de espectáculo y comedia alrededor del año 1902. La cantante de cabaret de Nueva York Mamie Smith grabó el sencillo "Crazy Blues" en 1920, el cual vendió más de 75.000 copias. Smith se hizo conocida como "La Primera Dama del Blues de los Estados Unidos". En 1920, la cantante de vodevil Lucille Hegamin se convirtió en la segunda mujer negra en grabar blues cuando grabó la canción "The Jazz Me Blues". Ethel Waters , Alberta Hunter, Katie Crippen, Edith Wilson y Esther Bigeou, entre otras, hicieron sus primeras grabaciones antes de finales del año 1921. Estas grabaciones de blues solían etiquetarse como " registros de carreras" para distinguirlas de los discos grabados y vendidos al público blanco. No obstante, las grabaciones de algunas de las cantantes clásicas de blues también fueron compradas por el público blanco. Marion Harris se convirtió en una de las primeras cantantes blancas en grabar blues.
La más popular de las cantantes de blues clásico fue Bessie Smith, nacida en el estado de Tennessee (sin relación con Mamie Smith), quien grabó por primera vez en el año 1923 y se hizo conocida como la "Emperatriz del blues". Firmó con Columbia y se convirtió en la artista negra mejor pagada de la década de 1920, grabando más de 160 canciones. Otras cantantes de blues clásico que grabaron extensamente hasta finales de la década de 1920 fueron Ida Cox, Clara Smith y Sara Martin. Estas primeras cantantes de blues fueron una influencia para las cantantes posteriores como Mahalia Jackson y Janis Joplin. Las contribuciones de estas mujeres del blues al género incluyeron "una mayor improvisación en líneas melódicas, frases inusuales que alteraron el énfasis y el impacto de las letras, y dramatismo vocal usando gritos, gemidos, quejidos y lamentos. Las mujeres del blues efectuaron cambios en otros tipos de cantos populares que tuvieron derivaciones en el jazz, los musicales de Broadway, las canciones de antorcha de los años 30 y 40, la música espiritual, el blues, y finalmente, el rock and roll.
Música country
En tiempos más recientes, se ha desarrollado un subgénero popular llamado: "Bro-Country", que tiene letras que a veces humillan a las mujeres. Algunos artistas populares de "Bro-Country" incluyen a Luke Bryan, Florida Georgia Line y Blake Shelton. El Dr. Eric Rasmussen, profesor de la Facultad de Medios y Comunicación de la Universidad Tecnológica de Texas, argumenta que, en comparación con las décadas de 1990 y 2000 (década), la música country de la década del año 2010 discrimina un poco más a las mujeres.
El "Bro-Country" puede estar influenciado por aspectos históricos de la cultura sureña que se han asociado con el racismo y el sexismo. Las mujeres en la música country a veces siguen enfrentándo estos problemas, y a menudo, no encuentran la forma de abordarlos directamente. Kacey Musgraves, una artista discográfica, describe su experiencia con el sexismo en la música country afirmando que si un sello no puede hacer que tu canción despegue, inmediatamente se culpa a tu personalidad o al hecho de que eres mujer, o que no lo hiciste.
Un gran número de mujeres cantantes del género de la música country han influido en la industria a través de su éxito. A pesar de la popularidad de los artistas country masculinos y la discriminación que se muestra a lo largo de su música, muchas artistas femeninas se han abierto camino, lo que las ha llevado a lograr múltiples logros.
Dolly Parton, una cantante de country que ha estado en la industria por más de 55 años, desarrolló una exitosa carrera por sí misma. Parton constantemente creó nuevos proyectos para lanzar a sus fanes y fue descrita como "imparable" por una revista de cultura pop titulada Rolling Stone. Estos proyectos incluyen más de 45 álbumes musicales, múltiples largometrajes, y la construcción de un parque temático llamado Dollywood, hasta la creación de una empresa productora.
Carrie Underwood, la icónica ganadora de American Idol, también creó un impacto duradero en el género de la música country. Con más de 251.000 unidades vendidas, el álbum llamado Cry Pretty de Underwood fue su cuarto álbum en alcanzar el número uno en la lista Billboard 200. Blown Away, Play On, y Carnival Ride fueron los otros tres álbumes que también llegaron a la cima de las listas. Estos logros la llevaron a convertirse en la primera mujer cantante en tener cuatro álbumes country como número uno en el Billboard 200 de todos los géneros. Underwood tuvo muchos otros números uno a lo largo de su carrera, superando a muchos otros artistas populares, ya que dejó un fuerte impacto en la industria de la música country femenina.
Una activista por los derechos de las mujeres y amante de los animales, llamada Miranda Lambert, fue otra mujer conocida por tener una carrera dominante dentro de la industria de la música. Sus canciones tituladas "Over You" y "Heart Like Mine" alcanzaron las listas de Billboard y las estaciones de radio de música country en los años 2010 y 2011. Como solista, escribe su música a través de la honestidad y la realidad. Los mensajes enviados a través de su música están destinados a ayudar a otras mujeres a no sentirse solas mientras atraviesan situaciones difíciles de la vida. Lambert usa la fama que ha obtenido de la industria de la música y trabaja con organizaciones benéficas como Humane Society como una forma de retribuir.
Jazz
Si bien las mujeres han estado subrepresentadas en el género del jazz como instrumentistas, compositoras, escritoras y directoras de orquesta, ha habido muchas cantantes notables. Bessie Smith cantó tanto blues como jazz. Lena Horne apareció por primera vez en el Cotton Club cuando era adolescente. Ella Fitzgerald y Billie Holiday fueron conocidas por sus baladas durante la era del swing. Shirley Horn cantó jazz y blues. Nina Simone cantó jazz, folk y Rhythm y blues. Etta Jones cantó blues y jazz. Anita O'Day fue conocida por sus contribuciones al estilo Bebop. Betty Carter cantó durante la era post-bop. Mary Lou Williams fue cantante y pianista durante las épocas del swing y el hard bop. Sarah Vaughan es conocida por cantar en la era del Cool jazz. Otras cantantes notables incluyen a Rosemary Clooney, Diane Schuur y Flora Purim. Las cantantes de jazz contemporáneas incluyen a Norah Jones, Diana Krall, Melody Gardot y la cantante y bajista Esperanza Spalding. Esperanza Spalding ha estado tratando de hablar más fuerte y promover más conversaciones sobre la discriminación actual en el jazz. En 2017, Esperanza Spalding pasó 77 horas seguidas creando un álbum completo titulado Exposición para ayudarse a cambiar. Rápidamente se convirtió en "una demostración de destreza intrépida y gran ambición y que mostró, a miles de personas.
Clásica
Los cantantes clásicos suelen hacer presentaciones en vivo y grabaciones. Las presentaciones en vivo pueden ser en lugares pequeños, como iglesias, o en lugares grandes, como salas de ópera o centros artísticos. Los cantantes clásicos pueden especializarse en tipos específicos de canto, como la canción artística, que son canciones interpretadas con acompañamiento de piano, o la ópera, que consiste en cantar acompañada por una orquesta sinfónica en una producción teatral con disfraces. Los cantantes clásicos generalmente se clasifican por su tipo de voz, lo que indica tanto su rango vocal como, en algunos casos, también el "color" de su voz. Ejemplos de tipos de voz que indican el rango de la voz de un cantante incluyen contralto, mezzosoprano y soprano (Estos van desde el rango más bajo hasta el rango más alto). Ejemplos de tipos de voz que indican tanto el rango de la cantante como el "color" de su tipo de voz son Soprano de coloratura y Soprano lírica. Mientras que los cantantes de música popular suelen utilizar un micrófono y un sistema de refuerzo de sonido para sus voces, en la música clásica la voz debe proyectarse en la sala de forma natural, una habilidad para la que realizan un entrenamiento vocal.
Mujeres negras
Marian Anderson (1897-1993) fue una contralto afroamericana de quien el crítico musical Alan Blyth declaró: "Su voz era una contralto rica y vibrante de belleza intrínseca". La mayor parte de su carrera como cantante la dedicó a actuar en conciertos y recitales en los principales lugares de música y con orquestas famosas en los Estados Unidos y Europa entre los años 1925 y 1965. Anderson se convirtió en una figura importante en la lucha de los artistas negros para superar los prejuicios raciales en Estados Unidos a mediados del siglo XX. En 1939, las Hijas de la Revolución estadounidense (DAR por sus siglas en inglés) rechazaron el permiso para que Anderson cantara ante una audiencia integrada en el Salón de la Constitución en Washington. Con la ayuda de la primera dama Eleanor Roosevelt y su esposo Franklin D. Roosevelt, Anderson realizó un concierto al aire libre aclamado por la crítica el domingo de Pascua, el 9 de abril de 1939, en los escalones del Monumento a Lincoln en Washington D.C., cantó ante una multitud de más de 75.000 personas y una audiencia de radio de millones. Anderson continuó rompiendo barreras para los artistas negros en los Estados Unidos, convirtiéndose en la primera persona negra, estadounidense o no, en actuar en la Ópera Metropolitana de la ciudad de Nueva York el 7 de enero del año 1955.
Directoras
La mayoría de los directores de orquesta profesionales son hombres; el diario The Guardian calificó la realización de las directoras de orquesta como "uno de los últimos techos de cristal en la industria de la música" Un artículo de 2013 indicó que en Francia, de 574 conciertos, solo 17 fueron dirigidos por mujeres y ninguna mujer dirigió en la Ópera Nacional de París, aclarando sin embargo que el crédito y la habilidad de los directores hombres eran incuestionables. El medio Bachtrack informó que, en una lista de los 150 mejores directores del mundo ese año, solo cinco eran mujeres. Un pequeño número de directoras se han convertido en directoras internacionales de primer nivel. En enero del año 2005, la directora australiana Simone Young se convirtió en la primera mujer en dirigir a la Filarmónica de Viena. En el 2008 Marin Alsop, protegida de Leonard Bernstein, se convirtió en la primera mujer en convertirse en directora musical, y directora principal de una importante orquesta estadounidense cuando ganó el puesto principal en la Orquesta Sinfónica de Baltimore. Hubo "protestas de una parte de la Sinfónica de Baltimore cuando fue nombrada directora musical por primera vez", pero desde entonces, "los aplausos han llegado". En 2014, Alsop fue la primera mujer directora en dirigir el concierto en la última de laas noches de Proms, uno de los eventos de música clásica más importantes de Gran Bretaña, con 118 años de historia.
Si bien hay una falta de mujeres en la orquesta profesional, estudios más recientes muestran que la profesión de dirección en sí misma carece de diversidad racial y de género. Existe una clara distinción entre el bajo número de mujeres blancas en el campo en comparación con el de hombres blancos, pero aun así hay un número de mujeres mucho más grande que otras identidades raciales y étnicas. La proporción de músicos no blancos representados en la fuerza laboral de la orquesta, y de músicos afroamericanos, e hispanos y latinos en particular, sigue siendo extremadamente baja, y una preocupación mucho más urgente que la presencia de más mujeres. El campo de la orquesta sigue siendo predominantemente blanco. Los puestos como conductores, ejecutivos y personal están dominados por personas blancas, en particular, hombres blancos. En puestos ejecutivos de alto nivel, sigue siendo raro ver mujeres, pero es aun más extraño ver otras razas. Sin embargo, la brecha de género se redujo a principios de la década de 1990, y las mujeres músicas representaron entre el 46 % y el 49 % del grupo total de músicos en las dos décadas posteriores. Entre los años 1980 y 2014 se vio un aumento de cuatro veces en la proporción de músicos diversos en el escenario, impulsado en gran parte por un aumento en los músicos de origen asiático/isleño del Pacífico. A lo largo de los años, se prestó más atención a la disparidad racial y de género en el campo. Esta toma de conciencia ha causado impactos positivos en el campo orquestal. Los datos sobre los conductores de 2006 a 2016 revelan que existe una tendencia gradual pero constante hacia una mayor diversidad racial y étnica, con un porcentaje cada vez mayor de conductores afroamericanos, latinos/hispanos, asiáticos/isleños del Pacífico, indios americanos/nativos de Alaska y otros conductores no blancos del 15,7 % en 2006 al 21 % en 2016. Aunque ha habido una reconstrucción de la blancura y la dominación de género de los blancos en el campo, todavía es muy superior en comparación.
Muchas mujeres dentro de la profesión de orquestación experimentan formas de discriminación, ya sea de género, racial o ambas. Inicialmente, a las mujeres no se les animaba a participar profesionalmente porque la sociedad lo consideraba inapropiado. Además, se consideraba que las mujeres no eran lo suficientemente fuertes ni hábiles para tocar otros instrumentos además del piano, o para sobrevivir a los agotadores horarios de los ensayos. Jeri Lynne Johnson fue la primera mujer afroamericana en ganar un premio internacional de dirección cuando recibió la beca de dirección Taki Concordia en el año 2005. Es la fundadora y directora musical de la Orquesta de Cámara Black Pearl, la primera orquesta multiétnica profesional en Filadelfia. Esta graduada del Wellesley College y la Universidad de Chicago, es directora de orquesta, compositora, y pianista. Desde el 2001 hasta el 2004, fue directora asistente de la Orquesta de Cámara de Filadelfia. Ha dirigido orquestas de todo el mundo, incluidas la Sinfónica de Colorado, la Sinfónica de Bournemouth (en el Reino Unido) y la Weimar Staatskapelle (en Alemania). Junto a las destacadas directoras Marin Alsop y JoAnn Falletta, la Sra. Johnson fue anunciada en el programa de televisión de la NBC llamado Today (programa de televisión)Today Show como una de las principales directoras de orquesta del país.
Según la editora de Radio 3 del Reino Unido, Edwina Wolstencroft, "El mundo de la música ha estado feliz de tener artistas femeninas… durante mucho tiempo… […] Pero poseer autoridad y poder en público es otro asunto. Ahí es donde las directoras han tenido dificultades. Nuestra sociedad se resiste más a que las mujeres sean poderosas en público que a que las mujeres sean entretenidas". El bajo porcentaje de mujeres directoras no se debe a que las mujeres no estudien en la escuela de música; de hecho, entre 2009 y 2012 casi la mitad de los doctorados en dirección eran de mujeres.
El giro por los derechos de las mujeres en la música inició el movimiento feminista en Estados Unidos en el año 1848. El movimiento impulsó a todas las mujeres a luchar por la igualdad de derechos en una gran cantidad de campos como la votación, la educación, el empleo y el matrimonio. Si bien el movimiento por los derechos de la mujer significó el comienzo de la inclusión de mujeres en el campo orquestador, todavía habría barreras que estas mujeres debían superar. Las mujeres de color, en particular, se enfrentaron a muchos estereotipos que desafiaron el valor de su trabajo. De hecho, el trabajo de campo de las mujeres negras enfrentó más escrutinio que sus contrapartes blancas. Un ejemplo clásico de esto se ve en un estudio realizado para el Bulletin of the Council for Research in Music Education, hecho por Elliot Charles, en el año 1996. Elliot examinó: Si la raza y el género influyeron en los juicios de las actuaciones musicales. Cuatro trompetistas y cuatro flautistas fueron grabados en video interpretando el mismo extracto musical. Para cada instrumento, un hombre blanco, una mujer blanca, un hombre negro y una mujer negra sirvieron como modelos. Para controlar la parte de audio del estudio, el investigador utilizó dos actuaciones pregrabadas, una para las trompetas y otra para las flautas. Esto creó el mismo audio para todas las trompetas y flautas. Los estudiantes universitarios de música calificaron cada actuación en una escala tipo Likert. Los resultados revelaron que los artistas negros de cada género e instrumento fueron calificados significativamente más bajos que los artistas blancos. Las calificaciones más bajas se otorgaron a los trompetistas y flautistas negros.
Otras profesiones musicales
Producción discográfica e ingeniería de sonido
Un artículo del periódico Sound on Sound del año 2013 afirmó que hay "pocas mujeres en la producción discográfica y la ingeniería de sonido". Ncube afirma que "noventa y cinco por ciento de los productores de música son hombres, y aunque hay productoras que logran grandes cosas en la música, son menos conocidas que sus contrapartes masculinas". "Solo tres mujeres han sido nominadas a mejor productora en los premios Brits o los Grammy" y ninguna ganó ninguno de los dos premios. "Las mujeres que quieren ingresar al campo productor y se enfrentan a una mentalidad de club de chicos o de gremio".
A pesar de esto, las mujeres han estado asumiendo el desafío desde la década de 1940. Mary Shipman Howard fue ingeniera en la ciudad de Nueva York en la década de 1940. Lillian McMurry fue productora discográfica y fundadora de Trumpet Records en la década de 1950. Una de las primeras mujeres en producir, diseñar, arreglar y promover música con su propio sello discográfico de rock and roll fue Cordell Jackson (1923–2004). Quién fundó el sello Moon Records en la ciudad de Memphis en el año 1956 y comenzó a lanzar y promocionar en el sello, sencillos que grabó en el estudio de su casa, sirviendo como ingeniera, productora y arreglista. Ethel Gabriel tuvo una carrera de 40 años con RCA y fue la primera productora discográfica importante. Trina Shoemaker es mezcladora, productora de discos e ingeniera de sonido responsable de producir/diseñar y/o mezclar discos para bandas como Queens of the Stone Age, Sheryl Crow, Emmylou Harris, Something for Kate, Nanci Griffith y muchos más. En el año 1998, Shoemaker se convirtió en la primera mujer en ganar el premio Grammy al mejor álbum diseñado por su trabajo en The Globe Sessions. . Además de Crow, Shoemaker pasó a trabajar con artistas como Blues Traveler, Emmy lou Harris, las Indigo Girls y las Dixie Chicks.
DJs y tocadiscos
Las mujeres en la música a menudo se ven principalmente en roles de canto en la música popular y hay relativamente pocas mujeres DJ o tocadiscos en la música hip hop, música house, nu metal, y otros géneros en los que participan los DJ y hay tocadiscos. De hecho, todos estos géneros están muy dominados por hombres. Parte de esto puede deberse a un bajo porcentaje general de mujeres en trabajos relacionados con la tecnología de audio, como ingeniería y producción de audio. En un artículo del año 2007 de Mark Katz, titulado "Men, Women, and Turntables: Gender and the DJ Battle", afirmó que "muy pocas mujeres luchan; el asunto ha sido un tema de conversación entre los DJ de hip-hop durante años". En el año 2010, Rebekah Farrugia afirmó que "el carácter masculino de la cultura EDM" contribuye a "una marginación de las mujeres en estos espacios [EDM]". Si bien el turntablism y las otras prácticas de DJ más amplias no deben combinarse, Katz sugiere que el uso o la falta de uso del tocadiscos en general por parte de mujeres en todos los géneros y disciplinas se ve afectado por lo que él define como "tecnofilia masculina". La historiadora Ruth Oldenziel está de acuerdo en sus escritos sobre ingeniería con esta idea de la socialización como factor central en la falta de compromiso con la tecnología. Ella explica: "un enfoque exclusivo por el supuesto fracaso de las mujeres para ingresar al campo… es insuficiente para comprender cómo han surgido nuestras nociones estereotipadas; tiende a colocar la carga de la prueba completamente en las mujeres y a culparlas por su supuesta falta de experiencia, socialización, su falta de aspiraciones y su falta de valores masculinos". Una pregunta igualmente desafiante es por qué y cómo los niños han llegado a amar las cosas técnicas, y cómo los niños históricamente han sido socializados como tecnófilos". Lucy Green se ha centrado en el género, en relación con los artistas y creadores musicales, y específicamente en los marcos educativos en relación con ambos. Ella sugiere que la alienación de las mujeres de las "áreas que tienen una fuerte tendencia tecnológica como DJ, ingeniería de sonido y producción, no se debe necesariamente a su disgusto por estos instrumentos, sino que se relaciona con el efecto de interrupción de sus delineaciones predominantemente masculinas". A pesar de esto, las mujeres y las niñas se involucran cada vez más en las prácticas de tocadiscos, y DJ de forma individual y colectivamente, y "se abren espacios en la cultura EDM y DJ". Existen varios proyectos dedicados a la promoción y apoyo de estas prácticas como el llamado Female DJs London. Algunos artistas y colectivos van más allá de estas prácticas para ser más inclusivos en materia de género. Por ejemplo, Discwoman, una agencia colectiva y de contratación con sede en Nueva York, se describe a sí misma como "representante y exhibidora de mujeres Cisgénero, mujeres trans y talento de género queer".
Véase también
En inglés: Women in music Facts for Kids
- Música surrealista
- Música clásica
- Solfeo
- Cultura de Europa#Música
- Historia de la ópera
Imágenes
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Bi Kidude (1910s–2013) fue una cantante de Taarab de Tanzania nacida en Zanzíbar. Ha sido llamada la "reina de la música Taarab y Unyago".
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Media sección de la versión de la dinastía Song (960-1279) de Night Revels of Han Xizai, original del artista Gu Hongzhong; las mujeres músicas en el centro de la imagen tocan flautas transversales de bambú y guan, y el músico toca un badajo de madera llamado paiban.
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Cantante india M.S. Subbulakshmi (1916–2004)
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El grupo de ídolos AKB48.
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Una profesora de música dirigiendo un conjunto de música en una escuela primaria católica en el año 1943.
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La estadounidense crítica de música pop Ann Powers en el año 2007
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Marion Lignana Rosenberg (1961–2013) fue crítica musical, escritora, traductora, locutora y periodista. Escribió para muchas publicaciones periódicas, incluidas Salon.com, el The New York Times, y Playbill.
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Bernice Johnson Reagon (nacida en 1942) es una cantante, compositora, académica y activista social que fundó el conjunto a cappela llamado Sweet Honey in the Rock en el año 1973. Fue una figura importante en la escena musical
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Elis Paprika, fundadora de Now Girls Rule, actuando en el Festival Playtime en Mongolia en el año 2019
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Carrie Brownstein de la banda de punk-indie Sleater-Kinney, actuando en Vegoose en el año 2005
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La cofundadora de Lilith Fair Sarah McLachlan en el año 2010
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